Тип урока: Урок совершенствования знаний, умений и навыков.

Вид урока: Урок с углублённой проработкой учебного материала.

Цель урока: Практическое изучение методов работы, которые используются для создания музыкального образа в пьесе С. С. Прокофьева “Дождь и радуга”.

Задачи урока:

• обучающие: формирование и совершенствование профессиональных навыков, необходимых для овладения культурой музыкального исполнительства;
• развивающие: развитие эмоциональной отзывчивости, чуткости к образному пониманию мира, развитие творческой и познавательной активности;
• воспитывающие: воспитание устойчивого интереса к занятиям, формирование художественно-эстетического вкуса.

Структура урока:

1. Организация начала занятия.
2. Мотивация урока. Постановка цели.
3. Проверка выполнения домашнего задания.
4. Усвоение новых знаний.
5. Первичная проверка понимания.
6. Обобщение и систематизация знаний.
7. Контроль и самоконтроль знаний.
8. Подведение итогов занятия.
9. Информация о домашнем задании.

План урока.

1. Организационный момент.
2. Сообщение темы, цели и задач урока. Основная часть. Освоение на практике методов работы, которые используются для создания музыкального образа в пьесе С. С. Прокофьева “Дождь и Радуга”.
   2.1 Прослушивание домашнего задания.
   2.2 Понятие “музыкальный образ”. Программная музыка.
   2.3 Музыкально-выразительные средства как основное условие создания музыкального образа.
   2.4 Основные методы работы над звуком.
3. Подведение итогов занятия.
4. Домашнее задание.
5. Просмотр мультипликационного фильма “Прогулка”. Режиссёр И. Ковалевская. Музыка С. С. Прокофьева.

Преподаватель: В ходе предыдущих уроков мы работали над пьесой С. С. Прокофьева “Дождь и радуга”. Первый этап работы над произведением мы успешно прошли. Тебе, Настя, было дано домашнее задание: работа над текстом, игра наизусть. Давай послушаем результаты твоей домашней работы.

Ученица исполняет пьесу, над которой работала дома.

Преподаватель: Домашнее задание выполнено. Пьеса выучена наизусть. Качество работы можно оценить как хорошее. Для самостоятельной домашней работы было дано творческое задание: подобрать литературное произведение, созвучное, по твоему мнению, содержанию и настроению, которое присутствует в музыкальной пьесе “Дождь и радуга”.

Ученица: Да, я нашла с помощью мамы два стихотворения, которые, по моему мнению, по настроению соответствуют пьесе. Сейчас я их прочитаю.

Ф. И. Тютчев Неохотно и несмело Солнце смотрит на поля. Чу, за тучей прогремело, Принахмурилась земля. Ветра тёплого порывы, Дальний гром и дождь порой… Зеленеющие нивы Зеленее под грозой. Вот пробилась из-за тучи Синей молнией струя, Пламень белый и летучий Окаймил её края. Чаще капли дождевые, Вихрем пыль летит с полей, И раскаты громовые Всё сердитей и смелей. Солнце раз ещё взглянуло Исподлобья на поля, И в сиянии потонула Вся смятенная земля.

И. Бунин Нет солнца, но светлы пруды Стоят зеркалами литыми, И чаши недвижной воды Совсем бы казались пустыми, Но в них отразились сады. Вот капля, как шляпка гвоздя, Упала – и сотнями игол Затоны прудов бороздя, Сверкающий ливень запрыгал, И сад зашумел от дождя. И ветер, играя листвой, Смешал молодые берёзки, И солнечный луч, как живой, Зажёг задрожавшие блёстки, А лужи налил синевой. Вон радуга… Весело жить И весело думать о небе, О солнце, о зреющем хлебе И счастьем простым дорожить: С открытой бродить головой, Глядеть, как рассыпали дети В беседке песок золотой… Иного нет счастья на свете.

Преподаватель: Знакомство с поэтическими сочинениями у тебя состоялось, а теперь давай сопоставим стихи с музыкальным содержанием пьесы. Что ты чувствуешь, когда читаешь стихотворения?

Ученица: Я чувствую свежесть и тепло. Закрываю глаза и представляю дождь, который шумит по листьям. Радость от появления солнца и радуги.

Преподаватель:

В музыкальном произведении так же, как и в романе, повести, сказке, картине, которую написал художник, есть своё содержание, оно отражает окружающий нас мир. Это происходит через музыкальные образы, которые созданы композитором. Музыкальный образ – это комплекс музыкально-выразительных средств, которые используются композитором в сочинении и направлены на то, чтобы вызвать у слушателя определенный круг ассоциаций с явлениями действительности. Содержание пьесы раскрывается через чередование и взаимодействие между собой различных музыкальных образов. Музыкальный образ – это способ жизни произведения.

В зависимости от содержания в музыкальном произведении может быть один или несколько образов.

Как ты думаешь, сколько музыкальных образов в пьесе, изучаемой нами?

Ученица: Два образа, потому что в названии мы слышим дождь и видим радугу.

Преподаватель: Молодец! Действительно, пьеса содержит два музыкальных образа, которые заложены в самом названии “Дождь и радуга”. Такие пьесы называются программными. Заглавие, указывающее на какое-либо явление действительности, которое имел в виду композитор, может служить программой. Дождь обычно изображается ровным движением шестнадцатых или восьмушек. В миниатюре “Дождь и радуга” этого нет.

Ученица: Да, я играла пьесу “Летний дождик”. В ней дождик отличается от дождя в пьесе, которую мы учим.

Преподаватель: Зримо ощутимыми музыкальными средствами раскрываются картины природы и в пьесе “Дождик” В. Косенко.

Послушай, я сыграю тебе пьесу В. Косенко “Дождик” (показ преподавателя). Сравнив пьесы “Дождь и радуга” и “Дождик”, ты понимаешь теперь, Настя, как в музыке может быть изображено одно и то же природное явление. А теперь скажи мне, в пьесе, над которой мы работаем, есть такой дождик, как в пьесе В. Косенко “Дождик”?

Ученица: Нет, здесь дождь совсем другой.

Преподаватель: Сыграй мне, пожалуйста, начало пьесы (ученица играет первые две строчки). Слышишь разницу?

Преподаватель: Начинающие пьесу “капли дождя” – это, конечно, не точная звукоизобразительная зарисовка, но здесь есть ощущение летнего дождя, его свежесть, это поэтичное музыкальное отображение хорошо знакомой реальной картины. Во втором разделе пьесы композитор рисует радугу. В конце мы слышим дождь, который идёт под солнцем, грибной дождь.

Преподаватель: Давай повторим первый раздел (ученица играет). Обрати внимание на то, что рядом с интонациями, которые рисуют дождь, мы слышим интонации радуги. На уроках сольфеджио вы уже знакомились с понятием альтерация.

Ученица: Да, это повышение или понижение тона. Диезы и бемоли.

Преподаватель: Молодец, ты хорошо усвоила этот материал, но давай обратим внимание на созвучия со многими знаками, альтерированные созвучия. Сыграй, пожалуйста, эти аккорды (ученица играет) Старайся играть их, используя вес руки, опору на клавиатуру. “Положение пальцев должно быть чуть вытянутым, с клавишей соприкасается подушечка пальца”, – Е. Либерман. Постарайся услышать, насколько эти аккорды создают эмоциональное напряжение. Сыграй мне, пожалуйста, этот раздел пьесы, обратив внимание на мои рекомендации (ученица играет)

Преподаватель: А теперь давай попробуем оценить, насколько убедительно тебе удалось передать образ, о котором мы говорили.

Преподаватель: Ты сказала мне, что второй раздел – это радуга. Действительно, это чудо многоцветной радуги. Оно возникает в виде звучания до-мажорной нисходящей гаммы, привнося просветление и успокоение.

Преподаватель: Я приготовила на урок две художественные иллюстрации природного явления радуги: Б. Кузнецов “Радуга. Жасмин”, Н. Дубовской “Радуга”. Посмотрим внимательно и прочувствуем каждую из них. Цвет, горизонт, воздух, настроение, то, без чего исполнение пьесы будет невозможно. Словно дуга радуги, перекрывающая небосвод, в пьесе возникает широко раскидистая, типично прокофьевская мелодия. Г. Нейгауз говорил, что “звуковая перспектива столь же реальна в музыке для слуха, как в живописи для глаза”. В дальнейшем вновь слышатся альтерированные созвучия, но звучат они уже не столь напряжённо, как прежде. Постепенно колорит музыки всё более светлеет. Колорит – это сочетание красок. В колористической пьесе “Дождь и радуга” отразилось по-детски восторженное отношение Прокофьева к природе.

По свидетельству современников, Прокофьев был выдающимся пианистом, его манера игры была свободная и яркая, и при всём новаторском стиле его музыки игра отличалась невероятной нежностью.

Давай вспомним тему урока. Назови мне, пожалуйста, музыкально-выразительные средства, которые помогают раскрыть образ.

Ученица: Гармония и мелодия.

Преподаватель: Давай еще раз обратим внимание на гармонию. Гармония – это аккорды и их последовательность. Гармония – это многоголосная музыкальная краска,которую создают аккорды. Сыграй, пожалуйста, первую часть пьесы(ученица играет).

Комментарий преподавателя: Преподаватель во время исполнения обращает внимание на выразительные возможности гармонии, на необходимость вслушиваться в отдельные гармонии и их сочетания, необходимость стремиться понять их выразительный смысл. Отчётлива роль гармонии в создании состояния неустойчивости (диссонирующие созвучия) и покоя (их светлые разрешения). Диссонирующие созвучия могут звучать мягче или острее, но в данном случае мы с ученицей добиваемся менее резкого звучания.

Диагностика.

Преподаватель: Мы сейчас поговорили о значении и возможности гармонии, как одном из музыкально-выразительных средств. Скажи, пожалуйста, как ты поняла значение слова гармония.

Ученица: Гармония – это аккорды и их последовательность.

Преподаватель: По выражению великого русского пианиста и педагога Г. Нейгауза: “Музыка – это искусство звука”.

Звуковая выразительность является важнейшим исполнительским средством для воплощения музыкально-художественного замысла. Сыграй, пожалуйста, середину пьесы (ученица играет среднюю часть пьесы).

Комментарий преподавателя: Мелодика Прокофьева – это широчайший регистровый диапазон. Прозрачный, звонкий звук предполагает ясность атаки и точность завершения каждого тона. Колорит звучания предполагает тончайшую акварельную звукопись. Возвращение к иллюстрациям и работе над второй частью продиктовано необходимостью работы над приёмами звукоизвлечения. Звуковая выразительность является важнейшим исполнительским средством для воплощения музыкально – художественного замысла. В работе применяются практические приёмы и методы, помогающие развить мелодический слух и, соответственно, красочность звука у ученика.

Мелодический слух – это представление и слышание мелодии в целом и каждой ее ноты, каждого интервала в отдельности. Слышать мелодию нужно не только звуковысотно, но и выразительно динамически и ритмически. Работа над мелодическим слухом – это работа над интонацией. Интонация придаёт музыке объем, делает ее живой, дает ей окраску. Мелодический слух интенсивно формируется в процессе эмоционального переживания мелодии и затем воспроизведения услышанного. Чем глубже переживание мелодии, тем гибче и выразительнее будет ее рисунок.

Методы работы:

1. Проигрывание на инструменте мелодического рисунка отдельно от сопровождения.
2. Воспроизведение мелодии с аккомпанементом учеником и педагогом.
3. Исполнение на фортепиано отдельно партии аккомпанемента с пропеванием мелодии “про себя”.
4. Максимально детализированная работа над фразировкой музыкального произведения.

Преподаватель: Важной составляющей в работе над мелодией является работа над фразой. Показ преподавателем двух вариантов исполнения эпизода с целью развить умение слышать и избирать необходимое звучание для создания верного музыкального образа. (Преподаватель исполняет) Учащаяся активно слушает и делает правильный выбор. Такой метод работы активизирует восприятие ученика и помогает создать образ, к которому нужно стремиться.

При работе над фразировкой, которая является одним из средств выражения художественного образа музыкального произведения, мы с учащейся обсудили строение фраз, интонационные вершины и кульминационные точки, обратили внимание на дыхание в музыкальной фразе, определили моменты дыхания. “Живое дыхание играет в музыке первенствующую роль”, – А. Гольденвейзер.

Преподаватель: Атеперь, давай вспомним, что такое кантилена?

Ученица: Кантилена – это напевная широкая мелодия.

