Живописцы 17 века в европе. Школьная энциклопедия. Новизна в портретной живописи

Среди множества русских и иностранных художников, творивших в России, выдающимися мастерами портрета в 18 веке можно смело назвать

А.П. Антропова, И.П. Аргунова, Ф.С. Рокотова, Д.Г. Левицкого, В.Л. Боровиковского.

На своих полотнах А.П. Антропов и И.П. Аргунов стремились изобразить новый идеал человека – открытого и энергичного. Жизнерадостность, праздничность подчеркивалась яркими красками. Сановитость изображаемых, их дородность передавалась с помощью красивой одежды и торжественных статичных поз.

А.П.Антропов и его картины

Автопортрет А.П.Антропов

В творчестве А.П. Антропова еще заметна связь с иконописью. Лицо мастер пишет слитными мазками, а одежду, аксессуары, фон – свободно и широко. Художник не «лебезит» перед благородными героями своих картин. Он рисует их такими, какими они есть на самом деле, какими бы чертами, положительными или отрицательными, они не обладали (портреты М.А. Румянцевой, А.К. Воронцовой, Петра ІІІ).

Среди наиболее известных работ живописца Антропова портреты:

Измайлова;
А.И. и П.А. Количевых;
Елизаветы Петровны;
Петра І;
Екатерины ІІ в профиль;
атамана Ф.Краснощекова;
портрет кн. Трубецкой

И.П.Аргунов — художник портретист 18 века

И.П.Аргунов «Автопортрет»

Развивая концепцию национального портрета, И.П. Аргунов быстро и легко усвоил язык европейской живописи и отказался от старорусских традиций. Выделяются в его наследии парадные ретроспективные портреты, которые он написал с прижизненных изображений предков П.Б. Шереметева. В его творчестве предугадано и живопись следующего века. Он становится творцом камерного портрета, на котором огромное внимание уделяется высокой одухотворенности образа. Это и был интимный портрет, который стал более распространенным уже в ХІХ веке.

И.П.Аргунов «Портрет неизвестной в крестьянском костюме»

Самыми значимыми в его творчестве были изображения:

Екатерины Алексеевны;
П.Б. Шереметева в детстве;
четы Шереметевых;
Екатерины ІІ;
Екатерины Александровны Лобановой-Ростовской;
неизвестной в крестьянском костюме.

Ф.С.Рокотов — художник и картины

Новая фаза развития этого искусства связана с именем русского художника-портретиста — Ф.С. Рокотова. Игру чувств, изменчивость человеческого характера передает он в своих динамичных образах. Мир живописцу казался одухотворенным, такими выступают и его персонажи: многогранными, полными лиризма и человечности.

Ф.Рокотов «Портрет неизвестного в треуголке»

Ф.С.Рокотов работал в жанре полупарадного портрета, когда человек изображался по пояс на фоне архитектурных построек или пейзажа. Среди первых его работ — портреты Петра III и Григория Орлова, семилетнего князя Павла Петровича и княжны Е.Б. Юсуповой. Они нарядны, декоративны, красочны. Образы выписаны в манере рококо с его чувственностью и эмоциональностью. Благодаря работам Рокотова можно узнать историю его времени. Вся передовая дворянская элита стремилась быть запечатленной на полотнах кисти великого живописца.

Камерным портретам Рокотова свойственны: погрудное изображение, поворот к зрителю на ¾, создание объема сложной светотеневой лепкой, гармоничное сочетание тонов. С помощью данных выразительных средств художник создает определенный тип полотна, на котором изображались честь, достоинство, душевное изящество человека (портрет «Неизвестного в треуголке»).

Ф.С.Рокотов «Портрет А.П.Струйской»

Особенно замечательными получались у художника юношеские и женские образы, и даже сложился определенный рокотовский тип женщины (портреты А.П. Струйской, Е. Н. Зиновьевой и многих других).

Помимо уже упомянутых, славу Ф.С.Рокотову принесли работы:

В.И. Майкова;
Неизвестной в розовом;
В.Е. Новосильцевой;
П.Н. Ланской;
Суровцевой;
А.И. и И.И. Воронцовых;
Екатерины ІІ.

