Муниципальное общеобразовательное учреждение

гимназия №15

Открытый городской конкурс социокультурных проектов

духовно- нравственного развития обучающихся муниципальных

образовательных учреждений Волгограда

«Восхождение к себе, к Другому, к миру»

Номинация «Художественно- эстетический проект»

ТЕМА ПРОЕКТА

« Портрет как зеркало души»

Выполнили:

Кадушкина Анастасия Валимовна

Колтакова Римма Арамовна

Искаков Эльдар Рафаильевич

учащиеся 9б класса

Руководитель проекта:

Бабаян Юлия Юрьевна,

учитель английского языка

1 квалификационной категории

Волгоград 2014

ВВЕДЕНИЕ......................................................................................... 3-6

ГЛАВА 1. Виды изобразительного искусства................................. 7-8

ГЛАВА 2. Жанры живописи............................................................. 8-11

2.1. Портрет как жанр живописи.................................................... 12- 14

ЗАКЛЮЧЕНИЕ.................................................................................. 15

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ.................................................................. 16

ПРИЛОЖЕНИЕ 1

ПРИЛОЖЕНИЕ 2

ПРИЛОЖЕНИЕ 3

ПРИЛОЖЕНИЕ 4

ВВЕДЕНИЕ

Мир искусства богат и сложен. Мы рассматриваем живописные полотна и статуи, слушаем симфонии, читаем романы, останавливаемся перед величественными зданиями, следим за движениями танцоров, воспринимаем театральные спектакли и кинофильмы. И все эти очень разные, казалось бы, несовместимые явления обозначаются одним словом – искусство.

Искусство (от старославянского искоусити) – это художественное творчество в целом.

Существуют следующие виды искусства: изобразительные, музыкальные, танцевальные, кино .

Предметом нашего разговора, конечно, будет являться изобразительное искусство и люди, которые этим занимаются (Приложение 1, 2)

Художник – кто он?

Если рассмотреть слово художник именно как профессию, то здесь подразумевается человек, который зарабатывает деньги с помощью занятия изобразительным искусством. Но творчество художника может не приносить дохода, занятие изобразительным искусством может быть просто хобби.

Первые художники – появились в Испании и Южной Франции в первобытных пещерах приблизительно 30 000 – 10 000 лет до н. э. Они наносили на стены цветные рисунки, не подозревая о появлении позже различных видов искусства. Причины появления художников возникли от потребности передавать информацию о быте, охоте и других социальных сферах жизни человека.

От этих первых признаков пробудившейся в человеке жажды художественного освоения действительности изобразительное искусство, развиваясь на протяжении веков и тысячелетий в тесной связи с развитием общества и особенно его духовной культуры, получает все большее и большее распространение и раскрывает свои практически неисчерпаемые творческие возможности.

Актуальность проекта

Наблюдения показывают, что мы часто затрудняемся в изображении человека, поэтому стараемся избегать этот образ в самостоятельной творческой деятельности или создаем его схематично. Исходя из этого, необходимо научиться рисованию человека, показав разнообразные способы изображения. Впечатления, полученные от восприятия искусства портрета, побудило меня взяться за кисть и попробовать себя в роли художника-портретиста, отразив свои чувства и представления об окружающих людях.

Данная тема построена на эмоционально-чувственном восприятии. Поэтому сначала мне хотелось нарисовать портреты близких мне людей. Рисовать такие портреты лучше с живой модели, но можно использовать в качестве натуры фотографии или рисовать по памяти.

Эмоциональные переживания, связанные с образом близкого человека, способствуют проявлению интереса к изобразительной деятельности, концентрации внимания и чувств на создаваемом образе.

Цель проекта :

Обогатить чувственный опыт через эстетическое восприятие портретной живописи, развивать творческие способности.

Задачи:

Уточнить знания о жанре портрета, его видах и особенностях.

Научиться давать эмоционально-личностную оценку произведению.

Совершенствовать технические навыки изображения человека.

Научиться понимать других людей, передавать их внутренний мир и выражать свое отношение к человеку, изображенному на портрете.

Создать книжку "Портрет как зеркало души".

Вид проекта : творческий, долгосрочный, групповой.

Этапы работы над проектом.

Этап

Деятельность детей

Деятельность педагога

Подготовитель

ный этап

1. Сбор информации, подборка фотографий, посещение

Художественного салона.

2. Совершенствовать технические навыки изображения человека.

1.Читает рассказы и стихи с описанием внешности человека.

2. Оформляет выставку работ.

Формулирова

ние проблемы

2. Осознают и личностно воспринимают проблему

3. Принимают задачи проекта

2. Формулирует проблему.

Проблема: затруднения в изображении человека

Цель: нарисовать портрет мамы или близкого человека.

3. Формулирует задачи:

Узнать что такое портрет

Выбрать изобразительные материалы

Определить последовательность изображения

Систематиза

ция информации о портретной живописи

Диалоговые беседы «О чем рассказывает портрет», «Настроение человека в искусстве», «Колорит в портрете», «Образ матери в произведениях искусства»

Проводит беседы «О чем рассказывает портрет», «Настроение человека в искусстве», «Колорит в портрете», «Образ матери в произведениях искусства»

Практическая деятельность

1. Выбирают изобразительные материалы

2. Совместно составляют схему последовательности изображения погрудного портрета

3. Экспериментирование с красками в поисках цвета кожи человека

4. Рисование по с соблюдением выбранной последовательности

1. Предоставляет различные изобразительные материалы

2. Оказывает практическую помощь (по необходимости)

3. Ведет совместно с детьми экспериментальную деятельность

4. Организует работу

Оформление

Оформляют рамки для портретов близких людей.

Помогает в оформлении выставки работ

Презентация

1.Договариваются о защите проекта.

2. Представляют продукт деятельности (книгу со своими работами)

Принимает участие в защите проекта

ГЛАВА 1 . Виды изобразительного искусства

Важнейшая особенность изобразительного искусства состоит в свойственной ему удивительной способности передавать все многообразие и сложность жизни, всю ее динамичность через изображение одного события или момента.

Подлинно прекрасные произведения изобразительного искусства оказывают огромное идейно-эмоцианальное воздействие на зрителя и его специфические особенности своеобразно раскрываются в каждом отдельном его виде.

Когда говорят о видах искусства, имеют в виду различные произведения, которые могут быть объединены по какому-то общему для них признаку. Основными видами изобразительного искусства являются:

Живопись (работа выполненная в цвете, красками, на плоскости)

Графика (работа выполненная линиями, штрихами, на плоскости без красок)

Скульптура (работа выполненная в объеме путем высекания, лепки, отливки)

Архитектура (искусство создавать здания, сооружения, комплекс сооружений)

Декоративно-прикладное искусство (искусство украшать)

До XIX века тремя главными видами считались:

Архитектура (зодчество)

Скульптура (высекание)

Живопись (писать живо)

Затем появился еще один вид искусства

Графика (рисунок)

скульптура (лат. sculptura, от sculpo - вырезаю, высекаю), ваяние, пластика, вид изобразительного искусства, произведения которого имеют объёмную, трёхмерную форму и выполняются из твердых или пластических материалов.

живопись , вид изобразительного искусства, художественные произведения, которые создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо твёрдую поверхность.

архитектура (лат. architectura, от греч. architéktôn - строитель) (зодчество), искусство проектировать и строить здания и другие сооружения (а также их комплексы), создающие материально организованную среду.

графика (греч. graphikë, от gráphô - пишу), вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатные художественные изображения (гравюра, литография, монотипия и др.), основанные на искусстве рисунка, но обладающие собственными изобразительными средствами и выразительными возможностями...

декоративно-прикладное искусство , область декоративного искусства: создание художественных изделий, имеющих практическое назначение в общественном и частном быту, и художественная обработка утилитарных предметов (утварь, мебель, ткани, орудия труда, средства передвижения, одежда, украшения, игрушки и т. д.).

ГЛАВА 2. Жанры живописи

В процессе становления изобразительного искусства формировались и жанры живописи. Если на картинах пещерных людей можно было увидеть только то, что их окружало, то со временем живопись становилась все более многогранной и приобретала широкий смысл.

Жанр – в теории изобразительного искусства область искусства, ограниченная кругом тем, предметов изображения, авторским отношением к предмету.

В современной живописи существуют следующие жанры:

Анималистка – жанр изобразительного искусства, главные герои – животные. Древнейший – анималистический (от франц.Animale – животное). Именно ему больше всего внимания уделяли первобытные художники. В древнем мире изображения животных были символичны. Сфинкс – олицетворение единства животного и человека, в ассирийской культуре – образ крылатого быка с головой человека, в греческой – кентавра. Анимализм связан не только с изобразительным искусством, но и с литературой. Известный писатель – анималист Евгений Чарушин написал и проиллюстрировал множество своих произведений. Произведения анималистического жанра призывают беречь, любить и изучать животный мир, природу.

Карикатура от итал. caricatura, от caricare – преувеличивать – особый жанр графического искусства, построенный на использовании элементов сатиры и юмора. В карикатуре сознательно преувеличиваются, обостряются какие-либо внешние или внутренние черты персонажей или явлений. В карикатуре может сочетаться реальное и фантастическое, правдоподобное и абсурдное. При этом всегда преследуется конкретная цель – осмеяние определенного лица или явления. Графическая карикатура получает наибольшее распространение в периоды социальных конфликтов: восстаний, войн, революций.

Пейзаж – от франц. paysage, от pays – страна, местность – в изобразительном искусстве жанр или отдельное произведение, в котором основным предметом изображения является природа. Начиная с эпохи Возрождения пейзажные мотивы неотъемлемы от изображения человека, они лишь указывают на место действия, часто довольно условно (как, например, в русских иконах). Художники Ренессанса обращаются к непосредственному изучению натуры, разрабатывают принципы перспективного построения пейзажного пространства.

Пейзажный жанр возник в Европе сравнительно недавно хотя в странах Азии он появился намного столетий раньше. Пейзаж очень богат разновидностями: сельский, городской, марина (Itал. marina – морской). В 1897 году вместе с картиной Рерих “Гонец” возник пейзаж исторический, показывающий природу, всей ее древности, как бы увиденной глазами наших далеких предков. Произведения А. М. Васнецова, посвященные прошлому Москве “Симонов монастырь. Облака и золотые купола”, “Красная площадь”, вы, можно отнести к историческому городскому пейзажу. Написал в 1923 году картину “Транспорт налаживается”, Б. Н. Яковлев основоположник советского индустриального пейзажа.