Преподаватель: Сыграй, пожалуйста, длинную мелодическую линию, которая начинает середину пьесы. Ученица играет.

МУНИЦИПАЛЬНОЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ

ДОПОЛНИТЕЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ ДЕТЕЙ

«УНЕЧСКАЯ ДЕТСКАЯ ШКОЛА ИСКУССТВ»

на тему: «Создание и развитие художественного образа

в процессе работы над музыкальным произведением»

Разработал:

Шкода Т.Г.

Обсуждена и одобрена Унечским

зональным методическим объединением

Протокол № _____

Унеча 2014 г.

МУЗЫКАЛЬНЫЙ ЯЗЫК ОБЩЕНИЯ 3

ТВОРЧЕСКОЕ ВООБРАЖЕНИЕ И ТВОРЧЕСКОЕ ВНИМАНИЕ……………………………………………………………….4

ПОНЯТИЕ «СОДЕРЖАНИЕ МУЗЫКАЛЬНОГО ПРОИЗВЕДЕНИЯ»………………………………………………………..5

АНАЛИЗ МУЗЫЛЬКАЛЬНОГО ПРОИЗВЕДЕНИЯ – ПЕРВЫЙ ШАГ К СОЗДАНИЮ ХУДОЖЕСТВЕННОГО ОБРАЗА………………………………………………………………………………………………………………………………………………5

ПРОЦЕСС ВСЛУШИВАНИЯ В МУЗЫКУ……………………………………………………………………………………………………8

УРОВЕНЬ ЭМОЦИОНАЛЬНОЙ ОТЗЫВЧИВОСТИ УЧЕНИКА……………………………………………………………………9

МУЗЫКАЛЬНО-ОБРАЗНОЕ МЫШЛЕНИЕ………………………………………………………………………………………………..9

ЗАКЛЮЧЕНИЕ……………………………………………………………………………………………………………………………………….11

Приложение №1………………………………………………………………………………………………………………………………….13

Приложение №2………………………………………………………………………………………………………………………………….16

Приложение №3………………………………………………………………………………………………………………………………….18

Приложение №4………………………………………………………………………………………………………………………………….20

Приложение №5………………………………………………………………………………………………………………………………….22

ВВЕДЕНИЕ

В настоящее время музыкальное образование является неотъемлемой частью формирования духовной культуры личности на основе развития его музыкальной грамотности и способности к овладению общечеловеческими культурными ценностями. Цель именно музыкального воспитания школьников сегодня – ввести учащихся в мир большого искусства, научить их любить музыку во всём богатстве её форм и жанров, иначе говоря, воспитать в учащихся музыкальную культуру как часть всей их духовной культуры, вырастить грамотного слушателя, ценителя музыки в частности и искусства в целом, творчески образованного, интеллектуально развитого человека.

В связи с этим возникает вопрос: чему мы, педагоги – музыканты, учим своих воспитанников? Каков предполагаемый результат обучения детей в музыкальной школе? Что нужно сделать, чтобы искусство не было отчуждено от ребёнка, а стало частью его души? Как сделать урок специальности уроком познания себя и окружающего мира, уроком творчества? Ответить на этот вопрос мы сможем тогда, когда научим любить музыку, когда дети начнут чувствовать и понимать её глубинный смысл. И педагогу, руководствуясь девизом « Через музыку проникнуть в душу! Через музыку понять себя и окружающий мир!», необходимо создать все условия, чтобы дети хотели познать таинство этого вида искусства.

Общую задачу обучения в музыкальной школе можно определить как развитие у учащихся любви к музыке, способности к эмоциональной отзывчивости на музыкальные произведения, яркости их восприятия и обеспечения всесторонней музыкальной подготовки, которая позволила бы исполнять сочинения самых различных стилей и жанров, раскрывая перед слушателем их художественное содержание. Развитие у ученика художественного образа при игре музыкальных произведений - одна из самых важных задач для педагога – музыканта.

МУЗЫКАЛЬНЫЙ ЯЗЫК ОБЩЕНИЯ

Неоспоримо понятие, что музыка - это особый язык общения, музыкальный язык, подобно языку общения между людьми. Я стараюсь донести эту точку зрения до своих учеников, сформировать ассоциативную связь между музыкальными и художественными произведениями, сравнивая пьесы со стихами, сказками, рассказами, событиями и настроениями окружающей жизни. Конечно же, не следует понимать язык музыки в прямом смысле как язык литературный. Выразительные средства и образы в музыке не столь наглядны, конкретны, как образы литературы, театра, живописи. Музыка оперирует средствами чисто эмоционального воздействия, обращается преимущественно к чувствам и настроениям людей. «Если бы всё, что происходит в душе человека, можно было бы передать словами, - писал русский музыкальный критик и композитор А.Н. Серов, - музыки не было бы на свете!» Не следует ставить знак равенства между языком музыки и привычным литературным языком и потому, что один и тот же нотный текст разные музыканты - исполнители воспринимают и исполняют по-разному, привнося в музыкальный текст свои художественные образы, чувства, мысли.

Инструментальная музыка не способна столь же конкретно выражать точные понятия, как разговорный язык, но порой она достигает такой захватывающей мощи, которой трудно или невозможно достичь с помощью разговорного языка. « Вы говорите, что тут нужны слова. О, нет! Тут именно слов и не нужно, и там, где они бессильны, является во всеоружии своём «язык музыки» - говорил великий П. И. Чайковский.

Мир музыкальных образов чрезвычайно обширен: каждое художественно – полноценное произведение имеет неповторимое содержание, раскрывает свой круг образов – от простейших до поражающих своей глубиной и значительностью. Что бы ни играл учащийся – народные песни, танцы, пьесы современных композиторов или классическую музыку – ему необходимо понимать это произведение, осознавая выразительное значение каждой детали, и уметь исполнить его, т.е. передать в своей игре художественное содержание. Развить у учащегося способности к такому пониманию музыки педагог сможет лишь в том случае, если на протяжении всех лет занятий будет серьёзно работать в этом направлении, никогда не допустит бессмысленного исполнения.

ТВОРЧЕСКОЕ ВООБРАЖЕНИЕ И ТВОРЧЕСКОЕ ВНИМАНИЕ

При работе над художественным образом музыкального произведения основной задачей педагога является развитие ряда способностей у ученика, способствующих его «увлечённости» при игре. К ним относятся творческое воображение и творческое внимание. Воспитание творческого воображения имеет целью развитие его ясности, гибкости, инициативности. На первых уроках, исполнив «Колыбельную» учащемуся, я прошу его объяснить назначение песни, обрисовать её характер. Или, напротив, исполнив ему весёлую плясовую, предлагаю рассказать, что она может отображать, прошу нарисовать отдельные моменты её исполнения. Следующей ступенькой в работе является определение эмоциональной характеристики мажора (светло, радостно, оптимистично) и минора (приглушённо, грустно, печально), что в дальнейшем способствует более точному восприятию характера музыкального произведения. Прошу сделать иллюстрации к музыкальным произведениям - рисунки, в которых ребёнок отображает своё восприятие исполняемой музыки.

Музыкальную фантазию нужно развивать удачными метафорами, поэтическими образами, аналогами с явлениями природы и жизни, чтобы в воображении играющего возникали образные ассоциации, жили более чувственные и конкретные звуковые образы, многообразные тембры и краски.

Приведу несколько примеров из своей практики.

Приложение №1 - 3

Способность ярко, рельефно представить себе художественный образ, характерна не только для исполнителей, но и для писателей, композиторов, художников. Но они получают материал из повседневной жизни, а музыкант не имеет готового музыкального материала для воображения. Он нуждается в постоянном приобретении специального опыта, он должен уметь слышать и делать отбор. Поэтому необходимым условием для воспитания творческого воображения музыканта является высокий уровень слуховой культуры.

Пример (приложение №4) – Б. Самойленко « Раз, два - левой!»

Поскольку мы говорим о создании и развитии художественного образа, необходимо определить, что подразумевается под понятием «содержание музыкального произведения». Общепринятым понятием является то, что содержание в музыке составляет художественное отражение музыкальными средствами человеческих чувств, переживаний, идей, отношений человека к окружающей его действительности. Любое музыкальное произведение вызывает некие эмоции, мысли, те или иные настроения, переживания, представления. Это и является художественной составляющей музыкального сочинения. Но, безусловно, при его исполнении нельзя упускать из вида и техническую сторону музицирования, поскольку небрежное исполнение музыкального произведения не способствует созданию желаемого образа у слушателя. А значит, перед педагогом и учащимся встаёт довольно сложная задача – соединить эти два направления при работе над музыкальным произведением, синтезировать их в единый системный, целостный подход, метод, где раскрытие художественного содержания неразрывно связано с успешным преодолением возможных технических сложностей.

АНАЛИЗ МУЗЫЛЬКАЛЬНОГО ПРОИЗВЕДЕНИЯ – ПЕРВЫЙ ШАГ К СОЗДАНИЮ ХУДОЖЕСТВЕННОГО ОБРАЗА

Безусловно, самое интересное для учеников занятие на уроках специальности – это работа над художественным музыкальным произведением.

Приступая к работе над пьесой, анализируя с учеником содержание произведения, многие педагоги часто допускают ошибки двух противоположных направлений. Для первого – характерно то, что преподаватель стремится научить детей до подробностей «видеть» разбираемое произведение, старается пересказать его содержание словами, создать «литературный сюжет». В итоге – ученик активно фантазирует, рисует красочные картины, мало обращая внимание на техническую сторону исполнения, в результате чего не может донести свои образы до слушателя из-за технического несовершенства исполнения. Ко второму направлению примыкают педагоги, которые, руководствуясь тем, что музыка – искусство звуков и действует прямо на наши чувства, вообще пренебрегают образными представлениями, считают ненужными беседы о музыке и ограничиваются «чистозвуковым», технически совершенным и не нуждающимся ни в каких ассоциациях исполнением. Какое из этих направлений наиболее приемлемо в музыкальном развитии учащегося? Вероятно – истина, как всегда, где-то посередине, и от того, найдёт ли исполнитель «точку золотого сечения» зависит, будет ли он иметь успех у слушателей.

При разборе музыкального произведения я стараюсь погрузить сознание ребёнка в ту атмосферу, в которой было написано это произведение, детально разобрать его строение, сделать тональный план, определить кульминацию, определить, при помощи каких средств выразительности и технических приёмов будет показана основная тема, вариации. Следует отметить, что большинство сведений о музыкальном произведении, сообщаемых школьникам преподавателем, имеет форму словесных описаний, картин, неких ассоциаций. На их основе учащиеся воссоздают себе содержательный образ разбираемого музыкального сочинения (облик героя музыкального произведения, события прошлого, невиданные ландшафты, сказочные картины, природу и т.д.). И здесь очень важно – сумеет ли педагог разбудить и развить своим выразительным и эмоциональным рассказом интерес к музыке. Именно на данном этапе определяется дальнейший путь развития начинающего исполнителя: пойдёт ли он по пути творческого мышления или же строгого исполнения нотного текста. При этом только следует обратить внимание вот на что: нередко, желая как можно более полно объяснить ученику смысл музыки, даже опытные педагоги-музыканты идут по пути излишней конкретизации образа, вольно или невольно подменяя музыку рассказом о ней. При этом на первый план выходит не настроение музыки, не то психологическое состояние, что в ней содержится, а всевозможные детали, вероятно, интересные, но от музыки уводящие.

Для качественной игры необходимо изучить произведение «изнутри», поэтому в моей работе над произведением значительное место занимает анализ. Необходимо всё понять, ведь понять - это сделать первый шаг к тому, чтобы полюбить. Восприятие музыки неотделимо от формы. Горячая эмоциональная отзывчивость на музыку не только не находится в противоречии, но, наоборот, получает почву благодаря умному логическому анализу. Надуманность гасит творческое пламя, обдуманность – возбуждает эмоциональные творческие силы.

В анализе не может быть какой-то особой схемы. В каждом произведении есть неповторимые черты, придающие ему индивидуальность, прелесть. Найти их и преподнести – задача педагога. Грамотное использование учеником методов и приёмов - это залог профессиональной и эмоциональной игры. Задача педагога - помочь раскрыть произведение, направить в «нужное русло», но при этом дать ему возможность самому представить содержание произведения, узнать его мысли и желания.