Д.Г.Левицкий

Д.Г.Левицкий Автопортрет

Говорили, будто портреты Д.Г.Левицкого отразили весь век Екатерины. Кого бы ни изображал Левицкий, он выступал тонким психологом и непременно передавал задушевность, открытость, грусть, а также и национальные особенности людей.

Самые выдающиеся его работы: портрет А.Ф. Кокоринова, цикл портретов «Смолянки», портреты Дьяковой и Маркеровского, портрет Агаши. Многие работы Левицкого считаются промежуточными между парадными и камерными портретами.

Д.Г. Левицкий «Портрет А.Ф.Кокоринова»

Левицкий соединил в своем творчестве точность и правдивость изображений Антропова и лирику Рокотова, вследствие чего и стал одним из наиболее выдающихся мастеров XVIII века. Самые известные его работы — произведения:

Е. И. Нелидовой
М. А. Львовой
Н. И. Новикова
А. В. Храповицкого
четы Митрофановых
Бакуниной

В.Л.Боровиковский — мастер сентиментального портрета

Портрет В.Л.Боровиковского, худ. Бугаевский-Благодатный

Личность отечественного мастера этого жанра В.Б. Боровиковского связана с созданием сентименталистского портрета . Его миниатюры и портреты маслом изображали людей с их переживаниями, эмоциями, передавали неповторимость их внутреннего мира (портрет М.И. Лопухиной). Женские изображения обладали определенной композицией: женщина изображалась на природном фоне, по пояс, она опиралась о что-то, держа в руках цветы или фрукты.

В.Л.Боровиковский «Портрет Павла I в костюме мальтийского ордена»

Со временем образы художника становятся типичными для всей эпохи (портрет генерала Ф. А. Боровского), а поэтому художника еще называют историографом своего времени. Перу художника принадлежат портреты:

В.А. Жуковского;
«Лизанька и Дашенька»;
Г.Р. Державина;
Павла I;
А.Б. Куракина;
«Безбородко с дочерьми».

Для развития русской живописи XVIII век стал переломным моментом. Портрет становится ведущим жанром. Художники перенимают от своих европейских коллег технику живописи и основные приемы. Но в центре внимания оказывается человек со свойственными ему переживаниями и чувствами.

Русские портретисты старались не просто передать сходство, но и отразить на своих полотнах душевность и внутренний мир своих моделей. Если Антропов и Аргунов стремились, преодолев условности, правдиво изобразить человека, то уже Рокотов, Левицкий и Боровиковский пошли дальше. С их полотен смотрят одухотворенные личности, настроение которых уловили и передали художники. Все они стремились к идеалу, в своих произведениях воспевали красоту, но красота телесная была лишь отражением человечности и духовности, свойственных русскому человеку.

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость - поделитесь

18-й век - это период, в который происходили колоссальные преобразования во всех сферах: политической, социальной, общественной. Европа вносит в русскую живопись новые жанры: пейзажный, исторический, бытовой. Реалистическое направление живописи становится преобладающим. Живой человек - герой и носитель эстетических идеалов того времени.

В историю искусств 18-й век вошел как время живописных портретов. Иметь свой собственный портрет хотели все: от царицы до обычного чиновника из провинции.

Европейские веяния в русской живописи

Известные русские художники 18 века были вынуждены следовать западной моде по велению Петра I, который хотел европеизировать Россию. Он придавал большое значение развитию изобразительного искусства и даже планировал построить специализированное учебное заведение.

Русские художники 18 века осваивали новые приемы европейской живописи и изображали на своих полотнах не только царей, но и различных бояр, купцов, патриархов, которые старались не отставать от моды и часто поручали местным художникам нарисовать портрет. При этом художники того времени старались обогащать портреты предметами быта, элементами национального костюма, природой и прочее. Внимание акцентировалось на дорогой мебели, больших вазах, роскошных одеждах, интересных позах. Изображение людей того времени воспринимается сегодня как поэтический рассказ художниками о своем времени.

И все-таки ярким контрастом отличаются портреты русских художников 18 века от портретов приглашенных иностранных живописцев. Стоит упомянуть, что для обучения русских художников приглашались художники из других стран.

Виды портретов

Начало 18-го века ознаменовано обращением художников-портретистов к полупарадным и камерным видам Портреты живописцев второй половины 18 столетия дают начало таким видам, как парадный, полупарадный, камерный, интимный.