Натюрморт – от франц. nature morte – мертвая природа – жанр изобразительного искусства (главным образом живописи и графики), который посвящен изображению неодушевленных предметов, размещенных, в единой среде и объединенных в группу. Натюрморт может состоять из однородных предметов (например, только посуды) либо сочетать разнородные (цветы, посуда, ткани и т. п.). В натюрмортах могут изображаться и объекты живой природы, но изолированные от своей естественной среды и тем самым обращенные в вещь (рыба на столе, дичь и т. п.). Натюрморт оформился в самостоятельный жанр лишь в XYII веке в Голландии. И хотя это слово переводится с французского как “мертвая натура”, натюрморт рассказывает о красоте жизни; созданных человеком удобных и полезных вещах, о прекрасны, творениях природы – цветах, плодах, дарах моря и т. д.

Бытовой жанр – один из жанров изобразительного искусства, посвящённый повседневной частной и общественной жизни, обычно современной художнику. К бытовому жанру относятся бытовая (жанровая) живопись, графика и скульптура, преимущественно небольших размеров. Расцвет бытового жанра Нового времени связан с ростом демократических и реалистических художественных тенденций, с обращением художников к народной жизни и трудовой деятельности простых людей, с постановкой в искусстве важных социальных вопросов.

К бытовому жанру относятся: картины, рисунки, скульптуры, рассказывающие о событиях повседневной жизни.

Исторический жанр , один из основных жанров изобразительного искусства, посвященный воссозданию событий прошлого и современности, имеющих историческое значение.

Сказочно-мифологический – жанр изобразительного искусства, герои которого персонажи былин, мифов, сказок. Это один из самых душевных и таинственных жанров.

Батальный жанр (от фр. bataille - битва) - жанр изобразительного искусства, посвященный темам войны и военной жизни. Главное место в батальном жанре занимают сцены сухопутных, морских сражений и военных походов. Художник стремится запечатлеть особо важный или характерный момент битвы, показать героику войны, а часто и раскрыть исторический смысл военных событий, что сближает батальный жанр с историческим.

Жанры живописи могут сливаться и тесно взаимодействовать друг с другом. Некоторые жанры со временем теряют актуальность, а многие наоборот, продолжают развиваться вместе с жизнью.

2.1 Портрет как жанр живописи

Портрет (франц. portrait , от устаревшего portraire - изображать) - жанр искусства (изобразительного или литературного), целью которого является изображение человека, его внешний облик, а через него и внутренний мир.

В русском языке слову портрет соответствует слово «подобен». Под портретом подразумевают изобретение определенного, конкретного человека или группы людей, в котором передан, воспроизведен индивидуальный облик человека, раскрыты его внутренний мир, сущность его характера.

Портрет, главным образом, характерен для станкового искусства, и чаще всего используется как жанр живописи.

Необходимое требование, предъявляемое к каждому портрету – индивидуальное сходство . Сходство это не ограничивается лишь внешними признаками. Портрет предполагает не только передачу внешнюю, но и выражение свойств, сути, души человека, а не только его внешности.

Портрет предполагает раскрытие личности – характера, психологии модели, то есть создание образа реального конкретного человека. В данном случае под словом образ мы понимаем художественное изображение, художественное претворение реального человека. Следовательно, портрет – это образ реального конкретного человека .

Существует множество разновидностей портрета. По характеру изображения выделяют две основные группы: парадный портрет и камерный .

Как правило, парадный портрет предполагает показ человека в полный рост, а в камерном используется поясное , подгрудное , и оплечное изображения. В парадном портрете фигура дается на архитектурном или пейзажном фоне, а в камерном чаще на нейтральном.

Главным, стержневым компонентом задуманного портретного образа является лицо . Точнее – выражение лица, а именно глаза. Очень часто сам портретист сочиняет выражение лица героя своего будущего произведения, синтезируя все впечатления, которые возникли у него в процессе изучения оригинала и одухотворяя их своим взглядом на мир.

Портретный образ есть результат взаимодействия портретиста и модели. Зритель, глядя на портрет, знакомится не только с изображенным человеком, но и с самим художником. Одна и та же модель в живописном восприятии разных портретистов будет выглядеть по-разному, понимание своего героя.

Художник может подчеркнуть свою близость с оригиналом или выявить критическое восприятие к нему. Эта «автопортретичность» присутствует в любом художественном образе, в любом портрете изначально. Необходимость и неизбежность творческого «я» портретиста любого задуманного им образа очевидны. Однако не только удачно задуманное лицо обеспечивает успех портретиста. Но и композиция играет в творческом замысле многих портретистов главную роль.

Под композицией портрета мы подразумеваем личности в окружающей среде, так и действенную связь основных его компонентов. Именно в действии – позе, жесте могут быть раскрыты многие существеннейшие оттенки характера и состояния изображаемого человека.

По количеству изображенных на одном холсте человек обычно выделяют двойной и групповой портрет. Парными называют портреты, написанные на разных холстах, если они согласованы между собой по композиции, формату и колориту. Чаще всего это портреты супругов. Нередко портреты образуют целые ансамбли – портретные галереи, обычно это представители одного рода, портреты, сделанные после смерти называются ретроспективными. Иногда при классификации используется сословный принцип («купеческий» портрет).

От портрета, в первую очередь, требуется сходство с тем человеком, который на нем изображен. В одних случаях оно не выходит за пределы внешней похожести, в других раскрывает зрителю характер и внутренний мир портретируемого.

В особую группу выделяют автопортрет – это изображение художником самого себя.

Главная цель портрета - показать индивидуальные особенности данного человека. Один и тот же человек по-разному выглядит в портретах, написанных разными художниками, в зависимости от характера их творчества или от их отношения к портретируемому. Недаром ведь часто утверждают, что каждый портрет – это, прежде всего, портрет художника. Художник, работая над портретом, не только более или менее объективно характеризует того или иного человека, но обычно выражает также свое к нему отношение, стремясь внушить его и зрителю. По большей части не так-то просто бывает усмотреть в портрете отношение художника, ибо выступает оно обыкновенно в скрытой форме, в виде объективных свойств того, чей портрет оказывается перед зрителем. Иногда чувства художника выражены в портрете столь сильно, что они бросаются в глаза, даже вполне совпадая с объективной характеристикой.

Само собой разумеется, что на разных этапах развития искусства портрета ему предъявляли различные требования, и перед портретистами возникали разные задачи. Решение, которых определило особенности портретного жанра тех или иных эпох, школ, направлений.

Итак, специфика портрета заключается в его основных чертах. Именно специфичные свойства портрета отличают его от других жанров живописи. Под портретом подразумевают изобретение определенного, конкретного человека или группы людей, в котором передан, воспроизведен индивидуальный облик человека, раскрыты его внутренний мир, сущность его характера, но в отличие, от графики или рисунка, в живописном портрете характерна лепка мазком, передача цветом, игра тона и контраста. Портрет, главным образом, характерен для станкового искусства, и чаще всего используется как жанр живописи. В этом и заключается специфика портрета как жанра живописи (Приложение 4)

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Мы научились планировать свою работу, пользоваться различными источниками информации, отбирать нужные материалы, аргументировать свое мнение, принимать решения, создавать «конечный продукт» - материальный носитель проектной деятельности, представлять созданное перед аудиторией, оценивать себя и других.

Итак, получив знания о жанрах портрета, его видах и особенностях я научилась давать эмоционально- личностную оценку произведению, понимать других людей, передавать их внутренний мир и выражать свое отношение к человеку, изображенному на портрете, понимать истинную красоту, которая, не всегда может быть тихой и спокойной, скромной и собранной, или яркой и громкой.

Целью работы было создание книжки, знакомящей с моими работами (Приложение 3). Она достигнута. Думаю, что у одноклассников и сверстников появится интерес к изобразительному искусству.

Материалы работы могут быть использованы учителями на уроках изобразительного искусства, МХК и во внеклассной работе.

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ

1.Басина Н., Суслова О. С кисточкой и музыкой в ладошке. М.: Линка-Пресс, 1997

2.Бесчастнов М.В. Черно-белая графика. М.: Владос, 2002

3.Большаков М.В. Декор и орнамент в книге. М.: Книга, 1990

4. Басин Е. Я. К определению жанра портрета // Советское искусствознание . - М., 1986. - В. 20.

5. Виппер Б. Р. Проблема сходства в портрете // В кн. Сборники Московского Меркурия по истории литературы и искусства. 1. М., 1917, с. 163-172; в кн. Виппер Б. Р. Статьи об искусстве. М., 1970, с. 342-351.

6. Габричевский А. Г. Портрет как проблема изображения // Искусство портрета . - М., 1928.

7.Ельшевская Г.В. Иллюстрация (сборник статей и публикаций). М.: Советский художник, 1988

8.Константинова С.С. Техники изобразительного искусства. Ростов-на-Дону: Феникс, 2004

9.Лещинский А.А. Основы графики: учеб. пособие. Гродно: ГрГУ, 2003

10.Мелик-Пашаев А.А., Новлянская З.Н. Ступеньки к творчеству. М.: Искусство в школе, 1987

11.Мириманов В.Б. Малая история искусств. Первобытное и традиционное искусство. М.: Искусство, 1973

12.Полуянов Ю.А. Воображение и способности. М., 1982

13.Фаворский В.А. Реализм в детском рисунке. В сб.: Искусство детей. Л., 1935

14.Фаворский В.А. Об искусстве, о книге, о гравюре. М., 1986

Приложение 1

Диалог с художником.

Познакомившись с работами волгоградских художников мы отправились к ним в мастерские, чтобы увидеть как работают мастера своего дела и задать интересующие нас вопросы.

Леонтьев Максим Олегович: « Совпало хобби с профессией, профессия в профессии».

- Во сколько лет вы в первый раз взяли кисть в руки?

Очень рано. С детства у меня была любовь к природе, рано начал рисовать чтобы выразить красоту природы, лет с 6 точно, может раньше.

Сначала интересовался декоративно прикладным искусством. Последние несколько лет я начал заниматься работой пастелью, давно об этом мечтал, планы были далеко идущие, но всему свое время. Я познакомился с данной техникой, еще, когда учился в Пензенском художественном училище. Самое главное в ней то, что она позволяет передать свое состояние, отношение к природе, к различным местам. Даже камыши, казалось бы что в них красивого, с ними связано болото, что-то неинтересное, у меня есть работы – снег и камыши – теплые работы...

- Давно ли Вы занимаетесь педагогической деятельностью?

Можно сказать давно.

Дважды участвовал на выставках, грамоты и дипломы.

- Почему вы продолжаете работать в Волгограде?

Мне здесь очень нравится. Много красивых мест.