Многие педагоги-практики уделяют недостаточно внимания развитию мыслительных процессов при работе над музыкальным материалом. Анализ музыкального произведения зачастую просто опускается, делается акцент на чистое исполнение нотного текста. Как результат – у учащихся слабо развито музыкально-художественное мышление, которое необходимо при интеллектуально-интуитивном восприятии музыки. Между тем, как формирование художественного образа опирается на всестороннее понимание произведения, что невозможно в отсутствии эмоционального и интеллектуального начала. Тщательный художественно-теоретический разбор изучаемого сочинения стимулирует повышенный интерес, активизирует эмоциональное отношение к нему. На этом этапе первоначально созданный художественный образ получает своё развитие, обретает более чёткие краски, становится объёмным, живым.

Воссоздающее (репродуктивное) воображение, «отвечающее» за создание и развитие художественных образов, развивается у школьников в процессе обучения игре на музыкальных инструментах путем формирования умения определять и изображать подразумеваемые состояния музыкальных образов, умения понимать их некую условность, иногда – недосказанность, способности привнести свои эмоции в переживания, данные нам композитором.

Уже на этапе знакомства с произведением я намечаю первые штрихи к возможному художественному образу, рассказывая ученику о композиторе, его творчестве, времени создания той или иной пьесы. Педагог должен обладать не только глубокими музыкально-теоретическими знаниями, но и очень высокой техникой педагогической работы: уметь правильно подходить к каждому ученику, учитывая его индивидуальные способности, чтобы оказать необходимую помощь в работе над музыкальным содержанием и возможными техническими трудностями. Таким образом, от преподавателя требуется постоянная высокая эмоциональная отзывчивость на художественное содержание музыкальных произведений, над которыми работает его ученик, творческий подход к их трактовке и способам овладения их специфическими трудностями. Важно уметь каждый раз свежими глазами взглянуть на музыкальное сочинение, даже в тех случаях, когда трудно найти новую деталь трактовки в давно знакомом произведении. Почти всегда есть возможность, основываясь на предыдущем опыте, внести те или иные улучшения в процесс освоения этого произведения учеником, ускорить овладение его трудностями, – и тем самым сделать работу интересной и для себя, и для ученика.

Педагог должен владеть инструментом и уметь показать разбираемое произведение в своей художественной интерпретации. Конечно же, исполнение в классе, для ученика, обязано быть таким же ярким, увлекательным, эмоциональным, как и на большой сцене.

Принцип: «сначала сыграй, как я, а потом, как сам считаешь нужным» ни в коей мере не должен влиять на творческую самостоятельность ученика. Каждый из участников учебного процесса, и педагог, и ученик, имеет право на своё видение музыкально-художественного образа.

ПРОЦЕСС ВСЛУШИВАНИЯ В МУЗЫКУ

При работе над музыкальным произведением я стараюсь научить ребёнка слушать себя, ибо умение слышать, понимать, осмысливать то, что заложено в музыкальном произведении – основа исполнительского мастерства. Часто мы сталкиваемся с тем, что ученик просто развлекает себя общим звучанием, не вслушиваясь и не заостряя внимание на том, что является основной задачей на данном этапе. В то время как работа над произведением должна заставлять ученика слушать себя со стороны. Необходимо стремиться, во-первых, к полному, мягкому, во-вторых – к максимально певучему звуку. Недаром, одна из высших похвал исполнителю – «у него инструмент поёт». Пение, певучесть – главный закон музыкального исполнения, жизненная основа музыки.

Очень важен процесс вслушивания в музыку. Он должен быть конкретизирован определёнными задачами: прослушать ритмический рисунок, мелодические ходы, мелизмы, смену штрихов, приёмы звукоизвлечения, тишину, остановки, паузы. И даже паузы необходимо слушать! Это тоже музыка, а слушание музыки не прекращается ни на одну минуту. Очень полезно играть с закрытыми глазами. Это помогает сосредоточить слух. Анализ качества игры будет более острым. Все имеющиеся «погрешности» будут услышаны лучше, так как при такой тренировке обостряется слуховое восприятие. Наблюдая за игрой ученика, мы часто слышим такие недостатки, как недослушивание длинных звуков, неумение выделить главный голос и смягчить другие, неумение выбрать правильный темп, сделать фразировку, провести эмоционально правильно динамическую линию. Особенно часто это наблюдается при игре кантилены.

УРОВЕНЬ ЭМОЦИОНАЛЬНОЙ ОТЗЫВЧИВОСТИ УЧЕНИКА

Я стараюсь направить мысли учащегося в верное русло рассуждений, помочь разобраться в содержании произведения, практически всегда могу определить уровень эмоциональной отзывчивости своего ученика. Если она не достаточна для воплощения художественного образа, то ищу пути для пробуждения её у него.

Бывает такое, что ученик эмоциональный, но он не понимает, не чувствует именно эту музыку. Как порой трудно в музыке отобразить спокойствие во всей глубине, так трудно отобразить радость. Чаще всего удаётся «напор» и его обратная сторона – вялость и равнодушие. Часто бывает, что у ученика полное отсутствие какого-либо подобия настроения. Всё «настроение» преподаватель «приклеивает» тщательной работой, а во время публичных выступлений они быстро «отлетают» , обнажая сущность ученика.

Как же помочь ученику в преодолении малой эмоциональности? Объясняя ученику, что надо делать, сразу же показываю, как это делается и вновь, и вновь возвращаюсь к действию, определённому движению.

Часто бывает, когда показом движения и, конечно, собственным проигрыванием, можно «разбудить» ученика. От преподавателя требуется максимум выдержки и терпения, чтобы добиться от ученика осмысленного действия. Ведь учащийся не должен превращаться в «марионетку». Каждое его движение должно быть наполнено чувством, а также осознанием того, что этого хочет он сам.

МУЗЫКАЛЬНО-ОБРАЗНОЕ МЫШЛЕНИЕ

За счёт хорошего знания текста можно полностью отдаваться во власть музыкально – образного мышления, выражению своего воображения, темперамента, характера, иными словами - всей личной целостности. Художественный образ имеет выход не в структуру нотного текста, а в личностную сферу исполнителя, когда сам человек становится как бы продолжением музыкального произведения. Когда речь идёт о высоких мотивах обращения к музыке, то налицо эмоционально-эстетическая деятельность исполнителя. Это и есть музыкально-образное мышление.

Образное мышление ученика – это новообразование его сознания, которое предполагает принципиально новое отношение к музыкальной игре.

Музыкальный образ исполнителя- художника – это та обобщённая «картина» его воображения, которая «руководит» непосредственным исполнением через свои универсальные составляющие. Как в сочинении, так и в исполнении, решающее звено – интуиция. Разумеется, крайне существенны техника и рассудок. Чем более тонкие душевные переживания должен выявить исполнитель, тем более отзывчив и разработан должен быть его технический аппарат. Но пальцы будут молчать, если душа безмолвна. Рассудок необходим, чтобы досконально выявить каждую грань произведения. Однако в конечном итоге главная роль принадлежит интуиции, определяющее условие в творчестве – музыкальное чувство, музыкальное чутьё.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Итак, увидев музыкальное здание произведения в целом, определив его составляющие, наметив развитие, кульминацию, финал, разложив каждое составляющее на фразы, мы понимаем, что самое большое, красивое, величественное здание состоит из маленьких кирпичиков (буквально – тактов). И каждый из этих кирпичиков прекрасен как сам по себе, так и в едином целом. Исполнитель различает отдельные мотивы-характеры, их взаимное развитие, контрастность и схожесть образов. Отметим, что работа над художественным содержанием обязательно происходит через осмысление структуры, логики тонального плана, гармонии, голосоведения, фактуры изучаемого произведения, т.е. всего комплекса художественно-выразительных и технических средств, используемых композитором. При этом развитие образа включает в себя не только анализ его структуры, но и выявление роли каждого элемента музыкального построения в раскрытии идей, эмоций, заложенных в данном произведении в соответствии с замыслом композитора. Принимая это во внимание, мы сознаём, что развивая художественно-образное мышление, никоим образом не следует выпускать из вида его интеллектуальную составляющую.

Таким образом, тщательно изучив произведение с точки зрения музыкальной формы, мы снова, кирпичик к кирпичику, собираем его воедино, полностью осмыслив предназначение каждого кирпичика-такта, каждой ноты-буквы в слове, их роль в общем построении музыкального изложения. При этом практически не стоит проблема заучивания наизусть. Ученик обыгрывает каждый такт, интервал, даже одну ноту (особенно в пьесе кантиленного характера), не заучивая текст, а «вживаясь» в него, развивая и совершенствуя свой музыкально-художественный образ.

В данном докладе я не рассматриваю технологическую сторону работы над текстом музыкального произведения. Мы говорим об эмоционально-художественном осмыслении музыкального материала, что включает в себя:

1. общее впечатление от первого проигрывания произведения,

2. разделение его на части, представляющие собой осмысленный, логически завершённый элемент изучаемого сочинения,

3. осмысленное сочетание частей, эпизодов через установление сходства и различия в эмоционально-техническом плане между ними, сопоставление тонального и гармонического языка, аккомпанемента, особенностей голосоведения, фактуры и т.д., и как следствие – сочетание различных художественных образов, развитие ассоциативных связей.

Безусловно, такая работа требует больших временных затрат. Многие педагоги в погоне за учебным планом не позволяют себе и ученику углубляться в художественную составляющую музыкального произведения, строят свою работу на строгом исполнении музыкального текста, многократных, однообразных его повторениях. В результате такой работы музыкальный материал постепенно заучивается наизусть, «входит в пальцы». И действительно, вся нагрузка при таких занятиях ложится на двигательно-моторную память (память пальцев). Запоминание носит механический, неосознанный характер. Исполнение выученного таким образом произведения наизусть лишено осмысленности, ученики играют «одни ноты», не понимая смысла музыки. Возможно, юный музыкант исполняет произведение достаточно чисто, но есть ли смысл в такой работе?

Основная задача в работе над образным строем музыкальных произведений – создать условия для художественного исполнения учеником выученных им пьес, дать возможность ребёнку почувствовать себя музыкантом - художником. В идеале вдохновение должно проявляться всякий раз, когда ребёнок обращается к музыке. Удачное, яркое, эмоционально наполненное и в то же время глубоко продуманное исполнение, завершающее работу над произведением, всегда будет иметь важное значение для учащегося, а иногда может оказаться и крупным достижением, своего рода творческой вехой на определённой ступени его обучения.

Таким образом, работа над художественным образом музыкального произведения должна носить многогранный характер. Ученик и педагог полны энтузиазма и любви к своему делу. Это, в свою очередь, дополняется индивидуальностью ученика и огромным обаянием личности педагога. В этом вечном союзе рождается великое множество форм и методов работы над художественными образами музыкальных произведений.

Приложение № 5

Приложение 1.

Вот тематическая детская песенка «Весёлые гуси».

Проигрываю эту песенку учащемуся и спрашиваю, какая она по характеру, что она представляет, какую картинку можно нарисовать. Поскольку пьеса весёлая, шуточная, светлая (мажорная) , то и исполнить её нужно так, чтобы слушатель почувствовал настроение этой песенки. Бас и аккорд в левой руке играются коротко, легко. Первые две фразы (мелодия связная) – это рассказ о жизни и проделках гусей, а следующие две - это неуклюжие гуси, изображённые в песенке восьмыми нотами, залигованными по две, первая из которых является опорной.

Приложение №2

Другая детская песенка - М. Качурбина «Мишка с куклой пляшут полечку»

Слова этой песенки сразу раскрывают весь характер: весёлый, танцевальный, исполняем легко и непринуждённо.

Приложение № 3

Ещё одна детская песенка - Г. Крылова «Заболел наш петушок»

Грустная песенка, жалобная, написана в миноре. Звуки рассказывают нам о больном петушке, потерявшем голос…

Приложение №4

Первое предложение – это марш детей, чёткий ритм аккомпанемента и отдельные звуки в мелодии передают топот шагающего в ногу строя.

Второе предложение – репетиция пальцев на одном звуке (фа) в соответствующем ритме, имитируя игру на барабане.

Третье предложение – маленький трубач созывает ребят вместе делать добрые дела.

Приложение №5

Р. н.п. Обр. А. Сударикова «Как под горкой, под горой»

Александр Фёдорович Судариков - известный московский преподаватель, композитор, в течение 30 лет был музыкальным редактором издательства «Композитор», он является автором и составителем нотной и методической литературы для баяна и аккордеона.

Часто работа над произведением начинается со слов песни. Здесь это: «Как под горкой, под горой торговал старик золой…» А почему золой? Можно сказать, что зола – это хорошее удобрение для картофеля, но более точное объяснение такое: в те времена, когда создавалась эта песня, зола являлась прекрасным моющим и отбеливающим средством, и поэтому старик торговал довольно «ходовым» товаром. Форма пьесы – тема с вариациями, написана в тональности C – dur.