Парадный отличается от других изображением человека в полный рост. Блеск роскоши - как в одежде, так и в предметах быта.

Полупарадный вид - это изображение модели по колено или по пояс.

Если человек изображен на нейтральном фоне по грудь или пояс - то этот вид портрета называется камерным.

Интимный вид портрета предполагает обращение к внутреннему миру героя картины, при этом фон игнорируется.

Портретные образы

Часто русские художники 18 века были вынуждены воплощать в портретном образе представление заказчика о самом себе, но никак не действительный образ. Важным было учесть общественное мнение о том или ином человеке. Многие искусствоведы давно сделали вывод, что главным правилом того времени было изображение человека не столько таким, каким он являлся на самом деле, либо таким, каким бы он хотел быть, а таким, которым он мог быть в своем лучшем отражении. То есть в портретах любого человека старались изобразить как идеал.

Первые художники

Русские художники 18 века, список которых в общем-то невелик, - это, в частности, И. Н. Никитин, А. П. Антропов, Ф. С. Рокотов, И. П. Аргунов, В. Л. Боровиковский, Д. Г. Левицкий.

Среди первых живописцев 18 века - имена Никитина, Антропова, Аргунова. Роль этих первых русских художников 18 века была незначительна. Она сводилась лишь к написанию огромного количества царских изображений, портретов российских вельмож. Русские художники 18 века - мастера портретов. Хотя часто они просто помогали иностранным мастерам расписывать стены большого количества дворцов, изготавливать театральные декорации.

Имя живописца Ивана Никитича Никитина можно встретить в переписке Петра I со своей женой. Его кисти принадлежит портрет самого царя, канцлера Г. И. Головина. В его портрете напольного гетмана нет ничего искусственного. Внешность не изменена ни париком, ни придворной одеждой. Художник показал гетмана таким, как в жизни. Именно в жизненной правде заложено главное достоинство портретов Никитина.

Творчество Антропова сохранилось в образах Андреевского собора в Киеве и портретах в Синоде. Эти произведения отличает склонность художника к желтому, оливковому цветам, ведь он живописец, который обучался у мастера иконописи. Среди его известных работ - портреты Елизаветы Петровны, Петра I, княгини Трубецкой, атамана Ф. Краснощекова. Творчество Антропова соединило в себе традиции самобытной русской живописи 17-го века и каноны изобразительного искусства Петровской эпохи.

Иван Петрович Аргунов - известный крепостной портретист графа Шереметьева. Его портреты изящны, позы изображенных им людей свободны и подвижны, все в его творчестве точно и просто. Он творец камерного портрета, который впоследствии станет интимным. Значимые работы художника: четы Шереметьевых, П. Б. Шереметьева в детстве.

Не стоит думать, что в то время в России не существовало больше никаких жанров, но великие русские художники 18 века самые значительные произведения создавали все-таки в жанре портрета.

Вершиной 18-го века стало творчество Рокотова, Левицкого и Боровиковского. Человек в портретах художников достоин восхищения, внимания и уважения. Человечность чувств выступает отличительной чертой их портретов.

Федор Степанович Рокотов (1735-1808 гг.)

Почти ничего не известно о Федоре Степановиче Рокотове, русском художнике 18-го века из крепостных князя И. Репнина. Портреты женщин этот художник пишет мягко и воздушно. Внутренняя красота прочувствована Рокотовым, и он находит средства воплощения ее на холсте. Даже овальная форма портретов только подчеркивает хрупкий и нарядный облик женщин.

Главный жанр его творчества - полупарадный портрет. Среди его работ - портреты Григория Орлова и Петра III, княжны Юсуповой и князя Павла Петровича.

Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735-1822 гг.)

Известный русский художник 18-го века - Дмитрий Григорьевич Левицкий, ученик А. Антропова, смог чутко уловить и воссоздать в своих картинах душевные состояния и особенности людей. Изображая богачей, он остается правдивым и непредвзятым, его портреты исключают угодливость и ложь. Его кисти принадлежит целая галерея портретов великих людей 18-го века. Именно в парадном портрете Левицкий раскрывается как мастер. Он находит выразительные позы, жесты, показывая знатных вельмож. Российская история в лицах - так часто называют творчество Левицкого.
Картины, принадлежащие кисти художника: портреты М. А. Львовой, Е. И. Нелидовой, Н. И. Новикова, четы Митрофановых.