Своих учеников – интересными заданиями, я считаю, что если задания скучные, то и скучно учиться, поэтому это мой главный принцип, если ученик ничего не делает, то ему или не интересно, или не понятно, я стараюсь вникать в саму причину. Всегда ребятам помогаю достигнуть конечного результата, а это важно не только в работе, но и в жизни. И задания ставлю по возможности.

- Кем вы мечтали стать в детства?

В детстве, если честно я хотел стать только художником, про преподавателя я даже не думал и многие мои знакомые тоже не думали, что буду преподавателем. Совпало хобби с профессией, профессия в профессии.

- Что вам именно нравиться в Вашей профессии-хобби?

Создавать красивые вещи. Вот я сделал какую-либо вещь и думаю, неужели это я сделал эту красоту, а потом появляется момент критики и думаешь, что можно было бы дополнить или сделать по другому.

- Привлекает ли вас другая техника работы?

Другая, да, я бы мечтал заняться ковкой, но для этого нет возможности, но и не за всем можно успеть.

Для того чтобы учить ребят нужно самому уметь многое, чтобы не просто рассказать, а показать.

Для ребят мои работы пастелью были сюрпризом.

- Какому направлению деятельности уделяете больше внимания резьбе по дереву или рисованию?

Это сложный вопрос, мы все живые и живем мы интересом. Работаю декоративно-прикладным искусством, надоедает, занимаюсь постелью, здесь результат виден сразу. Чередуется одно с другим, предпочтение одинаковое.

Приложение 2

Макшанцев Борис Николаевич : « Работу надо делать, а не любить. Любите, что делаете и делаете, что любите».

- Во сколько лет вы впервые взяли кисть в руки?

Я даже не помню, сколько было лет, рано еще до школы, может в 2 года, а может в 5 лет, точно не могу сказать.

- В какой технике вы работаете?

В справочнике написано художник-график, а техника графическая - она очень обширная, ведь натюрморт акварельный он тоже графикой является.

- Давно ли у Вы занимаетесь педагогической деятельностью?

Со школьной скамьи – у меня на уроках рисования многие перересовывали, а потом я помогал многим, я считаю, что это тоже работа.

- Что вам именно нравится в Вашей профессии?

Художник это не профессия,что-то привлекло, я даже и не задумывался над этим.

- Какие у вас есть достижения в работе?

Если работа участвует в выставке, то это уже достижение. Также большое количество дипломов и грамот.

- Почему вы продолжаете работать в Волгограде?

Привлекают пейзажи Волгограда и Волгоградского района.

- Чем вы заинтересовываете своих учеников?

Сюда приходят дети, которых уже признали художниками, а когда здесь рисуют, возникает соревнование, другим просто нравится рисовать.

- Привлекает ли вас другая техника работы?

Конечно есть, резьба по дереву.

- Кем вы мечтали стать в детстве?

Я особенно не мечтал, когда-то хотел стать летчиком в 3 классе, а в 10 решил стать художником, оно перевесело.

Сколько лет вы уже работает е?

Приложение 3

Книга "Портрет как зеркало души"

Приложение 4

Схема- паутинка портрета

Паспорт проектной работы Тема: «Портрет –зеркало души. Руководитель и консультант проекта – Малинина Галина Павловна, учитель технологии МБОУ СОШ 10 Учебный предмет, в рамках которого проводится работа по проекту: ИЗО Учебные дисциплины близкие, к теме проекта: история, литература, искусство, МХК. Возраст учащихся, на который рассчитан проект: лет Авторы проекта: Ученица 6 класса Абашина Светлана, учащиеся 7 класса Дзюба Мария, Пожарова Алина. Тип проекта: творческий Продукт проекта: написание портретов ученицей 6 класса МБОУ СОШ 10 Абашиной Светланой.

Познакомиться с историей возникновения портрета Познакомиться с историей возникновения портрета Сформировать свое отношение к портрету Сформировать свое отношение к портрету Формировать отношение к увиденному Формировать отношение к увиденному проанализировать литературу по данной теме определить основные этапы работы над портретом Теоретический экспериментальный

Многие великие умы человечества размышляли о тайнах и законах красоты, о природе прекрасного. Портре́т (фр. Portrait) изображение или описание какого-либо человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности, в том числе художественными средствами (живописи, графики, гравюры, скульптуры, фотографии, полиграфии). Портре́т (фр. Portrait) изображение или описание какого-либо человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности, в том числе художественными средствами (живописи, графики, гравюры, скульптуры, фотографии, полиграфии).фр.живописи графики гравюры скульптуры фотографии полиграфии фр.живописи графики гравюры скульптуры фотографии полиграфии

Виды портрета Автопортрет Автопортрет Портрет – картина, жанровый портрет Портрет – картина, жанровый портрет Парадный портрет Парадный портрет Камерный (психологический портрет) Камерный (психологический портрет) Семейный портрет Семейный портрет Исторический портрет Исторический портрет ВИДЫ ИСКУССТВ: ВИДЫ ИСКУССТВ: живопись, графика, скульптура живопись, графика, скульптура

Первые портреты были созданы египтянами. Они выполняли религиозно- магическую функцию: душа умершего должна была покинуть тело, а затем вернуться после судилища богов к мумии своего владельца и поселиться в нём навечно. Необходимо было соблюдать и портретное сходство, чтобы душа могла отыскать то тело, из которого она вылетела. Конечно, огромные величественные изваяния создавались для увековечивания облика не простых людей, а правителей- фараонов, наместников бога на земле. Одним из известных портретов того времени является портрет Нефертити (около 1360 года до н.э.). Обыкновенные люди увековечивались в виде небольших скульптур. Первые портреты были созданы египтянами. Они выполняли религиозно- магическую функцию: душа умершего должна была покинуть тело, а затем вернуться после судилища богов к мумии своего владельца и поселиться в нём навечно. Необходимо было соблюдать и портретное сходство, чтобы душа могла отыскать то тело, из которого она вылетела. Конечно, огромные величественные изваяния создавались для увековечивания облика не простых людей, а правителей- фараонов, наместников бога на земле. Одним из известных портретов того времени является портрет Нефертити (около 1360 года до н.э.). Обыкновенные люди увековечивались в виде небольших скульптур.

Без всякого сомнения, ее можно назвать одной из самых известных женщин древности, воплотившей в своем нетленном образе идеалы женственности. Она, почитавшаяся как живая богиня современниками, проклятая и забытая потомками, вновь "царствует" в нашем мире, напоминая о нескончаемой борьбе человека со временем и провозглашая неизменный идеал красоты. Ее звали Нефертити.

Фаюмские портреты созданные в технике энкаустики погребальные портреты в Римском Египте IIII веков н. э Они представляли собой надгробные изображения, выполненные в технике энкаустики энкаустики погребальные портреты Римском Египте IIII веков н. ээнкаустики погребальные портреты Римском Египте IIII веков н. э

ДРЕВНЯЯ ГРЕЦИЯ Древние греки тоже писали, но больше любили лепить портреты, но изображенные на них люди напоминали богов и героев из мифов. В Древней Греции создавались идеализированные скульптурные портреты поэтов, философов, общественных деятелей. Авторы стремились подчеркнуть круг занятий портретируемого, его общественную функцию, но не заботились о сохранении индивидуальных чёрт изображаемого человека (Гомер как поэт, Перикл как стратег).

Западная Европа Рембрандт 1654 Величайший расцвет портретной живописи приходится на XVII век, подаривший миру таких великих мастеров, как голландцы Рембрандт Харменс ван Рейн и Франс Гальс, фламандец Антонис ван Дейк и испанский художник Диего де Сильва Веласкес.

Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме одно из известнейших произведений русского художника Ивана Петровича Аргунова. Аргунов, сам происходивший из крепостных графа Шереметева, стремился показывать в портретах природную красоту и достоинство человека вне зависимости от его сословной принадлежности. Образ крестьянки в этой работе художника передан с пронзительной правдивостью и искренней симпатией. Наряд крестьянки Московской губернии (расшитый золотыми нитями кокошник, красный сарафан, тонкая белая рубаха, яркие украшения), а также бесхитростность и отсутствие всякой манерности говорят о крестьянском происхождении натурщицы. Её мягкие черты лица, приветливая чуть заметная улыбка и спокойная поза всё подчёркивает скромность, открытость и доброту женщины из народа. Портрет отличается чёткостью рисунка, строгостью форм, продуманным соотношением цветов, характерными для классицизма, который явственно проявляется в зрелом творчестве Аргунова Ивана Петровича Аргунова ШереметеваМосковской губернии классицизма Ивана Петровича Аргунова ШереметеваМосковской губернии классицизма

Боровиковский Владимир Лукич Боровиковский Владимир Лукич Портрет М.И.Лопухиной 1797 Боровиковский Владимир Лукич. Она давно прошла, и нет уже тех глаз И той улыбки нет, что молча выражали Страданье - тень любви, и мысли - тень печали, Но красоту ее Боровиковский спас. Так часть души ее от нас не улетела, И будет этот взгляд и эта прелесть тела К ней равнодушное потомство привлекать, Уча его любить, страдать, прощать, молчать

Николай Заболоцкий ПОРТРЕТ Любите живопись, поэты! Лишь ей, единственной, дано Души изменчивой приметы Переносить на полотно. Ты помнишь, как из тьмы былого, Едва закутана в атлас, С портрета Рокотова снова Смотрела Струйская на нас? Ее глаза - как два тумана, Полуулыбка, полуплач, Ее глаза - как два обмана, Покрытых мглою неудач. Соединенье двух загадок, Полувосторг, полу испуг, Безумной нежности припадок, Предвосхищенье смертных мук. Когда потемки наступают И приближается гроза, Со дна души моей мерцают Ее прекрасные глаза.

Крамской И. «Христос в пустыне» "На сорок дней и ночей Христос удалился в пустыню от людей, от суеты мира с тем, чтобы в одиночестве и молчании подготовить себя для своего последнего Крестного пути -- собственным страданием искупить грехи людей. "На сорок дней и ночей Христос удалился в пустыню от людей, от суеты мира с тем, чтобы в одиночестве и молчании подготовить себя для своего последнего Крестного пути -- собственным страданием искупить грехи людей. Так повествует Евангелие. Картину "Христос в пустыне" И.Н.Крамской считал главным своим произведением. Так повествует Евангелие. Картину "Христос в пустыне" И.Н.Крамской считал главным своим произведением. Он поставил перед собой "дерзкую" задачу -- переосмыслить традиционное воззрение на образ Христа. "Это моя первая вещь. которую я работал серьезно, писал слезами и кровью... Она глубоко выстрадана"". Он поставил перед собой "дерзкую" задачу -- переосмыслить традиционное воззрение на образ Христа. "Это моя первая вещь. которую я работал серьезно, писал слезами и кровью... Она глубоко выстрадана"".