Итак, старик с внуком едут на ярмарку продавать золу. Вступление – это езда на телеге. Связно звучат аккорды в левой руке, изображающие скрип колёс…Тема – спуск с горы к ярмарке, далее - балаган, скоморохи поют и пляшут. Ритмический рисунок мелодии подчёркивает праздничное настроение. Шут играет на гармошке – тремоло мехом. Медведь пляшет – ход баса. Следующая вариация – это всеобщая радость и пляска. Но праздник праздником, а домой надо возвращаться. Темп замедляется, фермата… И далее протяжная мелодия рассказывает о грусти старика, вынужденного покинуть ярмарку, не смотря на всеобщее гуляние. Жаль, конечно, что всё заканчивается…Снова фермата. И последняя вариация в темпе Allegro – « А всё-таки было здорово!»

Как под горкой, под горой…
Как под горкой, под горой
Торговал старик золой!
Картошка моя, вся поджаренная!

Приходила девушка:
«Продай золки, дедушка!» -
«Сколько золки, девушка?» -
«На копейку, дедушка!» -

«На что золки, девушка?» -
«Холста белить, дедушка!» -
«На что белить, девушка?» -
«Продать надо, дедушка!» -

«На что продать, девушка?» -
«Деньги надо, дедушка!» -
«На что деньги, девушка?» -
«Кольцо купить, дедушка!» -

«На что кольцо, девушка?» -
«Ребят дарить, дедушка!» -
«За что дарить, девушка?» -
«Больно любят, дедушка!» -

Перед мальчиками -
Пройду пальчиками!
Перед старыми людьми -
Пройду белыми грудьми!

Раздвинься, народ,
Меня пляска берет!»

Семенченко Елена Александровна
Должность: преподаватель
Учебное заведение: МБУ ДО ДШИ п. Гигант
Населённый пункт: Ростовская область, Сальский район, п.Гигант
Наименование материала: Методическая разработка открытого урока
Тема: "Работа над художественным образом в музыкальных произведениях кантиленного характера"
Дата публикации: 31.05.2017
Раздел: дополнительное образование

муниципальное бюджетное учреждение

дополнительного образования

«Детская школа искусств п. Гигант»

Методическая разработка

открытого урока по предмету фортепиано

по теме: «Работа над художественным образом в музыкальных произведениях

кантиленного характера»

преподаватель: Семенченко Е.А.

учащиеся: 4 класса Сенченко Арина

5 курса Аббосова Динара

(Слайд №1)

«Работа над художественным образом

начинается с первых же шагов изучения

музыки и музыкального инструмента»

Г. Нейгауз

Место проведения: класс фортепиано

Дата проведения: 13.03.2017 год

(Слайд №2)

Тема урока : «Работа над художественным образом в музыкальных произве-

дениях кантиленного характера»

Тип урока : урок совершенствования знаний, приёмов и навыков, обобщения

и систематизации изученного.

Вид урока : смешанный (беседа, показ слайдов и практическая работа).

Цели урока :

Совершенствование приёмов передачи образного содержания в пьесах

«Андантино» А. Хачатуряна и «Баркарола» С. Майкапара.

Раскрыть художественный образ различными музыкальными средства-

Приобщение детей к культурным ценностям через музыкально-педаго-

гический репертуар.

Технические средства обучения: фортепиано, ноутбук, камера.

Задачи:

Методические:

Формировать пианистические навыки и приёмы с помощью передачи об-

разных впечатлений;

Воспитательные:

Воспитание интереса и любви к музыке, потребности в активном общении с

музыкальным искусством;

Развитие эмоционально-чувственной сферы;

Формирование музыкального вкуса;

Воспитание культуры исполнения и культуры сценического поведения.

Обучающие:

Освоение образной структуры музыкального произведения;

Формирование навыков выразительной игры и интонирования, необходимых

для исполнительства;

Развитие умения выполнять анализ музыкального произведения.

Работа над достижением уровня художественной завершенности интерпре-

Предполагаемый результат:

Всестороннее, гармоничное развитие личности учащихся, формирование

культурных и духовно-нравственных ценностей в процессе музыкальной дея-

тельности.

Начало урока.

1.Организационный этап

а) Приветствие;

б) Сообщение цели и хода работы на уроке.

II. Основная часть урока.

а) Введение. Теоретическая часть;

б) Работа над пьесой А. Хачатуряна «Андантино»;

в) Работа над пьесой С. Майкапара «Баркарола».

III. Заключительный этап.

а) Вывод, оценка занятия;

б) Домашнее задание;

в) Конец урока.

Основная часть урока.

Теоретическая часть.

Работа над художественным образом ведется с первых шагов обучения

юного пианиста, являясь ведущим направлением в процессе развития твор-

ческого потенциала ребенка. Первостепенное в работе с учеником – направ-

ленность на размышление о характере исполняемой музыки, поиск образов,

способных передать настроение произведения. И роль преподавателя-пиани-

ста – в создании художественно- образной атмосферы занятия, в приглаше-

нии ученика к творческому диалогу, в создании атмосферы понимания языка

музыки и воспитании любви к ней.

Работа над художественным образом должна начинаться сразу же, с пер-

вых уроков изучения музыки и музыкального инструмента. Если ученик мо-

жет воспроизвести какую-нибудь простейшую мелодию, надо добиваться,

чтобы её исполнение было выразительно, образно, чтобы характер игры точ-

но соответствовал настроению данной мелодии. И здесь очень важно стре-

миться, чтобы ребенок сыграл печальную мелодию грустно, весёлую – ра-

достно, торжественную – важно, бравурно и т.д. Для этого мы должны раз-

вить у ребёнка интерес к музыке, соединить инструмент с его жизнью и игра-

ми. Я считаю, что очень важно, начиная занятия с маленькими детьми, поста-

раться не отпугнуть ученика чем-то слишком сложным, скучным.

Давайте подумаем, что же способствует развитию художественного, об-

разного мышления ребенка? На мой взгляд, это и музыкальный материал –

яркий, живой и разнообразный, близкий детям по музыкальным образам и на-

строениям; и какая-нибудь живописная иллюстрация или рисунок, соответ-

ствующий характеру изучаемой пьесы; и тексты песенок-подтекстовок, же-

лательно сочинённые самими детьми; и самостоятельно выполненные пре-

зентации, сегодняшние дети хорошо умеют и любят их делать. Всё это помо-

гает созданию собственного музыкального образа и, уже позднее, по мере ра-

боты над произведением, нахождению нужного движения пианистического

аппарата, нужной звуковой палитры. Увлекаясь этой творческой работой, пе-

дагог «заражает» ученика своей увлеченностью, заинтересованностью, «по-

летом фантазии», пробуждая в нём ответные струны. Так создаются условия

для развития ярких музыкальных впечатлений, для успешной работы над ху-

дожественным образом произведений.

Преподаватели-пианисты обычно делят работу над сочинением на

несколько стадий, каждая из которых имеет свою главную задачу. При этом

неизбежно что-то остаётся на втором плане. Размышление над раскрытием

художественного содержания произведения должно присутствовать во всех

стадиях – от первого знакомства с сочинением до завершения работы над ним

и являться основной целью исполнителя.

На данном уроке будет показана работа над художественным образом в

программных фортепианных произведениях кантиленного характера. Рамки

урока позволяют весь материал продемонстрировать кратко, обобщенно, но

систематизировано.

Учитель: Девочки, сегодня на уроке мы с вами поговорим о художе-

ственном образе произведения. Что же это за понятие «художественный об-

Ученицы: Это композиторский замысел. Это то, что показано в музыке…

Учитель: А как раскрывается художественный образ в музыке?

Ученицы: При помощи средств музыкальной выразительности.

Учитель: Какие вы знаете средства выразительности?

Ученицы: Динамические оттенки, темп, штрихи.

Учитель: Правильно, работа над созданием художественного образа –

сложный процесс. Рождение художественного образа произведения – это рас-

крытие его характерных особенностей, его «лица». А раскрывается образ, как

мы уже сказали, с помощью выразительных средств.

Хорошо, сегодня на уроке мы на примере ваших произведений просле-

дим становление, выражение музыкального образа.

Практическая часть.

(В процессе работы над пьесой используем показ слайдов)

Учитель: Начнем мы с пьесы Арама Хачатуряна «Андантино».

глашаю к инструменту ученицу 4 класса Сенченко Арину.

(Слайд №3)

Перед работой над пьесой я расскажу немного об этом замечательном

композиторе. Арам Хачатурян

армянский и советский композитор, педагог

Народный артист СССР, Герой Социалистического Труда.

Трудно назвать человека, который обладал бы таким непререкаемым

(Слайд №4,№5)

Его искусство в одинаковой степени принадлежит Армении и России. Он

завоевал сердца людей не только творчеством, но и огромными своими чело-

веческими качествами - обаянием, добротой, отзывчивостью.

(Слайд №6)

А.Хачатуряном написано огромное количество произведений для орке-

стра, концертов, музыки к театральным постановкам, сочинений для форте-

пиано. А также им написано 3 великолепных балета: «Счастье», «Гаянэ» и

«Спартак».

С молодых лет композитор в звучавших вокруг него звуках выделял

основы народной музыки. Впоследствии любовь к фольклору прослежива-

лась во всем его творчестве. Достаточно послушать его какую-либо фортепи-

анную пьесу, скрипичные произведения, музыку к балетам «Гаянэ» и знаме-

нитому «Спартаку» - везде можно уловить празднично - танцевальные и ли-

рические настроения и образы, характерные для того или иного народа, на

основе фольклора которого и было создано произведение.

(Слайд №7)

Вот и наша пьеса «Андантино» содержит в себе настроения, интонации

армянского фольклора.

Учитель: С первых шагов работы над произведением и в дальнейшем я

стараюсь развивать и совершенствовать не только технические навыки вла-

дения инструментом своих учеников. Очень важно глубоко «погружать» уче-

ника в исполняемую музыку, «заряжать» ею. Произведение должно затраги-

вать его душу, будить воображение. Уже с исполнения первых мелодий в на-

чале обучения я стараюсь добиваться от ребёнка, чтобы он их играл вырази-

тельно, с пониманием характера музыки.

Работу над художественным образом мы начинаем со знакомства с

пьесой. Я стараюсь выбирать произведения с интересным, образным содер-

жанием, в которых эмоциональное, поэтическое начало выступает наиболее

ярко. Если музыка захватила ученика, его внутреннее эмоциональное состоя-

ние будет положительно влиять на его старание, способствовать более целе-

направленной, настойчивой работе над звуком, темпом, динамикой, игровыми

приёмами исполнения этого произведения, чтобы в результате оно прозвуча-

ло ярко, осмысленно, выразительно. Мы уже послушали небольшой рассказ

ем, я обязательно сама исполняю её и даю послушать наиболее понравившее-

ся мне исполнение, мы говорим о характере пьесы, её содержании.

Арина, я прошу тебя сейчас исполнить пьесу целиком, а после мы пого-

ворим о её содержании.

(Слайд №8)

(Ученица играет)

Учитель: Хорошо, ну давай поговорим о пьесе. «Андантино» – произ-

ведение со скрытой программой, в названии дано только определение темпа.

Воображению учащегося предоставлен простор в определении содержания

пьесы. Можно предположить, что это музыкальная поэтическая зарисовка.

Какую картинку мы с тобой придумали?

(Слайд №9)

Ученица: Мы представили красивый горный пейзаж, осень, на берегу

реки стоит молодая девушка. Звучит печальная песня, напоминающая интона-

ции армянской музыки, как воспоминание о весне, о прошедшем счастье.

Учитель: А как выглядит девушка на твой взгляд? Какая у нее внеш-

Ученица: Девушка молодая, красивая, у нее длинные, распущенные по

Учитель: Так, хорошо. Какая мелодия по характеру?

Ученица: Мелодия грустная, неторопливая.

Учитель: В какой тональности?

Ученица: В до миноре.

Учитель: Правильно. А сколько частей в пьесе?

Ученица: Пьеса написана в двухчастной форме.

Учитель: Верно. Давай еще раз обратимся к началу пьесы. В какой руке

звучит мелодия?

Ученица: В правой мелодия, а в левой аккомпанемент.