Владимир Лукич Боровиковский (1757-1825 гг.)

Русские художники 18-19 века отличаются обращением к так называемому сентиментальному портрету. Художник Владимир Лукич Боровиковский пишет задумчивых девушек, которые на его портретах изображены светлыми красками, они воздушны и невинны. Его героини - не только русские крестьянки в традиционных нарядах, но и уважаемые дамы высшего общества. Это портреты Нарышкиной, Лопухиной, княжны Суворовой, Арсеньевой. Картины несколько схожи, но забыть их невозможно. отличает удивительная тонкость передаваемых характеров, почти неуловимые особенности душевных переживаний и объединяющее все образы чувство нежности. В своих работах Боровиковский раскрывает всю красоту женщины того времени.

Наследие Боровиковского очень разнообразно и обширно. Есть в его творчестве как парадные портреты, так и миниатюрные, и интимные полотна. Среди работ Боровиковского наиболее известными стали портреты В. А. Жуковского, Г. Р. Державина, А. Б. Куракина и Павла I.

Картины русских художников

Картины 18 века русских художников написаны с любовью к человеку, его внутреннему миру и уважением к нравственным достоинствам. Стиль каждого художника, с одной стороны, очень индивидуален, с другой же - имеет несколько общих черт с другими. Этот момент определил тот самый стиль, который подчеркивает характер искусства России в 18-м веке.

Наиболее 18 века русских художников:

«Юный живописец». Вторая половина 1760-х гг. Автор Иван Фирсов - самый загадочный художник 18-го века. На картине изображен мальчик в мундире, который пишет портрет маленькой красивой девочки.
«Прощание Гектора с Андромахой», 1773 г. Автор Антон Павлович Лосенко. Последняя картина художника. На ней изображен сюжет из шестой песни «Илиады» Гомера.
«Каменный мост в Гатчине у площади Коннетабля», 1799-1801 гг. Автор Семен Федорович Щедрин. На картине изображен пейзажный вид.

И все-таки

Русские художники 18 века все же старались раскрыть правду и подлинные характеры людей, несмотря на условия крепостного права и желания богатых заказчиков. Жанр портрета в 18-м веке воплотил специфические черты русского народа.

Несомненно, можно сказать, что, как бы художественное искусство 18-го века ни было подвержено влиянию европейской культуры, все-таки оно привело к развитию национальных русских традиций.

Семнадцатый век является расцветом феодального периода в России. В это время происходит укрепление феодально-крепостного строя и попутное зарождение буржуазных связей в недрах этого же строя. Быстрое развитие городов и общественности в целом привело к расцвету культуры. Живопись в 17 веке в России также обретала силу. Началось сосредоточение народных масс в крупных городах, что, в свою очередь, и было основной причиной столь стремительного развития культуры. Кругозор русских людей также расширило начало промышленного производства, которое заставляло внимательней присмотреться к дальним районам страны. Различные светские элементы проникают в живопись 17 века в России. Картины становятся все более популярными.

Воздействие церкви на искусство

Большую силу воздействия искусства, в частности живописи, осознавала и церковь. Представители духовенства старались держать под контролем написание картин, пытаясь подчинить их религиозной догматике. Преследованию подвергались народные мастера - живописцы, которые, по их мнению, отходили от установленных канонов.

Живопись в 17 веке в России все ещё была далека от реалистических тенденций и развивалась крайне медленно. На переднем плане все ещё было отвлечённо-догматическое и аллегорическое видение живописи. Иконы и росписи отличались перегруженностью мелкими сценамии и предметами вокруг главного изображения. Ещё характерными для того времени были пояснительные надписи на картинах.

Личность и картины 17 века

Описывая живопись в 17 веке в России, нельзя не упомянуть художника Симона Фёдоровича Ушакова, который является автором таких знаменитых картин, как «Спас нерукотворный», «Троица» и «Насаждение древа государства Российского». Примечательным явлением в живописи стал интерес к человеку как к личности. Об этом говорила распространившаяся портретная живопись 17 века в России.