Вывод: «В хорошем портрете, написанном талантливым художником, можно увидеть лик эпохи». Одно из важнейших качеств портрета – сходство изображения с моделью. Однако художник передаёт не только внешний облик портретируемого, но и его индивидуальность, а также типичные черты, отражающие определённую социальную среду и эпоху. Портретист проникает внутрь души человека, раскрывает его характер, чувства и взгляды на мир. Одно из важнейших качеств портрета – сходство изображения с моделью. Однако художник передаёт не только внешний облик портретируемого, но и его индивидуальность, а также типичные черты, отражающие определённую социальную среду и эпоху. Портретист проникает внутрь души человека, раскрывает его характер, чувства и взгляды на мир.

«Они думают, что я схватываю только черты их лиц, но я без их ведома спускаюсь в глубину их души и овладеваю ею целиком» «Они думают, что я схватываю только черты их лиц, но я без их ведома спускаюсь в глубину их души и овладеваю ею целиком» Латур Латур

Проект на тему :

«Портрет одного слова»

Подготовила : Мишина Анастасия ученица 6 «Б» класса МБОУ «Верховская средняя общеобразовательная школа №1.»

Руководитель проекта : Гончарова О. И. учитель русского языка и литературы.

Предмет в рамках которого разрабатывается проект и смежные с ним дисциплины: русский язык, литература.

исследовательский

Тип проекта:

групповой

межпредметный

долгосрочный

Цель проекта: используя словари, научно -популярную литературу и др. источники, собрать разнообразную информацию об истории,значении,употреблении слова ЖАР-ПТИЦА в русском языке,фольклоре и литературе.

Задачи проекта:

1)Проанализировать дефиниции слова жар-птица в основных. толковых словарях русского языка.

2)Изучить употребление слова жар-птица в русских фразеологизмов, пословицах и поговорках.

3)Проанализировать словообразовательное гнездо с исходным словом жар-птица.

4)Рассмотреть особенности сочетаемости слова жар-птица.

5)Описать некоторые особенности употребления слова жар-птица в фольклоре, и художественной литературе.

Этнографическая страница

В русском фольклоре больше всего песен, сказок, преданий, загадок именно о птицах. Светлые образы поднебесных существ часто появляются на посуде, прялках, в вышивке. Народный костюм по своему силуэту похож на птицу: широкие рукава-крылья, головной убор-хохолок, нагрудные и поясные украшения-оперения. Так Жар-птица стала хранительницей мира и воплощением мечты. Жар-птица олицетворяла огонь, солнце, творческое начало. Об этом говорит её оперение и свет, который исходит от неё. Возможно, это поэтический образ зари. Жар-птица - это ветер, облако, молния плюс жар в крестьянской печи, рыжий петух за околицей.Жар-птица – служит добру. Излучает необычный, волшебный цвет, который помогает людям в их земных делах. Свет божественного сияния, окружавший Жар-птицу, ложился и на человека, наделяя его тем, чего он больше всего хотел в своем сердце: талантами, умениями, счастьем.

С древнейших времен, человек, охраняя себя от злых сил, покрывал одежду и жилище изображениями – оберегами. Жар-птица для славянских народов была не только символом огня, но и символом счастья, удачи. Сказка всегда открывает широчайший простор для размышлений, сопоставлений. Результаты анкетирования среди учащихся показали, что для современного человека образ огня стал второстепенным, не таким значимым, исчезает значение божественности, оберега

Share on vk Share on facebook Share on twitter Share on mymailru Share on odnoklassniki_ru Share on livejournal

Лексикографическая страница.

ЖАР-ПТИЦА -ы, ж. В русских сказках: птица необыкновенной красоты с ярко светящимися перьями. Найти (достать) перо жар-птицы (перен.: о счастье, удаче).

(Толковый словарь русского языка И. С. Ожегова и Н. Ю. Шведовой)

Жар-птица (вост.-слав.) - чудесная птица со сверкающими перьями. Ее оперение излучает такой свет, что одно ее перо может осветить комнату, «как если бы в том покое сияло великое множество свеч».

(Мифологический словарь)

жар-птица ж. нар.-поэт. Птица, перья которой горят, как жар (в русских народных сказках).

(Новый толково-словообразовательный словарь русского языка)

ЖАР-ПТИЦА, образ, встречающийся в славянских, преимущественно русских, народных сказках; её перья светятся в темноте, "как жар горят". Добывание Ж.-п.- чудесная задача, к-рую должен выполнить герой сказки. Напр., в "Сказке об Иване-царевиче, Жар-птице и о Сером волке" рассказывается, как три брата по поручению отца едут за Ж.-п., к-рая достаётся младшему (текст впервые опубл. в 18 в. в лубочном издании). Образ Ж.-п. неоднократно использовался в рус. лит-ре, живописи, музыке (В. А. Жуковский, П. П. Ершов, И. Я. Билибин, С. Ф. Стравинский и др.).

Из д.: Афанасьев А. Н., Народные русские сказки, т. 1, М., 1957, № 168 - 70 (библ. текстов см. в т. 3, с. 473-74).

Этимологическая страница .

Жар-птица , бесспорно, является образом мифологического существа. Причём истоки свои она берёт из Северо-Восточной Европы и Урала. Ведь именно в этих краях были найдены этнографические материалы (например, изображения). Также есть предположение, что сказочный персонаж, птицы с огненными перьями, имеет своего прямого прототипа птицу Феникс, или попросту, павлина – такие вот нити связи с востоком…

Фразеологическая страница .

Жар-птица.

Перо, как жар горит

На поляне той гора

Вся из чистого серебра;

Вот сюда-то до зарницы

Прилетают жары-птицы .

(Ершов. Конек Горбунок).

Жар-птица - сказочная птица из славянского эпоса, воплощение лучезарного Бога солнца и в то же самое время гневного Бога грозы.

В народном воображении Жар-птица неразрывно связана с небесным огнем-пламенем, и ее сияние так же слепит глаза, как солнце или молния. За Жар-птицей отправляются сказочные добры молодцы, и к тому, кто овладеет хоть одним ее пером, приходит великое счастье.

Искусствоведческая страница.

Жар-птица сказочная птица. Жар-птица изображена на картинах,учавствовала в сказках,о жар-птице даже были написаны музыкальные произведения.

И. Стравинский - балет Жар-птица.

(П. П. Ершов «Сказка Конёк-горбунок»)

(В. А. Жуковский Сказка «Иван царевич и серый волк»)

Источники:

Интернет-ресурсы

лексикографический словарь(П.Н. Денисов) фразеологический словарь (С.В. Максимов)

этимологический словарь (О.Н. Трубачев)

Заключение:

Судьба слова ЖАР-ПТИЦА в современном русском языке отражает символ православной веры.Многие дети видят жар-птицу только на картинках,и в сказках.

Выступили: Михалев Павел, Сальников Алексей, Ефимов Дмитрий, ученики 4 класса МКОУ Нижнемарьинская СОШ Лискинского района Воронежской области

Руководитель: учитель изобразительного искусства Субботина Ольга Ивановна

Привлекая внимание детей к роли матери в жизни успешных, известных творческих людей, практически уча, как можно увидеть и показать красоту своей мамы, выразить свою любовь к ней, школа заботится о связи поколений, о самом важном - эмоциональном контакте между родителями и детьми.

Творческий познавательный проект

"Портрет мамы"

Тип проекта: познавательный, творческий, краткосрочный (2 недели), групповой.
Участники проекта: ученики 1-4 классов, родители воспитанников, учитель изобразительного искусства,старшеклассники в роли наставников и помощников.
Цель проекта:
1.Осознать роль матери в жизни и творческом становлении талантливого человека.
2. Развивать творческий потенциал учащихся через приобщение к художественной деятельности.
3.Воспитывать бережное, уважительное, трепетное отношение к женщине и матери.
АКТУАЛЬНОСТЬ:
Развитие сильной самодостаточной личности сложно представить без участия искусства.
Творчество учит ребенка видеть мир во всей его полноте и красоте, любить то, что ему близко и дорого, прививает нравственные ориентиры. Занимаясь художественной деятельностью, ребенок овладевает такими понятиями, как форма, размер и цвет. Развивает внимание, фантазию, креативное мышление. Овладевает специфическими художественными навыками. Приобщение к искусству оставляет отпечаток прекрасного в душе человека. К ребенку приходит понимание, чем отличается прекрасное от безобразного, не только в эстетическом смысле, но и в нравственном.

Привлекая внимание детей к роли матери в жизни успешных, известных творческих людей, практически уча, как можно увидеть и показать красоту своей мамы, выразить свою любовь к ней, школа заботится о связи поколений, о самом важном эмоциональном контакте между родителями и детьми. И, конечно, это положительно сказывается на отношениях семьи и школы: родителей и учителей.
Задачи проекта:
- Познакомить детей с творчеством известных художников.
- Развивать чувство формы, цвета, композиции при рисовании портрета.
- Вызвать желание самим рисовать портреты акварелью и гуашью.
- Воспитывать положительный эмоциональный отклик на работы художников, радость от собственного творчества.
Этапы проекта
I этап Подготовительный
- Создать условия для реализации проекта подобрать материалы, игры, пособия, видео, иллюстративный материал, источники информации, презентации.
- Подготовить материал для продуктивной деятельности (найти информацию об известных портретах матерей выдающихся художников).
- Составить план (назначить дату выполнения портрета, заранее принести фотографии).
- Вхождение в тему через изучение пропорций человеческого лица, изучения приемов работы акварелью.
II этап основной Реализация
1 день «Познавательное развитие»
«Портрет матери художника» - учитель изобразительного искусства, дети
1 неделя «Взаимодействие с семьей»
Акция «Принеси фотографию мамы»(хотя бы в телефоне) - учитель изобразительного искусства, воспитатели, родители
2 - 4 день дидактическая игра «Составь портрет»
Электронное приложение к учебнику изобразительного искусства Т. Я. Шпикаловой. Издательство «Просвещение»

2 неделя «Художественно-эстетическое развитие» «Рисование»
«Портрет мамы» - учитель изобразительного искусства, дети

10-11 день «Оформительская деятельность»
Роль рамы в картине. Мастер-класс у старшеклассников «Как оформить рисунок в паспарту»
13-14
III этап - заключительный «Художественно-эстетическое развитие» «Взаимодействие с семьей» - школьная выставка рисунков «Портрет мамы»

Презентация выставки, приуроченная к родительским собраниям, видеоролик предшествовал праздничному концерту, посвященному 8 марта, классным «огонькам». Трое ребят подготовили доклад и выступили перед обширной аудиторией на школьном конкурсе проектов, а затем на научно-практической конференции школьного округа.