Учитель:

Аккомпанемент изложен повторяющимися терциями. Надо

поработать

над их ровностью и мягкостью. Здесь важно, чтобы ни одна нота

не выталкивалась, пальчики должны быть очень собранными, кисть свобод-

ная, гибкая, подвижная. Рука при снятии работает «от плеча», она не должна

быть застывшей, она как будто «дышит». Давай поработаем отдельно над ле-

вой рукой.

Слышишь, низкая вторая ступень, использование

квинт в аккомпанемен-

те придаёт музыке восточный колорит.

(Ученица играет)

Учитель:

А теперь поработаем над мелодией, поиграем отдель-

но правой рукой. Одна из важнейших задач для нас - научиться «петь» на

фортепиано, «пропевать» пальчиками мелодию выразительно и задушевно,

глубоко передавая смысл произведения. Работа над художественным образом

– это также работа над звукоизвлечением, разнообразными исполнительски-

ми приемами, которые необходимы для передачи характера музыкального

произведения. В пьесе «Андантино» необходимо добиться хорошего легато,

искренности исполнения, глубины звучания красивой мелодии, похожей на

человеческое пение.

Арина, нужно стараться постоянно следить за свободой исполнитель-

аппарата,

научиться

погружать

контролировать звучание слухом. Ощущать весь вес руки в работе каждого

пальца. Давай попробуем сыграть мелодию. Пальцы не должны «склеивать-

ся», надо их хорошо поднимать и переносить вес руки с пальца на палец.

прежде чем сыграть мелодию, давай вспомним общие принципызвукоизвле-

чения на фортепиано:

Общая свобода всего тела,

Ощущение веса свободной руки,

Свобода первого пальца,

Пластичная, активная кисть,

Ощущение цепкости кончиков пальцев.

Вот что по этому поводу говорит Нейгауз: «Наилучшее положение руки

на фортепиано то, которое можно быстрее всего изменить».

Давай попробуем сыграть мелодию.

(Ученица играет)

Учитель:

Нам еще очень важно

определить форму пьесы, поделить её

на мотивы, чтобы правильно фразировать; выяснить особенности изложения

мелодии, сопровождения, а также динамику (начало, подъём, кульминацию,

спад в каждом построении). Составить художественный и динамический

план исполнения. Определив границы фраз, надо проследить развитие мело-

дии, найти интонационные вершины. Сколько тактов включает в себя 1 фра-

Ученица: 4 такта. Сначала идет вступление. Затем начало фразы, звучит

Учитель:

Да, она начинается тихонько, это наша девушка начинает

свою грустную песню, и в этих четырех тактах есть своя маленькая вершина.

Ученица: Нота фа, третий такт. А затем мелодия затихает.

Учитель:

Правильно. И динамика нам в этом помогает. Попробуй сы-

(Ученица играет)

Учитель:

Хорошо, молодец! То же самое надо сделать и во второй фра-

дии, как будто какая-то просьба или несбыточное желание звучит в песне де-

вушки. Интонирование такое же, как и в первых двух фразах. Исполняя пьесу,

ты должна дослушать каждую фразу, нужно не забывать

брать дыхание

перед каждым следующим построением. Начинается третья фраза на пиано,

Ученица: Нота до, это конец первой части. К ней идет нарастание гром-

кости - крещендо и небольшое замедление. Заканчивается 1 часть.

Учитель:

Да, и снова мы слышим низкую вторую ступень, эти восточ-

ные интонации. Для достижения большей яркости исполнения и более точной

фразировки полезно придумать и использовать подтекстовку. Мы сочинили

слова к этой красивой мелодии, которые помогают передать правильное на-

строение, мотивы осенней грусти, прощания с летом.

Учитель: Давай сыграем первую часть целиком и споем её с сочиненны-

ми нами словами.

(Ученица играет и поет):

Снова осень настает,

Птицы улетают вдаль.

Песня грустная плывет,

Унося с собой печаль.

Лето яркое прошло,

Отцвели в саду цветы.

Время осени пришло,

Не грусти только ты.

(Слайд №10)

Учитель: Хорошо, так намного легче передать настроение произведе-

ния. Перейдем ко второй части.Здесь выявляется главная кульминация пье-

сы, определяется единая линия развития музыкального материала с ощуще-

нием не только опорных звуков во фразах, небольших вершин, но и главной

кульминации произведения. Мы должны добиться в исполнении нарастания

эмоционального напряжения именно к центральной кульминационной точке,

что приводит к яркости и цельности звучания пьесы.

В какой октаве теперь

звучит мелодия?

Ученица: Мелодия теперь звучит во второй октаве, девушка поет более

Учитель: Да, а еще в мелодии появляются украшения, это тоже прису-

ще восточной музыке, надо красиво и ритмично «пропеть» эти ноты, так, что-

бы они не нарушали основную мелодию, а сделали её еще красивее и нежнее.

Отдельно надо поработать над глубоким погружением левой руки при

исполнении басовой линии и мягким звучанием подголоска во 2 части, ис-

ном движении. Партия левой руки в пьесе представляет собой достаточную

трудность. Ее необходимо довести до автоматизма, чтобы она не мешала ис-

полнению мелодии. Давай поработаем над левой рукой отдельно, а затем сы-

граем 2 часть целиком.

(Ученица играет)

Учитель: Хорошо. В «Андантино», пьесе кантиленного характера, важ-

на роль педали как красочного средства. Звучанию придаются не только но-

вые краски и новый тембр, но и большая объёмность и полнота. Педаль по-

могает ярче раскрыть выразительные художественные возможности пьесы.

связывает

различные

гармонию,

помогает

объединять различные элементы фактуры. Мы провели детальную работу:

нашли такты, где используется педаль как связующее или красочное сред-

ство, тщательно продумали момент взятия и снятия, прослушали каждый

такт с педалью, чтобы её употребление не нарушало чистоты голосоведения.

Мы провели специальную работу для закрепления навыка, чтобы нога не

стучала по педали, не поднималась над ней, а постоянно её ощущала мягким

касанием. Ариша, давай покажем, как мы это делали.

Учитель: А теперь давай сыграем пьесу от начала и до конца. Постара-

емся слушать себя,

своё исполнение как бы со стороны, постараемся играть

не только правильно, но и выразительно, эмоционально, а если заметим недо-

статки, то запомним их, чтобы потом исправить.

(Ученица играет)

Учитель: Молодец, Арина, ты на самом деле постаралась. Дома необхо-

димо закреплять все, что делается на уроке. А мы перейдем ко второй пьесе,

над которой мы сегодня будем работать, это «Баркарола» С. Майкапара. Я

приглашаю к инструменту ученицу 5 курса Аббосову Динару.

(Слайд №11,12)

П о з н а к о м и м с я

н е м н о г о

к о м п о з и т о р о м.

Самуил Майкапар - видный деятель русской музыкальной культуры, ярко

проявивший себя как великолепный пианист, талантливый педагог, вдумчи-

вый теоретик-мыслитель, и наконец, как композитор - непревзойдённый ма-

стер детской фортепианной миниатюры.

(Слайд №13)

Он был одним из первых композиторов-педагогов, кто посвятил своё

творчество созданию специальной методической музыкальной литературы

для детей. При жизни должного признания у своих современников компози-

тор не получил, и лишь спустя десятилетия его творчество было оценено по

достоинству. Произведения Майкапара не имели шумных премьер и не ис-

полнялись на концертных площадках мирового уровня, зато нет ни одного

юного пианиста, который не начинал бы с них свой путь в большую музыку.

Без пьес Майкапара, таких как «Запинька», «Танец» не обходится ни одна

хрестоматия для начинающих обучение игре на фортепиано. Его популярные

циклы давно и прочно вошли в педагогический репертуар наряду с такими

сборниками, как "Нотная тетрадь Анны-Магдалины Бах" И.С.Баха, "Детский

альбом" П.Чайковского, "Альбом для юношества" Р.Шумана.

(Слайд №14,15)

Пожалуй, самый популярный детский фортепианный цикл "Бирюльки"

ярче всего воплотил наиболее характерные черты авторского стиля. Пьесы из

этого цикла мы часто играем в младших классах музыкальной школы. Но

сегодня мы будем работать над более сложной пьесой, которая называется

«Баркарола». Сначала Динара её исполнит, а затем мы покажем, как мы над

ней работаем. Пожалуйста, Динара.

(Слайд №16)

(Ученица играет)

Учитель:

Хорошо. А теперь давай поговорим о самой пьесе. Если

условно разделить эту работу на три этапа, то можно отметить, что:

Первый этап - это создание общего представления о пьесе, об её основ-

ных художественных образах;

Второй этап – постепенное углубление в сущность изучаемого произ-

ведения. Здесь происходит отбор и овладение средствами художественной

выразительности, которые нам помогут реализовать исполнительский замы-

Третий этап - подведение итога всей предшествующей работе.

Мы с учениками стараемся не приходить на урок без своего отношения

к произведению. Рассуждать так: сначала я выучу ноты, а потом ко мне

придёт вдохновение или кто-то покажет, как надо играть ошибочно. Легче

переключиться с неверного образа на верный, чем перейти от нуля к чему-то.

Никогда нельзя позволить себе быть «пустым» в отношении тех произведе-

ний, которые играем.

Название пьесы «Баркарола» говорит само за себя, вводит нас в мир ис-

полняемого произведения. «Барка» в переводе с итальянского означает «лод-

ка», «баркарола» - «песнь на воде».

Какие же характерные исполнительские

приёмы использует композитор, чтобы раскрыть художественное содержание

Ученица: Размер – шесть восьмых, умеренный темп, ритм «качания лод-

ки» в левой руке.

Учитель: Правильно. В какой форме написана пьеса?

Ученица:

Трёхчастная, тональность ля бемоль мажор.

Учитель: Так.Наша цель – «включить» образно- ассоциативное мыш-

ление и, тем самым, вызвать эмоциональный отклик. Мы фантазируем, ри-

суем, смотрим слайды с картинами по тематике нашей пьесы, придумываем

«сюжеты», читаем стихи, слушаем музыку великих композиторов в исполне-

нии мастеров. Прочти, пожалуйста, стихотворение М. Лермонтова «Баркаро-

(Слайд №17)

Ученица:

Поверхностью морей отражена,

Богатая Венеция почила,

Сырой туман дымился, и луна

Высокие твердыни серебрила.

Чуть виден бег далёкого ветрила,

Студёная вечерняя волна

Едва шумит под вёслами гондолы

И повторяет звуки баркаролы.

М.Ю. Лермонтов.

Учитель: Это небольшое стихотворение

М.Ю. Лермонтова создает

нужное нам настроение и очень подходит к тем слайдам, которые мы подо-

брали к нашему уроку. Какую картину

мы себе представили, когда работали

над пьесой?

Ученица: Мы представили себе картину природы, где в первой части

произведения спокойное качание на волнах, а в средней части буря, а затем воз-

вращение к спокойному характеру первой части.

(Слайд №18)

Учитель:

Хорошо. Значит, в первой части у нас спокойное катание на

лодке. Так и хочется оказаться в красивом итальянском городе Венеция, где

вместо машин по улицам плывут лодки, так как Венеция – это город на воде.

Давай поработаем на 1 частью. Это пьеса, в ней есть мелодия и аккомпане-

мент. В какой руке у нас мелодия?

Ученица: В правой.

Учитель:

Нам нужно добиться певучего звука, а для этого нужно ис-

пользовать важные приемы звукоизвлечения. Давай с тобой вспомним их:

Держать пальцы ближе к клавишам;

Играть подушечкой, мясистой частью пальца;

Стремиться к полному контакту, «срастанию» с клавиатурой;

Ощущать клавишу «до дна», но не давить на нее, особенно после взя-

Кисть должна быть гибкой, упругой, наподобие «рессоры»;

После извлечения звука рука приходит в

состояние «повисания» и

«эластичной опорности» в кончиках пальцев.

Попробуй, учитывая это, сыграть мелодию в медленном темпе.

(Ученица играет)

Учитель:

Особенно важна точная аппликатура и шрихи. Как говорил

выдающийся пианист и педагог К.Н.Игумнов: « В разбор текста надо вло-

жить всё своё внимание, весь опыт своей жизни».

Работа над певучим звуком считается самой кропотливой и тяжёлой! Для

извлечения красивого и объёмного звука нужно использовать естественный

вес руки, иногда вес тела, а при необходимости добавлять мягкий нажим ки-

стью! Играя кантилену, нужно мягко, но с нажимом переносить вес руки с од-

ного пальца на другой, следя, чтобы каждый последующий звук возникал

«без атаки», то есть не толкать его. И еще. Чтобы добиться ритмичной игры,

Сыграй 1 фразу, учитывая все то, что я сейчас сказала.