Нужно отметить, что портрет стал достоянием народных масс только с середины 18 века, а до этого времени только близкие к верховной власти могли оставить о себе воспоминание на холсте художника. Некоторое количество парадных и декоративных картин создавалось для больших общественных помещений, таких как Академия художеств, Сенат, Адмиралтейство и Императорские дворцы. Портреты могли заказать и семьи, но не выставляли их напоказ, а оставляли в своём кругу. Они могли украшать даже небогатые петербургские квартиры представителей интеллигенции, которые старались следить за тенденциями и модой в обществе.

Влияние на русскую живопись западноевропейской культуры

Нужно отметить, что живопись в 17 веке в России сильно изменилась, особенно это касается портретной. На передний план стал выходить реальный мир с реальными судьбами и процессами. Все становилось более светским и жизнеподобным. Огромное влияние навевалось с запада. Эстетические вкусы запада постепенно начали перетекать и в Россию. Это касалось не только искусства в целом, но и таких художественных вещей, как посуда, кареты, одежда и многое другое. Стало популярным заниматься портретами как увлечением. Было модно привозить в подарок царю картины с изображением монархов. Вдобавок к этому и посланники были не прочь приобрести интересующие их портреты в мировых столицах. Уже чуть позже стало популярным подражать мастерству писания на холсте иностранных художников. Появляются первые «Титулярники», в которых изображены портреты иностранных и русских государей.

Несмотря на то что сопротивление некоторых кругов росло прямо пропорционально увеличению популярности народного искусства, сдержать движение уже было просто невозможно. Во второй половине столетия живопись в 17 веке в России набрала большие обороты. Одной из основных мастерских художественных центров стала в которой была написана не одна сотня картин двумя десятками мастеров под руководством Лопуцкого, Вухтерса и Безмина. В их работах отражались существовавшие противоречивые тенденции живописи. Часть картин была выполнена в официальном стиле, а другая часть - в западноевропейском.

Новизна в портретной живописи

Живопись в 17 веке в России изменила свой вид. Обрёл новую форму светский жанр - портрет. Основной темой искусства стал именно человек. Можно сделать вывод, что роль отдельной личности как человека возросла. Канонические «лики» отошли на второй план и уступили место житейским отношениям и личности в целом. Поэзии стал достоин реальный человек, а не только божественный или святой. Церемониальный портрет сошёл со сцены русского художества. Естественно, его влияние не закончилось и сегодня, но оно стало не столь значимым. В Петровский период он также находит себе место на русской земле, и даже существует наравне с европейским портретом.

Заключение

Так развивалась живопись 17 века в России. Кратко можно заключить, что именно в это столетие произошёл переломный момент в искусстве, повлиявший на культуру страны и её дальнейшее развитие.

На рубеже 16-17 веков в живописи Италии возникают два художественных направления: одно связано с искусством Караваджо, второе - с творчеством братьев Караччи. Деятельность этих мастеров не только в значительной степени определила характер итальянской живописи. Но и оказала воздействие на искусство всех европейских художественных школ 17 века.

Сущность реформы Караваджо заключалась в совершенно безоговорочном признании эстетической ценности реальной действительности, к изображению которой он обратился в своей живописи. Опыты Караваджо на раннем этапе творчества - один из источников развития бытовой жанровой живописи в искусстве 17 века, например картина «Гадалка».

Караваджо «Гадалка»

Однако в живописи на традиционные сюжеты Караваджо остается верен себе - он «перевел» Священную Историю на народный язык. Искусство Караваджо породило целое направление - караваджизм, получивший распространение не только в Италии, но и в Испании, Фландрии, Голландии, Франции.

Караваджистами называют как истинных последователей, постигших сущность реформы Караваджо (Орацио Джентилески, Джованни Серодине), так и многочисленных подражателей, заимствующих мотивы и приемы из произведений художника.

В 17 веке в Италии выразительно развитая форма барокко с присущей ей ощущения «естественности» стирала как бы грань между иллюзией и реальностью. Классицизм и реализм - свойственные той эпохе тенденции, противопоставлялись стилю барокко или другим компонентам этого стиля. Великий пейзажист Сальватор Роза, Алессандро Маньяско, Джованни Серодине, Доменико Фетти - вот далеко неполный список последователей Караваджо.