Вывод

Работа над проектом позволила учащимся узнать много нового о мире искусства и жизни творческих личностей, попробовать свои силы в таком сложном и интересном жанре как портрет, получить серьезный опыт презентации своих достижений и публичного выступления.

«Портрет матери художника»

Материалы, собранные детьми по теме

Все мы бездомники, много ли нужно нам.
То, что далось мне, про то и пою.
Вот я опять за родительским ужином,
Снова я вижу старушку мою.

Смотрит, а очи слезятся, слезятся,
Тихо, безмолвно, как будто без мук.
Хочет за чайную чашку взяться –
Чайная чашка скользит из рук.

Милая, добрая, старая, нежная,
С думами грустными ты не дружись,
Слушай – под эту гармонику снежную
Я расскажу про свою тебе жизнь.

Много я видел, и много я странствовал,
Много любил я и много страдал,
И оттого хулиганил и пьянствовал,
Что лучше тебя никого не видал…

«Портрет матери художника» Джеймс Макнейл Уистлер

Американский художник Джеймс Макнейл Уистлер вошёл в историю искусства благодаря картине "Мать Уистлера" или "Аранжировка в сером и черном. Мать художника".

1. Картина была написана из-за ссоры с заказчиком

В 1871 году художник из Массачусетса получил заказ от члена парламента, который хотел, чтобы Уистлер нарисовал его дочь Мэгги Грэм. Когда после нескольких сеансов позирования картина не была закончена, Мэгги отказалась от дальнейшей работы. Поскольку Уистлер уже подготовил холст и сделал наброски, он попросил свою мать, чтобы та позировала ему для картины.

2. Мать Уистлера изначально позировала стоя

Но стоять в течение длительного времени оказалось утомительным для пожилой леди, и она позже написала своей сестре: "Я мужественно стояла два или три дня как статуя. Но в итоге меня уже не держали ноги и сын решил переписать портрет, усадив меня на стул".

3. Картина больше, чем все считают

Размер холста - 144,3 × 162,4 см. Мать Уистлера была изображена почти в натуральную величину.

4. Художник сам не называл свою картину "Матерью Уистлера"

В то время было модно называть картины подобно музыкальным композициям. Уистлер не был исключением и назвал этот портрет "Аранжировка в сером и черном. Мать художника". Название "Мать Уистлера" появилось уже позже, в разговорном обиходе.

5. Мать Уистлера была одним из самых больших поклонников художника

Истинная викторианка Анна Макнейл Уистлер была глубоко верующим человеком и всегда старалась быть хорошей домохозяйкой и матерью. Став вдовой в 45 лет, она посвятила свою жизнь детям. В 1864 году она переехала в Лондон, чтобы быть ближе к ним, в конце концов смирилась с богемным образом жизни Джеймса. Хотя набожную Анну очень волновал развратный образ жизни ее сына, она поддерживала Джеймса, будучи его моделью, домохозяйкой и даже агентом.

6. Американцы познакомились с картиной во время Великой депрессии

Во время Великой депрессии картина проехала с выставкой по 13 городам Америки, также побывав на Чикагской Всемирной Ярмарке в 1933 году. Именно в это время картина стала знаменитой. В 1934 году изображение картины было размещено на почтовых марках, а в 1938 году в честь "Матери Уистлера" в Пенсильвании возвели 2,5-метровую бронзовую статую.

7. Во время Первой мировой войны картину использовали в политических целях

В 1915 году 199-й зарубежный батальон ирландских канадских рейнджеров использовал картину во время вербовки новобранцев.

В 1891 году престижный парижский Люксембургский музей приобрел полотно художника. Уистлер был в восторге, написав: "Подумать только, можно пойти и посмотреть на собственные картины, которые висят на стенах в Люксембургском саду. При этом все относятся к ним с почтением. Это как сон". Он был прав. После приобретения картины Люксембургским музеем, репутация художника сильно улучшилась, как и его популярность среди клиентов.

Путешествия картины

Хотя картина неоднократно пересекала океан для участия в американских выставках, "Мать Уистлера" была собственностью французского правительства на протяжении более века. В 1922 году картина переехала из Люксембургского музея в Лувр. Шестьдесят четыре года спустя популярный портрет разместили в музее Орсе, где находится и поныне.

Рама для картины сделана также Уистлером

Художник сам делал раму для портрета. Ее золотистый оттенок символизирует скромное золотое обручальное кольцо на пальце его матери.
"Мать Уистлера" стала одной из самых знаменитых зарубежных работ в Америке
Как-то "Мать Уистлера" описали как викторианскую Мону Лизу. Эта картина стала настолько знаковой и знаменитой в мировой культуре, что ее часто сравнивают с "Криком" Эдварда Мунка и "Моной Лизой" Леонардо да Винчи.

Вокруг этой картины был построен сюжет фильма «Мистер Бин». В фильме мистер Бин, куратор «Лондонской Национальной галереи», был послан в Америку, чтобы проконтролировать передачу картины «Мать художника» в художественную галерею Лос-Анджелеса за $ 50 млн (USD). В этой истории, мистер Бин портит картину растворителем и незаметно заменяет её репродукцией.Вот как описал картину Уистлера «Портрет моей матери»охранник в Лондонской галерее:
- Вообще-то моя работа заключается в том, чтобы сидеть в углу и смотреть на картины.
Итак, что же я могу сказать об этой картине? Прежде всего – она большая. И это превосходно!
Почему же она стоила того, чтобы этот человек потратил на неё 50 миллионов ваших американских долларов? Ответ простой: эта картина стоит такой кучи денег потому, что это портрет матери Уистлера.

Почти всю свою жизнь Уистлер был окружен атмосферой скандала. Невысокий, с громким резким голосом и вечным моноклем в глазу, одетый скрупулезно аккуратно, экстравагантно и с безукоризненным вкусом; блестящий спорщик, умевший молниеносно парировать остроты собеседника; его выходки, словечки, жесты были предметом разговоров на светских обедах; но «... в этом щеголе, шествующем по набережной Челси, никто не узнал бы молчаливого, серьезного труженика в огромных очках, которые он только что сбросил в своей мастерской».

Он был одержим отчаянным стремлением к совершенству, его требовательность к себе не знала границ, все, что казалось ему неудачным, подлежало немедленному уничтожению. Никто не трудился над своими холстами больше него, он «замучивал» модели бесконечными сеансами, и тем не менее его произведения оставляют впечатление артистичности и непринужденности исполнения. Публике же работы Уистлера казались эскизными и незаконченными. И чем ближе был художник к достижению цели, тем теснее смыкалось вокруг него кольцо насмешек и недоброжелательства. Однако он ни разу не уступил, продолжая идти своим собственным путем, «он только выше поднимал голову. У него был характер бойца, он не сдавался ни в чем и начал форменную войну, длившуюся около двадцати лет, против своих врагов-художников, против критики, против печати, против публики».

Уистлер родился в маленьком американском городке Лоуэлл, однако своей родиной считал Петербург. Отец Уисглера, инженер-путеец, строил знаменитую железную дорогу Петербург-Москва. С 1844 по 1849 год вся семья жила в Петербурге. Уистлера привезли туда девятилетним мальчиком. Единственное, что интересовало не очень прилежного и нетерпеливого ребенка,- рисование. В качестве исключения он был зачислен в «головной» класс петербургской Академии художеств, где был самым младшим. В Академии Уистлер учился у малоизвестных преподавателей, зато часто бродил по залам Эрмитажа, именно там зародилась его любовь к малым голландцам. Одно из наиболее ярких впечатлений детства- гравюры Хогарта, которые он рассматривал во время своих частых болезней. «Я бы хотел скорее поправиться, чтобы показать эти гравюры моему учителю рисования. Ведь не каждый день представляется возможность просмотреть гравюры Хогарта в подлинниках» - отрывок взят из дневника матери Уистлера, который она аккуратно вела во время своего пребывания в России. Позднее Уистлер напишет «Портрет матери» - самый известный из его портретов. Он так точно воплотит образ истой американки, упрямой, властолюбивой пуританки, носительницы высоких принципов американской морали, что его начнут воспроизводить в США даже на марках.

Отец его так же любил живопись, он занимался иконописью. И как можно догадаться, первым учителем основ живописи, молодого Федора был его отец.

Федор начинал с иконописи, рисовал портреты, гравюры на дереве. Начальное образование получил в городском училище.

Когда отец умер, уехал в Петербург, где в 1843 году ксилограф Бернадский взял Бронникова в ученики. Работая гравером, он выработал важные для художника качества как глазомер и твердость в руке, это пригодилось в его таланте портретиста, в его работах портретов маслом.

Далее его карьера художника продолжилась с поступлением в Академию Художеств, где он проучился с 1845-1853 годы. Здесь он занимался под началом профессора Маркова. Мягко говоря, молодой художник был не богат, видя такое положение дел Марков старался помочь Федору материально. Не без помощи учителя Бронников получил стипендию, 10 руб. в месяц.

Талант молодого студента был замечен преподавателями, и в 1851 г. его наградили Большой Серебряной, и Малой Серебряной медалями. Получил он их за портреты и за картину «Возвращение Улисса в свой дом». В следующем году он получает уже Малую Золотую медаль за работу «Проповедь св. Иоанна Предтечи в пустыне».

1853 год приносит Федору, уже Большую Золотую медаль за написанную икону «Божья Матерь Всех Скорбящих Радость». За эту работу он заработал пенсию для поездки в командировку за границу, и уже в следующем году уезжает в поездку по Европе. Побывал в Швейцарии, Германии, Франции, Италии.

Глубокое впечатление в душе художника, своей красотой оставил Рим. В этот период художник занялся поднятием своего культурного образования, много читает, работает с натуры, изучает археологию. И эти знания не проходят даром, они выливаются в такие работы как: «Гораций читает свои сатиры Меценату», «Римские бани», «Алкивиад и Аспазия перед Архонтом», «Мученик на арене амфитеатра», «Последний ужин мучеников», «Гладиатор-славянин, умирающий на арене цирка» и другие.

Бронников выставляется в «Товариществе Передвижников», как и многие талантливые художники, такие как:

Маковский, Куинджи, Волков, Левитан, Крамской и др.

В членство Общества Передвижников" приходит в 1876 году. Он выделяется как мастер психологического портрета.

Художник не отличался крепким здоровьем, и климат Италии был как нельзя подходящим для лечения.

Создав свою студию в Риме, он пишет портреты маслом местных жителей, городские пейзажи, жанровые и исторические картины.