(Ученица играет)

Учитель:

Хорошо, ты постаралась. Играя всю 1 часть целиком, мы не

должны зацикливаться на мелочах, а должны слышать горизонтальное дви-

жение мелодии. Выразительность, эмоциональная яркость во многом зависит

от исполнения мелодической линии, так как мелодия является главным носи-

телем смысла в музыкальном произведении.

Звуки мелодии, как и слова речи,

имеют различное значение. Есть звуки более значительные, к которым «те-

кут» все остальные звуки. Фраза – это ряд звуков, исполняемых на одном ды-

хании. В каждой фразе есть своя маленькая кульминация, а в части уже глав-

ная кульминация. Мы должны слышать нарастание напряжения, стремления

к вершине, динамика нам в этом помогает. Давай сыграем всю часть, приве-

дем мелодию к кульминации и затихнем в конце фразы.

(Ученица играет)

Учитель:

А теперь поработаем над левой рукой. Здесь важна мягкая

опора на бас, гибкий, подвижный 1 палец, свободная кисть, нам нужно пока-

зать мерный ритм качания в лодке. Сыграй.

(Ученица играет)

(Слайд №19)

Учитель:

Перейдем

Какими же средствами пользуется

композитор в средней части?

Ученица: Это изменение фактуры в левой и правой руках. В правой

руке появляются двойные ноты, а в левой бас – разложенный аккорд

Учитель: Верно. А еще?

Ученица: Ускоряется темп и динамика – форте!

Учитель:

Правильно. Давай проанализируем технические трудности.

Это прежде всего украшения и двойные ноты. Как же над этим работать?

При работе над двойными нотами необходимо приучать ученика с само-

Чтобы сделать это восприятие более отчетливым и воспитать наибольшую

самостоятельность пальцев, полезно поиграть одновременно оба голоса раз-

лично по степени силы и характеру туше: верхний голос громче, нижний

тише, верхний – legato, нижний – staccato и наоборот. Кроме того, двойные

ноты учат теми же способами, что и обычные пассажи. Можно сначала по-

учить двойные ноты двумя руками: ноты правой руки разложить для двух

Необходим слуховой контроль за одновременным взятием звуков. Дина-

ра, давай покажем, как мы над этим работаем.

(Ученица играет)

(Слайд №20)

Учитель:

Где находится кульминация всего произведения? И какие

средства композитор использует для нарастания напряжения, кроме динами-

ки и ускоренного темпа?

Ученица: Во второй части. Это модуляции, которые всегда способству-

ют нарастанию напряжения.

Учитель:

Правильно, вторая часть у нас очень взволнованная, бурная,

эмоциональная, с каждой новой фразой мы поднимаемся все выше по клавиа-

туре, основной мотив звучит все более настойчиво и приводит к главной

кульминации пьесы на форте. Её надо сыграть очень выразительно, вложить

в ноты все то, что наполняет наше сердце. А после начинается спад, буря по-

степенно утихает, слышатся негромкие всплески волн, похожие на человече-

ские вздохи. Сыграй, пожалуйста, всю 2 часть.

(Ученица играет)

(Слайд №21,22)

Учитель:

Молодец, все у тебя получилось. Третья часть нас возвращает

в прежнее спокойное настроение с небольшим всплеском и постепенным за-

миранием. Еще одну техническую трудность предоставила нам трель в конце

произведения.

несколько минут только одну трель, добиваясь ровного, чёткого исполнения!

Эта трель мелодическая и несёт художественную функцию – передаёт образ

растворения, затихания, замирания природы!

Еще в работе над художественным образом произведения очень важна

педаль. Необходимо следить за тем, чтобы её не было чрезмерно много, но и

чтобы она не была слишком «сухой». Здесь мы стараемся следовать точно

указаниям редактора, но иногда используем запаздывающую педаль. Вообще

педализация помогает в исполнении преодолеть ударность нашего инстру-

мента, а также связывает те моменты, которые нельзя связать руками.

III.Заключительный этап

Оценка работы на уроке:

Учитель: Девочки молодцы, замечательно потрудились и заслужива-

ют самых высоких оценок. Все задание получили, им еще работать над пьеса-

ми для исполнения на сцене и на экзамене. Будем стараться.

Вся работа музыкантов над произведением направлена на то, чтобы

оно звучало в концертном исполнении. Удачное, яркое, наполненное эмоция-

ми, продуманное выступление завершает работу над произведением.

Как подготовиться к концертному выступлению? Чтобы преодолеть

волнение необходимо как можно чаще выступать на сцене! Это может быть

концерты в детских садах, общеобразовательных школах, на концертах для

отдельно, тогда голова точно будет помнить, что именно она должна играть.

Перед концертом недели за две желательно по несколько раз в день проигры-

вать произведение или всю программу целиком в концертном исполнении.

Задачи заключительного этапа состоят в том, чтобы добиться:

1) умения играть произведение совершенно уверенно, убедительно,

эмоционально, выразительно;

2) умения играть произведение в любой обстановке, на любом инстру-

менте, перед любым слушателем.

Вывод: Педагог не должен удовлетворяться тем, что ученик играет если и

недостаточно выразительно, то грамотно. Грамотность – условие обязатель-

ное, выразительность – требование добавочное, желательное – такой подход

ошибочный. Первое наиболее важное условие при исполнении – это понима-

ние и сопереживание художественного смысла музыки, без этого она мертва

и музыкальная грамотность ни к чему. Поэтому начинать работу над кантиле-

ной следует с выработки ощущения музыкальной речи, с интонации, а не с

арифметики.

Будить фантазию ученика, развивать его воображение помогают и об-

разные ассоциации, художественные параллели. Музыка, конечно, не нужда-

ется в словесном переводе, она связана с художественным образом и вызыва-

ет яркие ассоциации. Однако слово активизирует образное мышление, вооб-

ражение и эмоции. Оно заставляет ученика глубже продумывать самое произ-

ведение, свое исполнение, цель и методы работы.

Таковы основные аспекты работы над художественным образом в му-

зыкальных произведениях кантиленного характера.

Методический доклад.

Тема: «Создание и развитие художественного образа в процессе работы над музыкальным произведение».

Подготовил: Преподаватель народного

отделения по классу аккордеона

Клочкова Т.В.

«Создание и развитие художественного образа в процессе работы над музыкальным произведением»

В настоящее время музыкальное образование является неотъемлемой частью формирования духовной культуры личности на основе развития его музыкальной грамотности и способности к овладению общечеловеческими культурными ценностями. Цель именно музыкального воспитания школьников сегодня – ввести учащихся в мир большого музыкального искусства, научить их любить музыку во всём богатстве её форм и жанров, иначе говоря, воспитать в учащихся музыкальную культуру как часть всей их духовной культуры.

В связи с этим возникает, пожалуй, самый важный вопрос – чему мы, педагоги-музыканты, учим своих воспитанников? Каков предполагаемый результат обучения ребёнка в музыкальной школе? Актуальность данного вопроса, по нашему мнению, заключается в том, что проблема комплексного развития интеллектуальных способностей детей в последнее время приобретает всё большую значимость на всех этапах образования. При этом не стоит упускать из вида, что главная, на наш взгляд, задача педагога «рядовой» детской музыкальной школы – воспитать грамотного слушателя, ценителя музыки в частности и искусства в целом, творчески образованного, интеллектуально развитого человека. Далеко не все выпускники ДМШ продолжат своё обучение в средних и высших музыкальных учебных заведениях, изберут музыку своей профессией, станут хорошими исполнителями. В то же время – если не будет музыкально-развитой слушательской аудитории, зачем вообще нужна музыка? Не значит ли это, что подготовка грамотного слушателя важнее подготовки исполнителя? К тому же специалисты с развитым художественным, креативным мышлением сегодня остро востребованы как в культуре, образовании, так и в других сферах жизнедеятельности. Широко известен и не подлежит сомнению тезис о том, что общее образование не есть «изучение предметов», а есть развитие личности предметами; на первом месте стоит личность, субъект, его интересы, а предметы – на втором. Предметы – только средства, цель – личность, именно, её развитие.

Итак – чему учить? Попытаемся найти ответ на поставленный вопрос с точки зрения преподавателя духовых инструментов.

Исходя только лишь из методики преподавания, можно сказать, что педагог детской музыкальной школы на уроке специальности учит своих воспитанников в основном двум вещам:

1. внимательному и грамотному чтению нотного текста;

2. технике, то есть приёмам и средствам, позволяющим воплотить на инструменте, в конкретном звучании, то, что «вычитал» в нотах.

Текст и техника. И то и другое бесспорно важно и необходимо в творческой деятельности юного исполнителя на народных инструментах, но нельзя этим ограничиваться. Взяв за основу интонационную теорию Б.В.Асафьева, мы можем сказать, что общение с искусством вообще и с музыкой в частности есть человеческая форма коммуникации: человек – художественный образ. Музыкально-художественные образы учащегося, это живые, одухотворённые, активно и динамично развивающиеся «явления», с которыми он вступает в невербальный контакт, испытывая чувство духовного удовлетворения в процессе этого общения. Поэтому важнейшим моментом развития когнитивных способностей можно считать воспитание в ученике исполнительской самостоятельности – умения по-своему интерпретировать произведение, создавать и развивать свои музыкально-художественные образы, самостоятельно находить технические приёмы для воплощения своего замысла.

Неоспоримо понятие, что музыка – это особый язык общения, музыкальный язык, подобно языку немецкому, английскому и т.п. Увлечённый своим делом, грамотный педагог старается донести эту точку зрения до своих учеников, сформировать ассоциативную связь между музыкальными и художественными произведениями, сравнивая пьесы со стихами, сказками, рассказами и повестями. Конечно же, не следует понимать язык музыки в прямом смысле как язык литературный. Выразительные средства и образы в музыке не столь наглядны, конкретны, как образы литературы, театра, живописи. Музыка оперирует средствами чисто эмоционального воздействия, обращается преимущественно к чувствам и настроениям людей. «Если бы всё, что происходит в душе человека, можно было бы передать словами, - писал А.Н.Серов, - музыки не было бы на свете»

Не следует ставить знак равенства между языком музыки и привычным литературным языком и потому, что один и тот же нотный текст разные музыканты-исполнители воспринимают и исполняют по-разному, привнося в музыкальный текст свои художественные образы, чувства, мысли. И если юный музыкант может различить отдельные «слова» в музыке, составлять их в предложения, фразы – музыкальное произведение обретёт объёмное звучание, наполнится смыслом, переживаниями, а не просто – «громко – тихо», «быстрее – медленнее».

Инструментальная музыка не способна столь же конкретно выражать точные понятия, как разговорный язык, но порой она достигает такой захватывающей эмоционально-образной мощи, которой трудно или невозможно достичь с помощью разговорного языка. «Вы говорите, что тут нужны слова. О нет! Тут именно слов и не нужно, и там, где они бессильны, является во всеоружии своём «язык музыки» - говорил великий П.И.Чайковский.

Разбудить свою фантазию, активизировать творческое воображение и не стесняться ярко, эмоционально донести родившиеся образы и переживания до слушателя – сложная задача для начинающего исполнителя-школьника. Известно, что детский, подростковый возрасты сопровождаются психологическими кризисами. В эти периоды дети особо ранимы, остро переживают малейшие жизненные неудачи, возможные промахи, без которых не обходится становление личности, невозможно накопление жизненного опыта. И здесь педагог, как старший товарищ, добрый и мудрый, должен помочь своему ученику вместе с ним окунуться в волшебный, сказочный мир музыки, всячески показывать ему, что в этом мире мы равны и можем свободно общаться на языке звуков. Уверен: от педагога, от уровня его знаний, компетентности, эрудиции, нравственных качеств зависит – интересен ли его предмет ребёнку, или его просто терпят. К сожалению, зачастую мы можем наблюдать такую ситуацию: в первый класс музыкальной школы ребёнок приходит с трепетом в душе, радостью в глазах, ожиданием сказки при общении с музыкой, а через 2-3 года ходит в «музыкалку из под палки », доучиваясь только потому, что заставляют родители.

Что же необходимо для того, чтобы музыкальное исполнение ученика стало живым, интересным, чтобы постижение музыкального произведения доставляло ему радость творчества, радость раскрытия тайны звуков и нотных знаков? Что в них хотел вложить композитор, какие события, впечатления способствовали созданию той или иной пьесы? Иначе говоря – как разбудить в ученике фантазию, сформировать способность к созданию художественного образа музыкального произведения?