Итальянский художник Микеланджело Меризи да Караваджо (1573-1610) является крупнейшим мастером реалистического искусства 17- го века. Он становится истинным наследником Возрождения, будучи бунтарем в искусстве и в жизни он смело ломает академические каноны. В картине раннего его творчества «Гадалка» он описывает женщину в белой кофте, которая предсказывает молодому человеку, одетому в шелковый камзол плащ и в шляпе со страусовым пером его судьбу.

Герои художника обычные люди, он старается приодеть их в красивые одежды и сделать как можно миловиднее. В картине Караваджо «Успение Марии» в первую очередь обращают на себя внимание апостолы, убитые горем и собравшиеся вкруг умершей Божьей Матери. Богородица лежит в алых одеждах, руки безвольно обвисли, глаза закрыты, бледный вид, подчеркнутый примененным алым цветом, типичным для работ Караваджо.

В помещении столпились пришедшие попрощаться с покойницей. Лысые головы мужчин склонились в скорбном молчании, кое-кто, горюя, смахивает слезу. На маленьком стульчике сидит скорбящая девушка. Сломленная горем, она положила свою голову на руки и плачет.

Репродукция картины Караваджо «Смерть Марии»

Самый интересный из всех мастер - караваджист Джованни Серодине (1600-1630). Родившийся в Северной Италии, обучаясь в Риме, и увлекшись караваджизмом, юноша выработал собственный стиль написания картин.

В картине «Христос, проповедующий в храме» резкий свет выявляет выразительную палитру Серодине, в которой преобладают коричневатые и красноватые тона. Драматический световой эффект предвосхищает картины Рембранта. Серодине пишет стремительными сильными мазками, придавая его образам драматическую напряженность, а цвет и свет придают органичность живописному единству.

Наряду с реалистичным искусством стиля Караваджо, в 17 веке также обозначилось и другое художественное явление, такое как болонский академизм, возникший в тесной связи с формированием нового стиля в архитектуре и живописи - барокко. В этом преуспели художники - братья Агостино и Аннибале Караччи и их брат Лодовико Караччи. Братья старались использовать ренессансное наследие, особенно талантливым был Аннибале Караччи. Он являлся фактически ведущей фигурой в новом течении. Аннибале Караччи создавал торжественное монументальное искусство, особенно применяемое в росписях церквей, дворцов и алтарных образов. Создается новый алтарный тип картины, например, «Мадонна, являющаяся святому Луке».

Репродукция Аннибале Караччи «Мадонна, являющаяся святому Луке».

Тосканец же художник Орацио Джентилески (1565-1639), который родился в Пизе, навсегда сохранил черты тосканской культуры: вкус к утонченным драпировкам, четким формам, холодным цветам. Он также был подражателем Караваджо, но более обращал внимание на идиллическую передачу образов как, например, в картине «Отдых на пути в Египет»

Фото картины Орацио Джентилески «Отдых на пути в Египет»

Жанрово-реалистические искания наиболее отчетливо выразились в творчестве художника Доменико Фетти (1589-1623). Фетти отдавал дань и реалистичному караваджизму и барочной живописи; в его работах наиболее заметно влияние венецианских художников Рубенса и пейзажиста Эльсгеймера. Сам Фетти проявился как превосходный колорист, пишущий небольшими вибрирующими мазками и оживляющие холсты голубовато-зеленые и коричнево-серые цвета красок. Он больше стремится писать жанрово-лирические образы, трактуя образы религиозные, как например, в картине «Притча о потерянной драхме».

Репродукция картины Доменико Фетти «Притча о потерянной драхме».

Просто и поэтично рассказывает художник о притче с потерянной драхмой. В пустой почти комнате молодая женщина, молча, склонилась в поиске монеты. Поставленный на пол небольшой светильник освещает фигуру и часть помещения, образуя при этом причудливую колеблющиеся тени на полу и стене. На границах соприкосновения света и теней загораются золотистые, белые и красные цвета живописи. Картина кажется согретой мягким лиризмом.

С именем Сальватора Роза из Неаполя (1615-1673) часто связывают представления о так называемых романтических пейзажах и вообще о характерном «романтическом» направлении в живописи 17 - го века.