За время прожитое за границей он становится известным и богатым. Здесь же в Италии он женится.

В мире искусства Бронникова знают, как мастера психологического портрета маслом.

На просторах России и СНГ он мало известен. Может быть по причине своего постоянного проживания в Италии. Но он не забывал родину и периодически приезжал в свой родной город.

За время своей жизни он оставил большое творческое наследие. Много картин исторического жанра, а также портреты маслом. Картины его можно увидеть в музеях России, но большинство произведений находятся за границей, в том числе и в частных коллекциях.

Василий Васильевич Серов

Живописец реалистического направления.
Учился в рисовальной школе И. Куликова в Муроме. В 1935-1937 стажировался в Ленинградской АХ. Жил и работал в Муроме.
Член СХ с 1940-го. Один из основателей владимирской областной организации СХ.
Работы хранятся в Муромском музее-заповеднике

С 1923 по 1924 год обучался в вечерней изостудии под руководством В. А. Афанасьева в Муроме, а с 1925 по 1926 годы частным образом занимался у академика живописи в Муроме (жил и работал помощником в его мастерской).

«Он привёз в Москву целую выставку своих рисунков и картин. Его работы вызвали сначала недоверие, а потом горячее одобрение. Казалось совершенно невероятным, чтобы нигде не учившийся застенчивый 24-летний парень мог дать такие глубоко содержательные картины».

В 1936 году художник выступил на Всесоюзной выставке самодеятельных художников и за картину «Ликбез» получил первую премию. Высокую оценку получили его картины «Конец улицы» и «Облака» на республиканской выставке в Москве в 1939 году.

За участие в закрытом конкурсе в 1951 году, где была представлена работа «За школьным заданием», Серов удостоен Почетного диплома художника.

Работы находятся в , а также в музеях , , и .

В советское время работы художника были проданы с выставок в Японии, США, Испании, Голландии, Польше, Чехословакии, Западной Германии и Западном Берлине.

ПОРТРЕТ МАТЕРИ

(1934)
Бумага / акварель
64 x 47 см
25.20"" x 18.50""

Климентов Михаил Иванович1889-1969

Художник, родился 19.01.1889 в д. Алтухово рязанского уезда Рязанской губернии в семье потомственных кузнецов.

Около 300 полотен М. Климентова были утеряны в годы первой мировой войны в Каменце Подольском (предположительно, вывезены как трофеи германскими оккупационными войсками в Австро–Венгрию или в Германию).

Ф. В. Сычков

Родился художник 14 марта 1870 года в селе Кочелаево Наровчатского Художник, родился 19.01.1889 в д. Алтухово рязанского уезда Рязанской губернии в семье потомственных кузнецов.

В 6-летнем возрасте талант мальчика был замечен художником Ф.А. Малявиным. По его настоянию 6-летнего Мишу отправили учиться в Москву.

После окончания гимназии он поступает в Императорское Строгановское Центральное Художественно-Промышленное Училище (декан - К. Коровин, учитель живописи В.К. Бялыницкий-Бируля).

В 1909 г. направлен учителем рисования и черчения в женскую гимназию г. Каменца-Подольска (1909 по 1918(9) годы). Входил в правление Каменец-Подольского общества изящных искусств, участвовал в выставке этого общества в 1911 году.

Затем (с 1918 по 1941 г.) преподавал черчение и рисование в Физкультурном институте и нефтяном техникуме Москвы.

Состоял в "Московском союзе художников", участвовал в выставках в Москве в 1919, 1922, 1934, 1937, 1938 гг. Выставка в Кисловодске в 1938 году. В 1952 году выставка в Рязани.

В Москве в 1920-х годах часто общался с Мейерхольдом. Михаил Иванович и его брат Федор принимали Мейерхольда в комнате на Яузском бульваре. Иногда, когда засиживались допоздна, Мейерхольд оставался ночевать. Комнатка маленькая, поэтому спали на полу на тулупе.

Последние 28 лет жизни М.И. Климентов прожил в забвении, в маленькой, отрезанной от внешнего мира бездорожьем, деревушке из 12 дворов в семье родственников.

Умер Михаил Иванович в 1969 г. в возрасте 80 лет в родной д. Алтухово.

Музеи: Государственный музей-заповедник С.А. Есенина вс. Константиново Рязанской области; Кораблинский краеведческий музей; частные собрания.

Около 300 полотен М. Климентова были утеряны в годы первой мировой войны в Каменце Подольском (предположительно, вывезены как трофеи германскими оккупационными войсками в Австро–Венгрию или в Германию).уезда Пензенской губернии /ныне Ковылкинский район Мордовии/. Беспросветная нужда крестьянина-бедняка, лишившегося в детстве отца, саманная, под соломенной крышей изба, лапти, зипун, домотканая рубаха, кусок черного хлеба – вот что было уделом Федота Васильевича в детстве. Но природная одаренность, отменное трудолюбие и содействие добрых учителей открыли путь подростку к глубокому пониманию прекрасного. Симпатии и сердце художника раз и навсегда были отданы одной теме – жизни родного села Кочелаево. Труд, праздники односельчан, природу родного края воспел он в своих произведениях. В народе, среди которого жил Федот Васильевич, он видел и ценил особые черты – оптимизм и жизнелюбие. “Не люблю, когда плачут”,- так чуть рассеянно и даже наивно объяснял свою творческую позицию художник.

Вглядитесь в лица на полотнах портретиста. Какие разные люди и судьбы. Портрет матери Ф.В.Сычкова, задумчиво сидящей у окна.

Копытцева Майя (1924-2005)

Майя Кузьминична Копытцева - русский, советский художник, Заслуженный художник РФ.

В 1941 году поступила в Ленинградскую среднюю художественную школу (СХШ) при Всероссийской Академии художеств (так с 1932 по 1947 год назывался Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Репина). В 1942 году – эвакуация вместе со школой в Самарканд, затем в Загорск.

С 1945 года училась во Всероссийской Академии художеств. В 1951 году - окончила институт (мастерская члена Академии художеств СССР, профессора Б.В. Иогансона и профессора А.Д. Зайцева). Дипломная работа - «Подготовка к экзаменам».

С 1953 года – регулярные творческие поездки в Дом творчества художников «Академическая дача» им. И.Е. Репина. С этого же года – ежегодные поездки и работа в творческих группах, организуемых Союзом художников России.

С 1991 года – творческие поездки в Красноярск (совместно с мужем – А.П. Левитиным)

За долгую творческую жизнь М. Копытцева создала множество произведений живописи и графики: натюрморт, пейзаж, портрет…. Пожалуй, нет такого жанра в изобразительном искусстве, где бы не проявился ее талант. После смерти художника вышел альбом «Майя Копытцева. Художник. Личность. Друг». В книге собраны работы художника, воспоминания, редкие фотографии, письма, библиография.

Пабло Пикассо

Портрет Марии Пикассо Лопес, матери художника

Размеры

19,5 x 13,5 см

Техника

Бумага, карандаш

Возраст Пикассо12 лет

Написана в Ла-Корунье, где семья Пикассо жила в течение трех лет, а Пабло обучался в художественной школе Instituto da Guarda, под покровительством отца, преподавателя школы.

Маленький Пабло был очень похож на нее - не лицом, а телосложением и темпераментом. Она души не чаяла в своем первенце, и всегда его во всем поддерживала. Он ненавидел школу, кроме рисования его там ничего не интересовало, но мать это не особенно беспокоило, она всегда считала, что он будет великим из великих. С ранних лет она культивировала в нем невероятно высокую самооценку. По воспоминаниям Пикассо, она убеждала маленького мальчика, что если он изберет военную карьеру, то обязательно станет генералом, а если церковь, то - папой. «Но я пошел в художники и стал Пикассо.» Такая любовь и вера в сына не мешала ей быть довольно строгой, и даже деспотичной матерью. Биографы Пикассо считают, что Пикассо, уезжая в Париж, покидая навсегда Испанию, не только стремился во всемирную столицу искусства, но и освобождался от деспотизма матери.Мать Пикассо изредка гостила у сына в Париже, он водил ее по выставкам, галереям, ресторанам. Он хотел, чтобы она вкусила его известности и успеха. В детстве она гораздо в большей степени, чем отец, верила в счастливую звезду и таланты сына, его амбиции в искусстве во многом были заложены ее воспитанием.Донья Мария Пикассо Лопес происходила из семьи менее знатной и богатой, чем ее муж дон Хосе Руис Бласко, отец Пабло Пикассо Однако она, по всеобщему мнению, а также по воспоминаниям самого Пикассо, была гораздо более живой и темпераментной, чем дон Хосе. Мать Пикассо быламаленькой и подвижной, черноглазой и черноволосой, с неистощимым запасом энергии и сильным, довольно деспотичным характером. Пабло Пикассо в детстве испытал как необъятное восхищение матери своим талантливым сыном, так и сильнейший контроль и давление с ее стороны.

Портрет Марии Пикассо Лопес

Техника

Холст, масло

Соответственно, в портретах матери, которые Пикассо сделал в ранние годы своего ученичества, отражены эти стороны ее характера. На одних картинах она воплощена в нежном и легком образе добродушной матроны, на других – это образ строгого и волевого человека с жесткими чертами лица. Впоследствии образ матери постоянно возникает в его живописи, например, в , когда он часто изображает драматичные сцены с отрешенными персонажами, и эти персонажи часто – мать и противопоставленная ей, отстраненная фигура сына.

Мать и взрослый сын

После смерти мужа в 1913 году Мария стала жить со своей дочерью, сестрой Пикассо, Лолой, она привезла с собой двадцать картин сына и развесила их по стенам - создала свой собственный храм. Когда он уехал во Францию, их контакт не прервался. Они переписывались, он писал ей краткие письма- сообщения, она отвечала ему пространными посланиями. Несколько раз она была у него во Франции, он хотел, чтобы она стала свидетельницей его успеха, водил ее с собой в рестораны, на выставки, на награждения и даже в казино; желая щегольнуть перед ней, как-то раз он спустил за вечер целое состояние.

Сын привозил своих женщин показывать родителям. Фернанда Оливье очень им понравилась, тогда ещё был жив отец. Ольгу Хохлову он знакомил уже только с матерью, отец к тому времени уже несколько лет как ушел из жизни. Ольгу донья Мария встретила гораздо прохладнее, известно, что она предупредила свою невестку, что вряд ли ей удастся быть счастливой в этом браке - она прекрасно знала, что ее Пабло не может любить никого, кроме себя, и ничего, кроме своего искусства.

Пабло Пикассо не был на похоронах своей матери, в 1939 году - незадолго до этого он поклялся, что не вступит на землю Испании, пока там правит франкистский режим.