Следует отметить, что большинство сведений о музыкальном произведении, сообщаемых школьникам преподавателем, имеет форму словесных описаний, картин, неких ассоциаций. На их основе учащиеся воссоздают себе содержательный образ разбираемого музыкального сочинения (облик героя музыкального произведения, события прошлого, невиданные ландшафты, сказочные картины, природу и т.д.). И здесь очень важно – сумеет ли педагог разбудить и развить своим выразительным и эмоциональным рассказом интерес к музыке. Именно на данном этапе определяется дальнейший путь развития начинающего исполнителя: пойдёт ли он по пути творческого мышления или же строгого исполнения нотного текста. При этом только следует обратить внимание вот на что: нередко, желая как можно более полно объяснить ученику смысл музыки, даже опытные педагоги-музыканты идут по пути излишней конкретизации образа, вольно или невольно подменяя музыку рассказом о ней. При этом на первый план выходит не настроение музыки, не то психологическое состояние, что в ней содержится, а всевозможные детали, вероятно интересные, но от музыки уводящие.

Воссоздающее (репродуктивное) воображение, «отвечающее» за создание и развитие художественных образов, развивается у школьников в процессе обучения игре на музыкальных инструментах путем формирования умения определять и изображать подразумеваемые состояния музыкальных образов, умения понимать их некую условность, иногда – недосказанность, способности привнести свои эмоции в переживания, данные нам композитором.

Говоря о создании художественного образа исполняемой музыки, стоит отметить, что работу над этим необходимо начинать как можно раньше. Например: у исполнителей-духовиков есть такое понятие – «играть длинные ноты», контролируя при этом состояние губных мышц (амбушюра), работу диафрагмы и т.д. Занятие, безусловно, необходимое для поддержания и развития исполнительского мастерства, но довольно скучное для ребёнка, который ещё не так давно слушал мамины сказки и до сих пор верит в Деда Мороза. На данном этапе занятия считаем полезным давать учащемуся такие задания: «сегодня у тебя хорошее настроение и мы исполняем весёлые, жизнерадостные ноты», или «сегодня ты выглядишь уставшим, давай сыграем спокойные звуки, как колыбельная для твоей любимой кошки». Дети поразительным образом преображаются, принимают образы, предложенные учителем, и предлагают свои: «вчера мы ходили в поход, я вам сыграю походные ноты». Таким образом, скучное исполнение длинных нот (само название «дли-и-и-и-нные ноты» на ребёнка наводит тоску) превращается в увлекательное путешествие в мир музыкальных образов. Ребята стараются каждый свой звук наполнить каким-то смысловым, художественно-образным содержанием.

Поскольку мы говорим о создании и развитии художественного образа, необходимо определить, что подразумевается под понятием «содержание музыкального произведения». Общепринятым понятием является то, что содержание в музыке составляет художественное отражение музыкальными средствами человеческих чувств, переживаний, идей, отношений человека к окружающей его действительности. Любое музыкальное произведение вызывает некие эмоции, мысли, те или иные настроения, переживания, представления. Это и является художественной составляющей музыкального сочинения. Но, безусловно, при его исполнении нельзя упускать из вида и техническую сторону музицирования, поскольку небрежное исполнение музыкального произведения не способствует созданию желаемого образа у слушателя. А значит, перед педагогом и учащимся встаёт довольно сложная задача – соединить эти два направления при работе над музыкальным произведением, синтезировать их в единый системный, целостный подход, метод, где раскрытие художественного содержания неразрывно связано с успешным преодолением возможных технических сложностей.

Безусловно, самое интересное для учеников занятие на уроках специальности – это работа над художественным музыкальным произведением.

Приступая к работе над пьесой, анализируя с учеником содержание произведения, многие педагоги часто допускают ошибки двух противоположных направлений. Для первого – характерно то, что преподаватель стремится научить детей до подробностей «видеть» разбираемое произведение, старается пересказать его содержание словами, создать «литературный сюжет». В итоге – ученик активно фантазирует, рисует красочные картины, мало обращая внимание на техническую сторону исполнения, в результате чего не может донести свои образы до слушателя из-за технического несовершенства исполнения. Ко второму направлению примыкают педагоги, которые, руководствуясь тем, что музыка – искусство звуков и действует прямо на наши чувства, вообще пренебрегают образными представлениями, считают ненужными беседы о музыке и ограничиваются «чистозвуковым», технически совершенным и не нуждающимся ни в каких ассоциациях исполнением. Какое из этих направлений наиболее приемлемо в музыкальном развитии учащегося? Вероятно – истина как всегда где-то посередине, и от того, найдёт ли исполнитель «точку золотого сечения» зависит – будет ли он иметь успех у слушателей.

Уже на этапе знакомства с произведением педагог намечает первые штрихи к возможному художественному образу. Рассказывая ученику о композиторе, его творчестве, времени создания той или иной пьесы, он должен обладать не только глубокими музыкально-теоретическими знаниями, но и очень высокой техникой педагогической работы: уметь правильно подходить к каждому ученику, учитывая его индивидуальные способности, чтобы оказать необходимую помощь в работе над музыкальным содержанием и возможными техническими трудностями. Таким образом, от преподавателя требуется постоянная высокая эмоциональная отзывчивость на художественное содержание музыкальных произведений, над которыми работает его ученик, творческий подход к их трактовке и способам овладения их специфическими трудностями. Важно уметь каждый раз свежими глазами взглянуть на музыкальное сочинение, даже в тех случаях, когда трудно найти новую деталь трактовки в давно знакомом произведении. Почти всегда есть возможность, основываясь на предыдущем опыте, внести те или иные улучшения в процесс освоения этого произведения учеником, ускорить овладение его трудностями, – и тем самым сделать работу интересной и для себя, и для ученика.

Хорошо, если педагог в достаточной мере владеет инструментом и может показать разбираемое произведение в своей художественной интерпретации. Конечно же, исполнение в классе, для ученика, обязано быть таким же ярким, увлекательным, эмоциональным, как и на большой сцене.

Принцип: «сначала сыграй как я а потом как сам считаешь нужным» ни в коей мере не должен влиять на творческую самостоятельность ученика. Каждый из участников учебного процесса, и педагог, и ученик, имеет право на своё видение музыкально-художественного образа.

Также – одна из основных задач педагога-духовика, как впрочем, и любого другого музыканта, состоит в том, чтобы научить ребёнка слушать себя, ибо умение слышать понимать, осмысливать то, что заложено в музыкальном произведении – основа исполнительского мастерства. Часто мы сталкиваемся с тем, что ученик просто развлекает себя общим звучанием, не вслушиваясь и не заостряя внимание на том, что является основной задачей на данном этапе. В то время как работа над произведением, должна заставлять ученика слушать себя со стороны. Необходимо стремиться, во-первых, к полному, мягкому, во-вторых – к максимально певучему звуку. Недаром, одна из высших похвал исполнителю – «у его инструмент поёт». Пение, певучесть – главный закон музыкального исполнения, жизненная основа музыки.

Составив, таким образом, для себя общую картину произведения, охватив общим взглядом архитектуру музыкального здания, попробуем рассмотреть отдельные его части, (анализ формы, структуры). Возможно, это интересная повесть (соната, концерт), или объёмный рассказ (развёрнутая пьеса), или короткая история (небольшая пьеса). Многие педагоги-практики уделяют недостаточно внимания развитию мыслительных процессов при работе над музыкальным материалом. Анализ музыкального произведения зачастую просто опускается, делается акцент на чистое исполнение нотного текста. Как результат – у учащихся слабо развито музыкально-художественное мышление, которое необходимо при интеллектуально-интуитивном восприятии музыки. Между тем, как формирование художественного образа опирается на всестороннее понимание произведения, что невозможно в отсутствии эмоционального и интеллектуального начала. Тщательный художественно-теоретический разбор изучаемого сочинения стимулирует повышенный интерес, активизирует эмоциональное отношение к нему. На этом этапе первоначально созданный художественный образ получает своё развитие, обретает более чёткие краски, становится объёмным, живым. «Метод жизненных ассоциаций, а так же ассоциаций с другими произведениями искусства, но обязательно конкретных, наверняка доступных и понятных тем, кто тебя слушает, - один из самых действенных»

Юные исполнители, не обладающие пока достаточным опытом абстрактного мышления, легко ассоциируют музыкальные произведения с литературой или архитектурой. Накопленный с младших классов репертуар тематических произведений, таких как «Кошечка», «Весёлые гуси», «Бегемот», «Петушок» и др., положительно сказываются на развитии образного мышления. Развить его, не задвинуть в сторону под натиском технических проблем – задача педагога. Дети приходят в музыкальную школу учиться музыке. Овладение игрой на инструменте – лишь средство для достижения этой цели. Так изучение языка не является самоцелью, но средством коммуникации, когнитивного развития, приобщения к культуре народа. Не лишним будет напоминание – далеко не каждый выпускник ДМШ или ДШИ станет профессиональным музыкантом, но грамотными ценителями настоящего искусства – многие.

Итак, увидев музыкальное здание, произведения в целом, определив его составляющие, наметив экспозицию, развитие, кульминацию, финал, разложив каждое составляющее на фразы, мы понимаем, что самое большое, красивое, величественное здание состоит из маленьких кирпичиков (буквально – тактов). И каждый из этих кирпичиков прекрасен как сам по себе, так и в едином целом. Исполнитель различает отдельные мотивы-характеры, их взаимное развитие, контрастность и схожесть образов. Отметим, что работа над художественным содержанием обязательно происходит через осмысление структуры, логики тонального плана, гармонии, голосоведения, фактуры изучаемого произведения, т.е. всего комплекса художественно-выразительных и технических средств, используемых композитором. При этом развитие образа включает в себя не только анализ его структуры, но и выявление роли каждого элемента музыкального построения в раскрытии идей, эмоций, заложенных в данном произведении в соответствии с замыслом композитора. Принимая это во внимание, мы сознаём, что развивая художественно-образное мышление, никоим образом не следует выпускать из вида его интеллектуальную составляющую.

Таким образом, тщательно изучив произведение с точки зрения музыкальной формы, мы снова, кирпичик к кирпичику, собираем его воедино, полностью осмыслив предназначение каждого кирпичика-такта, каждой ноты-буквы в слове, их роль в общем построении музыкального изложения. При этом практически не стоит проблема заучивания наизусть. Подобно актёру, в поисках наиболее выразительной интонации повторяющему сотни раз одну и ту же фразу или слово, ученик обыгрывает каждый такт, интервал, даже одну ноту (особенно в пьесе кантиленного характера), не заучивая текст но «вживаясь» в него, развивая и совершенствуя свой музыкально-художественный образ.

В данной статье мы не рассматриваем технологическую сторону работы над текстом музыкального произведения – этому вопросу посвящено множество методической и методологической литературы. Нас интересует эмоционально-художественное осмысление музыкального материала, что включает в себя:

1. общее впечатление от первого проигрывания произведения,

2. разделение его на части, представляющие собой осмысленный, логически завершённый элемент изучаемого сочинения,

3. осмысленное сочетание частей, эпизодов через установление сходства и различия в эмоционально-техническом плане между ними, сопоставление тонального и гармонического языка, аккомпанемента, особенностей голосоведения, фактуры и т.д., и как следствие – сочетание различных художественных образов, развитие ассоциативных связей.

Безусловно, такая работа требует больших временных затрат. Многие педагоги, в погоне за учебным планом, не позволяют себе и ученику углубляться в художественную составляющую музыкального произведения, строят свою работу на строгом исполнении музыкального текста, многократных, однообразных его повторениях. В результате такой работы музыкальный материал постепенно заучивается наизусть, «входит в пальцы». И действительно – вся нагрузка при таких занятиях ложится на двигательно-моторную память (память пальцев). Запоминание носит механический, неосознанный характер. Исполнение выученного таким образом произведения наизусть лишено осмысленности, ученики играют «одни ноты», не понимая смысла музыки. Возможно, юный музыкант исполняет произведение достаточно чисто, но есть ли смысл в такой работе? О каком художественно-образном мышлении, интеллектуальном развитии в таком случае может идти речь?