Живописное творчество Сальватора Роза очень неровное и противоречивое. Он работал в самых разных жанрах - историческом, портретном, батальном и пейзажном, а еще он писал картины на религиозные сюжеты. Многие его работы находятся в как бы зависимости от академического искусства. Другие же свидетельствуют об увлеченности караваджизмом. Такова, например, картина «Блудный сын», где изображен коленопреклоненный молодой пастух рядом с овцами и коровой. Грязные пятки коленопреклоненного блудного сына, изображенные прямо на переднем плане, очень напоминают приемы Караваджо.

Фото картины Сальватора Роза «Блудный сын»

Романтическое описание пейзажа и жанровых сценок в творчестве Роза было как бы оппозицией официальной барочно-академической живописи.

Творческая деятельность братьев Карраччи привлекала к ним в Болонье и в Риме молодых художников, продолжавших идеи Карраччи в монументально-декоративной и пейзажной живописи. Из его учеников и соратников наиболее известные Гвидо Рени и Доменикино. В их творчестве стиль болонского академизма достигает окончательной канонизации.

Гвидо Рени (1575-1642) известный, как автор многих религиозных, а также мифологических работ, умело выполненных, но скучных и сентиментальных. Имя этого одаренного художника стало синонимом всего скучного, безжизненного и ложного, что было в академической живописи.

Фото картины Гвидо Рени « Аврора».

Эта прекрасная композиция, полна легкой грации и движения, она написана в холодной гамме серебристо-серого, голубого и золотистого цвета и хорошо характеризует утонченность и условность стиля Рени, который сильно отличается от грубой пластики и сочных красок чувственных образов братьев Карраччи.

Черты элементов классицизма наиболее полно сказываются в творчестве еще одного представителя болонского академизма -Цампьери Доменико, или Доменикино (1581 - 1641). Являясь учеником Аннибале Карраччи, он помогал ему при росписи галерей Фарнезе, Доменикино пользовался известностью своими знаменитыми фресковыми циклами росписи в Риме и в Неаполе. Большинство его работ мало выделяется на фоне работ других художников академического стиля. Лишь те картины, где большее место отводится пейзажам, не лишены поэтической свежести, например «Охота Дианы»

Фото картины Доменикино «Охота Дианы»

Художник изобразил на картине состязание нимф по меткости в стрельбе, как это было описано в «Энеиде» древнеримским поэтом Вергилием. Одна стрела должна была попасть в дерево, другая - в ленту, а третья - в парящую птицу. Диана, продемонстрировала свои умения, и не скрывает своей радости, потрясая в воздухе луком и колчаном.

Италия, играя ведущую роль в живописи, архитектуре и культуре западноевропейских стран в эпоху Возрождения, к концу XVII века постепенно теряет ее. Но она еще долгое время всеми признается законодательницей художественного вкуса и на протяжении нескольких столетий в Италию прибывают целые толпы паломников от искусства, в то время как на художественной арене стран Европы возникают могущественные новые школы.

Ссылки:

От: Максименко В., 38842 просмотров

В истории искусства России 17 век был периодом борьбы двух живописных школ и формирования новых жанров. Православная церковь все еще имела огромное влияние на культурную жизнь человека. Художники тоже испытывали некоторые ограничения в своей деятельности.

Иконопись

Во времена позднего Средневековья центром сосредоточения в России художников и ремесленников был Кремль, а точнее Оружейные палаты. Там трудились лучшие мастера архитектуры, живописи и других видов творчества.

Несмотря на стремительное развитие искусства по всей Европе, живопись в России в 17 веке имела только один жанр - иконопись. Художники вынуждены были творить под неусыпным надзором церкви, которая всячески противилась любым нововведениям. Русская иконопись сформировалась под влиянием живописных традиций Византии и имела к тому времени четко сформировавшиеся каноны.

Живопись, как и культура в России 17 века, была достаточно замкнутой в себе и развивалась очень медленно. Однако одно событие повлекло за собой полное реформирование иконописного жанра. При пожаре в 1547 года в Москве сгорело множество древних икон. Необходимо было восстанавливать утраченное. И в процессе главным камнем преткновения стал спор по поводу характера ликов святых. Мнения разделились, приверженцы старых традиций считали, что образы должны остаться символичными. В то время как художники более современных взглядов были за то, чтобы придать святым и мученикам большую реалистичность.

Разделение на две школы

В итоге живопись в России в 17 веке разделилась на два лагеря. В первом были представители "годуновской" школы (от имени Бориса Годунова). Они стремились к возрождению иконописных традиций Андрея Рублева и других средневековых мастеров.