ТАК ГОВОРИЛ ПИКАССО. ЦИТАТЫ

Оставляй на завтра только то, что не жалко оставить недоделанным после своей смерти.
Искусство - это волшебство, помогающее переносить муку повседневности.
Жизнь продлевают только работа и женщины.
Мне нравится жить бедно... но с кучей денег в кармане.
Плохие художники заимствуют. Хорошие художники крадут.
Хороший вкус - худший враг творчества.
Искусство - это ложь, ведущая к истине.
И среди людей копий больше, чем оригиналов.
Все пытаются понять живопись. Почему они не пытаются понять пение птиц?
Все имеют право меняться, даже художники.
Есть художники, которые превращают солнце в желтое пятно,
но есть и другие, те, что своим искусством и своим разумом
превращают желтое пятно в солнце

Дия Бекарян

Проект: «Художественные династии. Отцы и дети.». Армения. Цветущий миндаль. (живопись, графика).

Жизнь Дии Бекарян трагически оборвалась в 1951 году. Ученица Осьмеркина и Савинова, она закончила Академию художеств в 1938 году. Потом была война, эвакуация в Армению, единственная персональная выставка в Ереване. Но остались картины, эскизы декораций к спектаклям, осталось удивительное творчество, по женственному тонкое, волнующее любителей и знатоков искусства своим колористическим богатством.

Выставка Дии Бекарян подготовлена ее дочерью, Дзовинар Бекарян.

Альбрехт Дюрер

А́льбрехт- немецкий и , один из величайших мастеров западноевропейского . Будущий художник родился 21 мая 1471 года в , в семье ювелира , прибывшего в этот немецкий город из в середине , и . У Дюреров было восемнадцать детей, некоторые, как писал сам Дюрер Младший, умерли «в юности, другие, когда выросли». В 1524 году из детей Дюреров были живы только трое - Альбрехт, и .Художник был третьим ребёнком и вторым сыном в семье. О своей матери Альбрехт Дюрер Младший вспоминал как о благочестивой женщине, прожившей нелёгкую жизнь. Возможно, ослабленная частыми беременностями, она много болела

С детства мечтавший заниматься живописью, Альбрехт настоял на том, чтобы отец отдал его в обучение художнику.на рубеже веков Дюрер много работал в портретном жанре. Здесь Дюрер продолжал традицию, сложившуюся в живописи Северной Европы: модель представляется в трёхчетвертном развороте на фоне пейзажа, все детали изображены очень тщательно и реалистично.Портреты Альбрехта Дюрера старшего (1427-1502) и Барбары Дюрер (ок. 1451-1514) были созданы в начале 1490-х годов. В это время художник закончил своё ученичество и собирался, завершая своё образование, совершить путешествие. Портреты известны тем, что художник, не приукрашивая облик своих родителей, показал признаки старения человека. Автобиографические заметки Дюрера, оставившие сведения о нелёгкой жизни отца и матери, свидетельствуют о любви и уважении, которые художник питал к ним. Портреты были созданы Дюрером или для того, чтобы показать мастерство художника родителям, или в качестве подарка, перед тем, как отправиться в поездку для завершения обучения. Портрет Барбары Дюрер с 1925 года хранится в Германском национальном музее (Нюрнберг).

Портреты Барбары Дюрер 1514 года и 1490 года (перевёрнутый)

Привлекательная, по свидетельству сына, в молодости, к моменту написания портрета Барбара выглядела болезненной женщиной старше 40 лет. Она изображена в повороте три четверти на зелёном фоне. Наряд Барбары: красное платье и белый головной убор замужней женщины с длинным «хвостом», перекинутым через плечо, контрастирует со скромным тёмным костюмом мужа. Картина была обрезана слева, при этом нарушено равновесие композиции и удалена часть чепца женщины.

Единственным подписанным портретом Барбары Дюрер, где мать художника нарисована им в возрасте 63 лет. Сравнив зеркально перевёрнутый портрет 1490 года и рисунок 1514 эксперты сочли их изображениями одной и той же женщины.

Василий Григорьевич Перов

"Чтобы быть вполне художником, нужно быть творцом; а чтобы быть творцом, нужно изучать жизнь, нужно воспитать ум и сердце, воспитать не изучением казенных натурщиков, а неусыпной наблюдательностью и упражнением в воспроизведении типов и им присущих наклонностей... Художник должен быть поэт, мечтатель, а главное - неусыпный труженик... Желающий быть художником должен сделаться полным фанатиком, живущим и питающимся одним искусством и только искусством". Василий Григорьевич Перов (фамилия, данная при рождении - Васильев; 21 декабря 1833 , Тобольск - 29 мая 1882, с. Кузьминки, ныне в черте г. Москвы) - русский живописец, один из членов-учредителей Товарищества передвижных художественных выставок. В.Г.Перов был признанным вождём московской живописной школы, являвшейся в 60-х годах Х1Х века авангардом русского реалистического искусства. В кругах интеллигенции его даже называли «Папа московский», тем самым подчеркивая, что подобно тому, как Папа Римский диктует из Ватикана законы всему католическому миру, Перов из Москвы диктовал законы всему русскому художественному миру. Василий Григорьевич Перов был незаконнорождённым сыном барона Георгия Карловича Криденера. Несмотря на то что вскоре после рождения мальчика его родители обвенчались, Василий не имел прав на фамилию и титул отца. В официальных документах долгое время указывалась фамилия «Васильев», данная по имени крёстного отца. Фамилия «Перов» возникла как прозвище, данное мальчику его учителем грамоты, заштатным дьячком, который этим прозвищем отметил своего ученика за усердие и умелое владение пером для письма. В. Г. Перов окончил курс в арзамасском уездном училище, был отдан в художественную школу А. В. Ступина (также в Арзамасе). В 1853 году поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где учился у М. И. Скотти, А. Н. Мокрицкого и С. К. Зарянко. В 1856 году получил малую серебряную медаль за представленный в Императорскую академию художеств этюд головы мальчика.
Впоследствии Академия присуждала ему и другие награды:

Портрет А. И. Криденер, рожд. Ивановой, матери художника.
1876.

Василий Иванович Суриков.

Василий Суриков родился в 1848 году в Красноярске. Семья его принадлежала к старинному казачьему роду: предки Сурикова вместе с Ермаком пришли «воевать Сибирь», и художник очень гордился этим

Во время учения в Академии художеств Суриков, пробует создать произведения на темы из русского исторического прошлого, однако только после окончания академии, с 1878 года, он принимается за создание своих могучих исторических полотен.

В 1881 году он заканчивает «Утро стрелецкой казни», в 1883 году - «Меншикова в Березове»; в 1887 году - «Боярыню Морозову» (первый эскиз относится к 1881 году).

В 1895 году он завершает «Покорение Сибири Ермаком», а в 1899 году - «Переход Суворова через Альпы».

Таковы главнейшие произведения Сурикова, созданные им на исторические сюжеты.

Картины Сурикова поражают нас удивительным проникновением в «живое прошлое», и не только обликом зданий, одежд, убранства, но и воссозданием типов, чувств и переживаний людей той эпохи. Это свойство у Сурикова необычайно.

В 1877 году Суриков поселился в Москве и прожил там до конца жизни. Неоднократно он ездил к себе на родину, в Сибирь, и эти поездки всегда вдохновляли его на дальнейшую работу.

Носитель истинной народности, Суриков был при этом в корне чужд националистическим тенденциям. В своем искусстве он опирался на достижения глубоко почитаемых им старых итальянских и испанских мастеров, очень высоко отзывался о современной французской живописи. Отзывчивость и широта мировоззрения художника ярко выразились в замечательных живописных и графических работах, исполненных им во время поездок по Италии и Испании, а также посвященных жизни малых народов Сибири. Открыт был Суриков и новым веяниям и поискам искусства начала 20 века, до последних дней жизни сочувственно следя за устремлениями молодежи, в свою очередь горячо почитавшей великого Мастера.

Портрет П. Ф. Суриковой (матери художника).
1887.

Генрих Семирадский

один из крупнейших представителей позднего академизма в России .

Будущий живописец родился 24 октября 1843 года в ново-белгородской слободе, находящейся недалеко от Харькова. Отец Семирадского был полковым врачом в царской армии. Свое обучение будущий художник начал во второй харьковской гимназии. Именно там он получил свои первые уроки живописи. Учителем Семирадского стал Безперчий Д.И. – ученик Брюллова.

Потом учился в Харькове и Петербурге, но бо́льшую часть активной творческой жизни провёл в Риме. Наиболее известен монументальными полотнами на сюжеты из истории античных Греции и Рима; также успешно работал в жанре камерной идиллии,пейзажа и портрета. Занимался оформлением театров и частных интерьеров.

Академик и профессор Императорской Академии художеств, академий живописи Берлина, Стокгольма, Рима,Турина, член-корреспондент французской Академии изящных искусств.

Произведения в основном рассеяны по музеям Польши, Украины и России, а также частным собраниям европейских стран. Персональные выставки художника проходили в Польше в 1903, 1939, 1968 и 1980 годах, но сводной экспозиции, которая создавала бы энциклопедическое представление о Семирадском, до сих пор не проводилось. Многие работы утрачены, например росписи храма Христа Спасителя в Москве.

В Риме живописец провел большую часть своей жизни, и он лишь изредка приезжал в Россию. Несмотря на это, петербургская Академия Художеств ценит Семирадского и удостаивает его различных наград. Так, в 1873 году живописцу был присужден титул академика за картину «Христос и грешница», которая сделала его всемирно известным.

Портрет матери художника.
1887.

Рембрандт. Портрет матери

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич

русский художник, теоретик искусства и писатель.

Родился в Хвалынске (Саратовская губерния) 24 октября (5 ноября) 1878 в семье сапожника; сумел получить художественное образование при поддержке местных купцов. Учился в классах живописи и рисования Ф.Е.Бурова в Самаре (1895–1897) и Центральном училище технического рисования Штиглица в Петербурге (1895–1897). В 1905 окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где в числе его наставников был В.А.Серов. Посещал студию А.Ашбе в Мюнхене (1901) и частные академии Парижа (1905–1908).

В эти же годы много путешествовал по Западной Европе и Средиземноморью, побывал в Северной Африке; позднее большое значение для него имели также крымские и среднеазиатские впечатления. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старинных (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения) традиций. Был членом объединений «Мир искусства» и «Четыре искусства». Жил в Ленинграде, а с 1927 – в Пушкине.