Между тем, задача образования в современный период развития общества, отличающийся такими чертами, как глобальная интеграция, гибкость, подвижность мышления, диалогичность, толерантность и теснейшая коммуникация на всех уровнях – подготовить человека, соответствующего этой новой культуре. Во введении к Концепции государственного стандарта общего образования читаем: «Новыми нормами становятся жизнь в постоянно изменяющихся условиях, что требует умения решать постоянно возникающие новые, нестандартные проблемы; жизнь в условиях поликультурного общества, выдвигающая повышенные требования к коммуникационному взаимодействию и сотрудничеству…». Данный тезис требует развития у молодых людей творчества, воображения, креативного подхода к решению поставленных задач. Развитие этих качеств личности происходит, в том числе, и через обучение музыкальному искусству. «Ребёнок школьного возраста наиболее восприимчив к эмоционально-целостному, духовно-нравственному развитию, гражданскому воспитанию. В то же время недостатки развития и воспитания в этот период жизни трудно восполнить в последующие годы»

«Воспитание человека, формирование свойств духовно развитой личности, любви к своей стране, потребности творить и совершенствоваться есть важнейшее условие успешного развития России»

В заключении имеет смысл вспомнить прописную истину – в каждом ребёнке есть творческое зёрнышко, которое мы, преподаватели музыки обязаны развить. Каждый ребёнок – талантлив, каждый ребёнок – вселенная, и мы, учителя, в ответе за каждого маленького человека, пришедшего к нам. Пусть ваш ученик не станет профессиональным музыкантом, но если он будет творчески и интеллектуально развитым, успешно социализированным, востребованным в современном обществе гражданином – значит вы, как педагог, достигли главной цели в своей работе.

Список литературы

1. Арчажникова Л.Г. Профессия – учитель музыки: Кн. Для учителя. – М.: Просвещение, 1984. – 111 с.

2. Ветлугина Н.А. Музыкальное развитие ребёнка. – М.: Просвещение, 1967. – 415 с.

3. Данилюк А.Я., Кондаков А.М. Концепция духовно-нравственного развития и воспитания личности гражданина России: учеб. пособие. – М.: Просвещение, – 2009. – 24 с.

4. Каптерев П.Ф. Новая русская педагогия, ее главнейшие идеи, направления и деятели. – СПб.: Земля, 1914. – 211 с.

5. Кондаков А.М., Кузнецов А.А. Концепция федеральных государственных образовательных стандартов общего образования. – М.: Просвещение, 2008. – 39 с.

6. Нестьев И.В. Учитесь слушать музыку. – изд. 3-е. – М.: Музыка, 1987. – 63 с.

7. Панкевич Г.И. Искусство музыки. – М.: Знание, 1987. – 112 с.

8. Португалов К.П. Серьёзная музыка в школе: Пособие для учителей. – М.: Просвещение, 1980. – 144 с.

МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ ДОПОЛНИТЕЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ «КУЗЬМОЛОВСКАЯ ШКОЛА ИСКУССТВ»

Открытый урок проведенный с ученицей 4 класса Малова Арина (возраст 10 лет).

Тема: Работа над художественным образом в произведениях»

Преподаватель Добровольская Т.И.

дер. Лесколово

2017 г.

Тема урока : «Работа над художественным образом в произведениях»

Тип урока: комбинированный.

Цель урока: закрепление и усовершенствование навыков создания и воспроизведения художественного образа.

Задачи урока:

Образовательные:

закрепить навыки умения играть различные музыкальные произведения музыкально, эмоционально, образно, со слуховым контролем;

познакомить с интересными фактами из биографии композиторов, произведения которых исполняет ученица;

поиск исполнительских приёмов для передачи музыкального образа.

способствовать расширению музыкального кругозора.

Развивающие:

способствовать развитию творческих способностей (артистизм);

развивать музыкальный слух, память, внимание, внутреннюю культуру;

развивать эстетические и нравственные чувства;

развивать музыкальную эрудицию, из которой рождается чувство меры, стиля и вкуса;

способствовать развитию углубленного восприятия и передачи настроения в исполняемом музыкальном произведении;

способствовать развитию познавательной деятельности, креативного мышления.

Воспитательные:

формировать эмоционально-ценностное отношение к музыке, звучащей на уроке;

воспитывать музыкальный вкус;

содействовать развитию эмоциональной отзывчивости на музыку.

Методы обучения:

метод сравнения;

наглядно-слуховой метод;

метод наблюдения за музыкой.

метод размышления о музыке

метод эмоциональной драматургии;

словесные методы: беседа (герменевтическая, эвристическая), диалог, объяснение, разъяснение;

метод музыкального обобщения;

метод пластического моделирования.

Репертуарный план урока:

1. Гамма E dur

3. С. Баневич «Солдатик и балерина»

План урока:

1.Организационный момент

2. Работа над гаммой.

3. Работа с музыкальным материалом

4.Закрепление пройденного материала.

5. Итог урока

6. Домашнее задание

Введение.

Музыкально-художественные образы учащегося, это живые, одухотворённые, активно и динамично развивающиеся «явления», с которыми он вступает в невербальный контакт, испытывая чувство духовного удовлетворения в процессе этого общения. Поэтому важнейшим моментом развития когнитивных (познавательных) способностей можно считать воспитание в ученике исполнительской самостоятельности - умения по-своему интерпретировать произведение, создавать и развивать свои музыкально-художественные образы, самостоятельно находить технические приёмы для воплощения своего замысла.

Неоспоримо понятие, что музыка - это особый язык общения, музыкальный язык, подобно языку немецкому, английскому и т.п. Увлечённый своим делом, грамотный педагог старается донести эту точку зрения до своих учеников, сформировать ассоциативную связь между музыкальными и художественными произведениями, сравнивая пьесы со стихами, сказками, рассказами и повестями. Конечно же, не следует понимать язык музыки в прямом смысле как язык литературный. Выразительные средства и образы в музыке не столь наглядны, конкретны, как образы литературы, театра, живописи. Музыка оперирует средствами чисто эмоционального воздействия, обращается преимущественно к чувствам и настроениям людей. «Если бы всё, что происходит в душе человека, можно было бы передать словами, - писал А.Н.Серов, - музыки не было бы на свете» .

Поскольку мы говорим о создании и развитии художественного образа, необходимо определить, что подразумевается под понятием «содержание музыкального произведения». Общепринятым понятием является то, что содержание в музыке составляет художественное отражение музыкальными средствами человеческих чувств, переживаний, идей, отношений человека к окружающей его действительности. Любое музыкальное произведение вызывает некие эмоции, мысли, те или иные настроения, переживания, представления. Это и является художественной составляющей музыкального сочинения. Но, безусловно, при его исполнении нельзя упускать из вида и техническую сторону музицирования, поскольку небрежное исполнение музыкального произведения не способствует созданию желаемого образа у слушателя. А значит, перед педагогом и учащимся встаёт довольно сложная задача - соединить эти два направления при работе над музыкальным произведением, синтезировать их в единый системный, целостный подход, метод, где раскрытие художественного содержания неразрывно связано с успешным преодолением возможных технических сложностей.

Ход урока:

1. В начале урока проигрываем гамму Ми мажор. Еще раз проигрываем гамму уточняя аппликатуру. Далее происходит работа над гаммой в терцию и дециму. Особое внимание обращается на динамические оттенки в проигрывании гаммы.

Далее идет работа над аккордами и арпеджио руками. Вспоминаем, что арпеджио мы играем «как бы рисуя петли» каждой рукой. Работа над арпеджио в динамическом плане над короткими, ломаными и длинными.

В работе над аккордами добиваемся плавного яркого звучания и активности пальцев при взятии аккордов из инструмента и последующего его переноса.

Игра D7.

Домашнее задание.

Полифония - главное в воспитании ученика (Нейгауз). Работа над полифоническими произведениями является неотъемлемой частью обучения фортепианному исполнительскому искусству. Это объясняется тем громадным значением, которое имеет для каждого играющего на фортепиано развитое полифоническое мышление и владение полифонической фактурой. Умение слышать полифоническую ткань, исполнять полифоническую музыку учащийся развивает и углубляет на всем протяжении обучения

По общему настроению инвенция Фа мажор близка части "Gloria" ("Слава") из баховской Мессы си минор. В основе инвенции - тема, сначала поднимающаяся по ломаному трезвучию (фа-ля-фа-до-фа-фа), а затем спускающаяся (фа-ми-ре-до, ре-до-сиb-ля, сиb-ля-соль-фа). Тема радостная, легкая, быстрая. Здесь можно говорить о множестве риторических и символических фигур. Сам контур темы - восхождение по трезвучию и гаммообразный спуск соответствуют строфе хорала "Христос лежал..." - "Хвалите Господа", в то же время спуск - это трижды по четыре ноты - символ Святого Причастия. Радостная, легкая и быстрая тема содержит восхождения и спады - возникают ассоциации с полетом ангелов. С 4-го такта появляется перезвон колокольчиков - славление Господа (ля-до-сиb-до, ля-до-сиb-до, ля-до-сиb-до) - снова трижды по четыре ноты - символ Святого Причастия. В 15 такте в нижнем голосе и в 19 такте в верхнем голосе резко высвечивается интервал нисходящей уменьшенной септимы - символ грехопадения. В тактах 5-6, 27-28, 31 появляется параллельное движение секстами - символ довольства и радостного созерцания.

Инвенция написана в 3-х частной форме - 11+14+9 тактов.

Первый раздел, начавшись в Фа мажоре, заканчивается в До мажоре. Второй раздел, начавшись в До мажоре, заканчивается в Си-бемоль мажоре. Третий раздел, начавшись в Си-бемоль мажоре, заканчивается в Фа мажоре.

Полифоническая особенность этой своеобразной фуги - каноническая имитация. Однако этот канон, идущий вначале строго в октаву, перескакивает в нижнюю нону (в 8 такте), а в такте 11 прерывается.

Показ и работа с ученицей над фрагментами произведения. Работа над динамическим планом, работа над созданием образа «полёта ангелов».

Работа над инвенциями И.С.Баха помогает понять мир глубоких, содержательных музыкально-художественных образов композитора. Изучение двухголосных инвенций много дает учащимся детских музыкальных школ для приобретения навыков исполнения полифонической музыки и для музыкально-пианистической подготовки в целом. Звуковая многоплановость свойственна всей фортепианной литературе. Особенно значительна роль работы над инвенциями в слуховом воспитании, в достижении тембрового разнообразия звучания, в умении вести напевную мелодическую линию.

3. С.Баневич «Солдатик и балерина».

Проигрывание произведения наизусть. Диалог с учеником о его мнении по поводу сыгранного произведения.

Рассказ по сказке Г.Х. Андерсена об истории оловянного солдатика. Создание образа оловянного солдатика и балерины. Их взаимоотношений.

Показ и работа с учеником над фрагментами в музыкальном произведении и создании музыкального образа для данного фрагмента. Работа над динамическим планом в произведении. Работ над педализацией.

4. И. Парфёнов «В весеннем лесу»

Проигрывание произведения наизусть. Разбор с учеником удавшихся и неудавшихся моментов.

Диалог с учеником о его представлении весеннего леса, для более детальной работы над фрагментами в произведении.

Работа над динамикой и педализацией в произведении.

ИТОГИ УРОКА: рефлексия (анализ деятельности) и саморефлексия (самоанализ)

Что успели сделать

Что не успели, что доделать

Что понял, что не понял

Чему научился

Что было трудно, что не очень. Анализ своих ошибок.

Эмоциональные итоги: что понравилось, как настроение.

Отметка 1-5

Оценка - общее впечатление

Вывод: Цель урока достигнута, не достигнута.

Заключение

Самоанализ урока: Мы считаем, что урок удался, а цель урока -работа над художественным образом в произведениях была достигнута. В конце урока на контрольном проигрывании ученица попыталась максимально передать свои внутренние ощущения и эмоции. Конечно, об интонации говорится на каждом занятии, но обычно на обыкновенных рабочих уроках преподаватель ставит сразу несколько задач (текстовых, технических, интонационных и др.), поэтому учащемуся трудно сосредоточиться в полной мере, например, на задаче правильного интонирования.)

Данный тематический урок ценен именно тем, что перед ребёнком ставится только одна конкретная задача и ему легче сосредоточиться именно на ней. Это помогает ребёнку эмоциональней воспринять данный материал, запомнить его и применять в исполнении. Безусловно, открытый урок предполагает новую непривычную обстановку и для педагога и для обучающегося, поэтому, можно сказать о некоторой зажатости, скованности и напряжённости у ребёнка и преподавателя. Все запланированные этапы занятия были выполнены, уложены в урочное время, задачи урока определены. Учащаяся показала умение работать над деталями и в целом, над нюансами и музыкальными фразами, над исправлением неточностей и ошибок в исполнении. Восприятие указаний педагога быстрое и сознательное. Ученица на уроке показала своё умение через звук высказать свои внутренние ощущения.