Эти мастера работали над заказами для царского двора и являли собой официальную сторону искусства. Характерными чертами для этой школы были каноничные лики святых, упрощенные изображения толпы людей в виде множества голов, золотистые, красные и сине-зеленые тона. При этом можно заметить попытки художников передать материальность некоторых предметов. Годуновская школа наиболее известна своими настенными росписями в палатах Кремля, в Смоленском соборе, Троицком соборе.

Противоборствующей школой стала "строгановская". Название связано с купцами Строгановыми, для которых делалась большая часть заказов и которые выступали в качестве "спонсоров" в развитии живописи в России в 17 веке. Именно благодаря мастерам из этой школы и началось стремительное развитие искусства. Они первыми стали делать миниатюрные иконы для домашних молитв. Это способствовало их распространению среди простых граждан.

Строгановские мастера все больше и больше выходили за рамки церковных канонов и стали уделять внимание деталям окружения, внешнему виду святых. Так потихоньку стал развиваться пейзаж. Их иконы отличались красочностью и декоративностью, а трактовка библейских персонажей была ближе к образам реальных людей. Самые известные из сохранившихся произведений - иконы "Никита воин", "Иоанн Предтеча".

Ярославские фрески

Уникальным памятником в истории живописи 17 века в России являются фрески в церкви Пророка Ильи в Ярославле, над которыми работали художники из Оружейных палат. Особенностью этих фресок являются сцены из реальной жизни, которые преобладают над библейскими сюжетами. Например, в сцене с исцелением основную часть композиции занимает изображение крестьян во время жатвы. Это было первое монументальное изображение в бытовом жанре.

Среди этих фресок можно встретить сказочные и мифологические сцены. Они поражают своими яркими красками и сложной архитектурой.

Симон Ушаков

На каждом этапе культурного развития страны появляются свои значимые лица. Человеком, который продвинул живопись в России в 17 веке по новому направлению и способствовал ее частичному освобождению от религиозной идеологии, был Симон Ушаков.

Он являлся не только придворным живописцем, но и ученым, педагогом, богословом, человеком широких взглядов. Симон был увлечен западным искусством. В частности, его интересовало реалистичное изображение человеческого лица. Это хорошо заметно в его работе "Спас Нерукотворный".

Ушаков был новатором. Он первым из русских художников стал использовать масляную краску. Благодаря ему стало развиваться искусство гравюры на меди. Будучи тридцать лет главным художником Оружейной палаты, он написал множество икон, гравюр, а также несколько трактатов. Среди них "Слово к любителю иконного писания", в котором он изложил свои мысли о том, что художник должен, подобно зеркалу, правдиво отображать окружающий мир. Он придерживался этого в своих работах и обучал этому своих учеников. В его записях есть упоминания анатомического атласа, который он хотел написать и проиллюстрировать гравюрами. Но, судя по всему, он не был издан или же не сохранился. Главная заслуга мастера в том, что он заложил основы портретной живописи 17 века в России.

Парсуна

После значительных преобразований в иконописи, начал формироваться портретный жанр. Поначалу он выполнялся в иконописном стиле и получил название "парсуна" (от латинского - персона, личность). Художники все больше работают с живой натурой, и парсуны становятся более реалистичными, лица на них приобретают объем.

В этом стиле написаны портреты Бориса Годунова, царей Алексея Михайловича, Федора Алексеевича, цариц Евдокии Лопухиной, Прасковьи Салтыковой.

Известно, что при дворе работали и иностранные художники. Они тоже в значительной мере способствовали эволюции русской живописи.

Книжная графика

Книгопечатание тоже довольно поздно пришло на русские земли. Однако параллельно с его развитием популярность приобретали и гравюры, которые использовались в качестве иллюстраций. Изображения были как религиозного, так и бытового характера. Книжная миниатюра того периода отличается сложным орнаментом, декоративными буквицами, встречаются и портретные изображения. Большой вклад в развитие книжной миниатюры внесли мастера строгановской школы.

Живопись в России в 17 веке из высокодуховной превратилась в более мирскую и близкую к народу. Несмотря на противодействие церковных деятелей, художники отстояли свое право творить в жанре реализма.