Целиком в духе символизма решены уже его ранние картины, где преобладают мотивы легенды или волшебного сна (Сон, 1911; Играющие мальчики, 1911; обе работы – в Русском музее, Петербург). Монументальным свидетельством творческой зрелости явилось знаменитое полотно Купание красного коня (1912) – простой сельский сюжет превращен (благодаря плавной ритмике форм и звучному локальному колориту) в поэтическое обобщение о судьбах России. Так же воспринимаются картины Мать (1913) и Девушки на Волге (1915).

Петров-Водкин часто (начиная с ранних подражаний М.Метерлинку) обращался к литературе, особенно в свой поздний период. Романтически-эмоциональны, весьма самобытны по жанру его Хлыновск (1930) и Пространство Эвклида (1933) – своего рода «вымышленные автобиографии», где причудливо сочетаются черты авантюрного романа, теоретического трактата и мемуаров. Плодотворно работал также как художник театра и педагог (преподавал в школе Е.Н.Званцевой (1910–1915) и Академии художеств (1918–1933).

http://maxpark.com/community/6782/content/3686276

http://subscribe.ru

Тема:

Выполнила: учащаяся 6 «Б» класса МОУ Катуаровская СОШ Финаева Юлиана

Руководитель: Чиквасова Екатерина Александровна

2018 год

1. Введение

3. Загадочная «Джоконда»

4. Практическая работа

5. Выводы

6. Список используемых источников

Введение

Цель проекта:

Написать «живой» портрет

Задачи проекта:

• изучить историческое развитие жанра «портрет»;

• изучить феномен произведения Л. Да Винчи «Мона Лиза»;

• выяснить художественные приёмы позволяющие портрету «ожить»;

• попытаться написать «живой» портрет;

• подведение итогов проделанной работы в форме защиты проекта.

Возникновение жанра «портрет»

Какой характер, какая целая жизнь тут написалась.

(В.В. Стасов в письме к Репину)

Становление жанра «портрет» происходило на протяжении нескольких веков. Самыми первыми предпосылками изображения открываются для человека ещё в Древнем мире. Однако портрет в привычной для нас форме появляется спустя многие тысячелетия. Первыми изображениями являются религиозные образы. Основным видом изобразительного искусства является икона.

И конопись - (икона и пис а ть) - иконописание, богословие в красках - вид религиозной живописи, основанной на Предании Христианской Церкви и Священного Писания. Иконопись создает священные изображения, которые призваны молящихся возводить от образа к первообразу, от сюда и частое название иконы - образ , говоря современным языком, проекция духовного мира в материальном.

Иконопись зародилась ещё в апостольские времена. В первом веке от Рождества Христова, по преданию Церкви, первая икона была написана самим апостолом Лукой на простой деревянной столешнице. Этот образ стал именоваться образом Вышгородской, а затем Владимирской иконы Божией Матери Умиление, названной так после перевезения иконы св. князем Андреем Боголюбским во Владимир. С первых веков Христианства, ещё во время гонений, христиане начали изображать символами основы своей веры. Свидетельством тому являются росписи в римских катакомбах, дошедших до наших дней.

К XVIII веку иконопись начала претерпевать стилистические изменения. Появилась тенденция к большей реалистичности, за стремлением иконописцев преодолеть иконописную условность и подчинить композиции реалистическим законам, начала ускользать духовная составляющая иконописных образов. Появились так называемые парсуны - иконописное изображение живых людей, прародители портрета.

Парсуна появляется в переходный период русской истории, во время преобразования средневекового мировоззрения и складывания новых художественных идеалов. Первые русские парсуны создаются, скорее всего, мастерами Оружейной палаты Московского Кремля в XVII в. Наиболее известным автором парсун считается Симон Ушаков. По стилю, приемам и материалам живописи парсуны первоначально ничем не отличаются от икон, выполняются на иконных досках с ковчегом. Иногда пишется такой составляющий элемент иконы, как нимб вокруг головы персонажа. Во второй половине XVII в. парсуна часто пишется на холсте в технике масляной живописи, хотя манера исполнения продолжает содержать иконописные традиции. В парсуне портретное сходство передается весьма условно, часто используются атрибуты и подпись, позволяющие идентифицировать изображенного. Персонажами являются, прежде всего, цари, князья, военачальники, церковные иерархи. К концу XVII в. обязательным для художников становится сходство человека с нарисованным образом. Художники начинают писать портреты с натуры, а не как раньше по памяти. Художники начали рисовать людей с их переживаниями и эмоциями, а не только святых угодников. И церковь с этим смирилась. Временем окончательного превращения парсунной живописи в западноевропейский живописный портрет считаются 1760-е гг., однако, в провинции техника парсуны существовала и в более поздний период.

Следующим этапом развития становится портрет, который активно развивается в XVIII в. В этот период особенно усиливается интерес к человеческой личности. Задача создания портрета заставляет нас по-новому увидеть человека, открыть его для себя. Портрет – образ определённого реального человека. Смысл портрета – в интересе именно к личности, наделённой индивидуальными качествами, а не чинами, званиями и титулами. Именно в портретном жанре были достигнуты подлинные вершины художественности. Далеко не сразу были найдены приёмы изображения, отличные от парсунной живописи. В этот период решается проблема сходства и индивидуализации в портрете. Во второй половине века становятся разнообразными портреты, в которых мы уже можем видеть изображения человека в привычной для него домашней обстановке. Портрет того времени начинает решать роль не сословного различия, а воплощает внутренний мир и общечеловеческие достоинства…

Для нас всегда важно «похож» или «не похож» человек. Соответствуют ли воспроизведённые черты лица пропорциям, принятым в художественном мире. Переданы ли особенности поведения изображаемого, его темперамент, манера, поза… Ещё важнее сходство внутреннего мира, то есть характер портретируемого – вдумчивого или деятельного, властного или робкого. Радуется ли этот человек или грустит, любит или наоборот ненавидит? В портрете виден чувственный мир человека, и художник понимает его по-своему, не относится безучастно, равнодушно. Раскрывая портретный образ, художник раскрывается сам. Художник своим чувством организует язык изобразительного искусства, строит свой образ при помощи эмоций, стремиться воплотить свои представления о портретируемом и находит нужные средства выразительности. Это и есть основная задача создания образа.

Загадочная «Джоконда»

Как-то мы с классом изучали творчество Леонардо да Винчи. Мы знакомились с картиной «Мона Лиза (Джоконда)». Это очень загадочная, живая картина. Настроение Джоконды меняется на глазах: изначально её взгляд нам кажется сосредоточенным, задумчивым или напряжённым, иногда даже рассеянным. Если смотреть на нее хмурым взглядом –она посмотрит так же, а вот если улыбнуться ей –она улыбнется в ответ. На смену лёгкой иронии приходит открытая доброжелательность и участие. Все это очень настораживает. Мы смотрели на фотографию картины, и возникает вопрос: «Что тогда вытворяет настоящая картина?»

В портрете художник смог передать образ, эпоху и самую загадочную улыбку. Над портретом Л. да Винчи работал четыре года. Во время работы он приглашал шутов, певцов и музыкантов. Это было необходимо, чтобы художник мог увидеть эмоции и смену настроении на лице Моны Лизы.

В портрете Леонардо изобразил человека, лицо которого передаёт чувство собственного достоинства. Многие до сих пор думают – в чём секрет неувядающей славы этого произведения? Учёные догадываются, что тайну в себе скрывает загадочная улыбка Джоконды. В уголках рта на портрете мы замечаем лёгкие тени создающие иллюзию, то появляющейся, то исчезающей улыбки.

Во всей живописи в мире, я думаю, что нет подобного образа, создающего улыбку «живых» глаз. Глядя на картину, мы замечаем загадочную смену настроения Моны Лизы. Художник обладал особой техникой изображения портрета маслом. Приём заключался в том, что он наносил поверх высохшего масляного слоя несколько десятков слоёв прозрачных и полупрозрачных красок. От этого создавался эффект воздушной дымки и неясной размывчатости, который создавал образ загадочности. Так же я прочитала, что на особое восприятие картины влияет композиция и колорит картины. Ведь Мона Лиза сидит на фоне прекрасного пейзажа, который богат своим разнообразием. И из-за просторного изображения на дальнем плане сам портрет воспринимается большим по размеру, чем он есть на самом деле.

Я вдохновилась необычайной красотой картины и хочу сама попробовать нарисовать «живой портрет».

Практическая часть

В качестве натурщицы я выбрала свою маму, потому что в мое свободное время она была дома, и можно было легко заниматься живописью с натуры. Свою работу я начала с легких штрихов простым карандашом, затем начала прорисовывать контуры и черты лица (это был первый день моей работы). С каждым днем я дорисовывала черты лица, делая их конкретнее. Вскоре я закончила графический эскиз. Затем я начала накладывать краски. Сначала наложила фон, позже закрасила волосы. В следующий день мне пришлось накладывать базовый цвет кожи лица и шеи. На модели я разглядела свет и тень, все это я нанесла на картину. Так поэтапно я писала картину. Как мне кажется самой интересной и загадочной частью лица были глаза, которые я рисовала постепенно, всматриваясь в их блеск и радужку, чтобы правильно наложить цвет.

Вскоре базовые оттенки были нанесены, и я приступила к наложению второго слоя. Нужно было разглядеть мельчайшие детали, как вдруг появились трудности с освещением. Оно должно было быть одинаковым, но сделать это не получалось, потому что я писала портрет в домашних условиях. Вскоре я нашла решение этой проблемы и продолжила свою работу. После того, как я наложила второй слой, осталось нарисовать ресницы и наложить блики.

Наконец моя работа была закончена!

В заключении хочется сказать, что написание картины было довольно сложным и утомительным, но я справилась. У меня все получилось! Я очень горжусь этой длительной работой, а главное результатом!

Вывод:

На основе сделанного проекта я узнала историю возникновения портрета. Приблизилась к отгадке известнейшей работы Леонардо да Винчи «Мона Лиза (Джоконда)» и какие техники живописи применял художник для передачи «живого» образа. Все это помогло нарисовать мне «живой портрет». Мне было интересно изучать новый материал, а главное ставить перед собой новые цели и реализовывать их.

Список использованных источников

1. Г.И. Данилова Мировая художественная культура 10 класс. От истоков до XVII века – М.: изд-во Дрофа, 2011.

2. Живопись XIX – начала XX веков из собрания музея-заповедника «Абрамцево». Каталог выставки. – М.: изд-во «Феория», 2010.

Изобразительное искусство. Искусство в жизни человека. 6 класс: учеб.для общеобразоват. организаций/ Л. А. Неменская; под ред. Б.М. Неменского. – 3-е изд. – М.: Просвещение, 2014. – 175с.: ил.

http://magisterikon.ru/istoriya-ikonopisi